Voir la nature autrement : “Les Yeux Fermés”, l’exposition de peintures et de sculptures de Joanna Painter, se déroulera à Valbonne du 9 au 21 avril

Une artiste qui regarde au-delà du réel… pour mieux voir

Alors que le monde entier prend conscience des enjeux liés à l’accélération du réchauffement climatique, les artistes ont toujours eu une longueur d’avance : depuis des années, ils interpellent, alertent et sensibilisent sur la fragilité et la grâce du monde qui nous entoure.

C’est notamment ce qui séduit dans la démarche de la franco-anglaise Joanna Painter, installée depuis 2020 dans l’emblématique village de Saint-Paul-de-Vence.

Cette artiste atypique crée en s’inspirant de la nature, de la lumière et de la beauté. Peut-être pour mieux comprendre qui est Dieu ou ce qu’est La Source ? Aujourd’hui, elle a surtout acquis une certitude : elle explore pour se sentir vivante.

Son travail est conçu comme une célébration et une révérence au vivant, ce qui amène l’artiste à aborder notre inconscience et apparente insouciance par rapport à des sujets en lien avec l’écologie : la pollution, le changement climatique, la protection de la nature, la biodiversité, les ressources naturelles, etc.

Une démarche singulière qui a séduit la mairie de Valbonne ! Le service culturel a proposé à l’artiste de réaliser une exposition solo à la Chapelle Saint-Esprit durant l’incontournable “Loca’Val”, un événement qui valorise depuis quatre ans les initiatives locales pour consommer de manière plus durable et plus responsable.

L’exposition “Les Yeux Fermés” sera à découvrir du mardi 9 au dimanche 21 avril 2024. 

Dans ma quête artistique, la beauté est fondamentale. Je veux partager des sensations que je ne peux pas articuler avec les mots. Envoutée, Ensorcelée…je glisse vers un aperçu d’un autre espace-temps.

Joanna Painter

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Un travail hyperréaliste qui intègre aussi le monde des yeux fermés

Par instants, Joanna Painter voit et ressent des choses qu’elle ne peut exprimer qu’à travers le processus créatif, par la peinture surtout, mais également en utilisant le dessin et la sculpture.

Elle essaie de saisir cette expérience ressentie. En la peignant, elle cherche à la faire revivre ou à la capturer dans son intégralité avec son mystère intact ; des qualités qui semblent être en dehors des mots.

C’est cette sensation d’émerveillement à la création, à la nature qui nous entoure, qu’elle rend en détail avec son travail hyperréaliste. Joanna cherche à voir, à vraiment voir.

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En même temps, elle intègre aussi le monde des yeux fermés : celui de l’imagination, des rêves, des désirs. Elle se rend compte qu’elle est volontairement aveugle, comme nous le sommes tous.

On fait le choix de voir ou de ne pas voir. Peut-être à cause d’un sentiment d’impuissance face aux souffrances dans le monde, les guerres interminables, la crise écologique. Mais Joanna assume pleinement d’admirer et de vénérer la nature, d’être sensible et à l’écoute.

“La pollution et la dégradation de l’environnement, l’épuisement des ressources et le changement climatique, il ne faut pas laisser faire ! Le devoir envers notre terre est de la respecter et de la protéger”, explique Joanna.

Ce sont tous ces sujets qu’elle aborde avec son exposition personnelle nommée “Les Yeux Fermés”.

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Une exposition qui se déroulera pendant le “Loca’Val”

Joanna soutient l’événement Loca’Val depuis sa toute première édition. Pour ce projet dédié aux initiatives locales invitant à consommer de manière plus durable et plus responsable, elle avait animé dès 2020 un atelier de papier mâché avec le public.

L’année suivante, elle avait aussi exposé quelques-unes des œuvres réalisées avec les élèves des classes qu’elle anime en tant qu’Intervenante en art.

En parallèle, Joanna participe aussi depuis plusieurs années avec la ville de Valbonne : elle a notamment intégré l’Artothèque, avec laquelle elle a déjà réalisé plusieurs expositions et événements.

Pour la 4ème édition de Loca’Val, Joanna va présenter une grande partie de son travail durant une exposition où tableaux et sculptures communiquent. Dans certains tableaux, les visiteurs les plus avertis remarqueront aussi une référence visuelle, un élément caché qui évoque une œuvre d’art célèbre.

Joanna, quant à elle, a hâte de découvrir les ressentis des spectateurs…

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L’avis de Patricia Civel, directrice de l’Artothèque Valbonne

“Douée d’un exceptionnel talent de dessinatrice, Joanna Painter, artiste anglaise au nom prédestiné, propose sa vision du monde à travers des toiles percutantes où la nature est notamment représentée dans toute sa force.

Joanna Painter, artiste anglaise installée à Saint Paul de Vence, a eu la chance au début de sa carrière d’être exposée à la “National Portrait Gallery” où ses talents exceptionnels ont été remarqués.

La Côte d’Azur lui apporte une qualité de lumière inédite pour elle et la conforte dans sa recherche absolue du détail. Si aucune photographie ni transposition ne s’interposent entre elle et son sujet (techniques souvent employées par les tenants de l’hyper-réalisme), son style s’apparente à ce courant où elle ne se reconnaît qu’à moitié. Sa maîtrise parfaite du dessin lui permet de représenter tout sujet avec une vérité criante.

Mais Joanna ne se contente pas de ce savoir-faire. Engagée au niveau de ses idées, passionnée par les combats de son époque (situation de la femme, lutte pour la protection de l’environnement, etc.), ses toiles prennent des allures de manifestes où elle n’hésite pas à se représenter en personne.

Consciente du pouvoir pacifique des images, elle revendique également une sorte de droit au bonheur pour tous.”

J’essaie d’ouvrir une porte entre la réalité et un autre monde que j’ai entrevu. Je me sens investie d’une mission: créer des tableaux de grande qualité qui ont le pouvoir de transporter les gens à travers leur imagination dans un lieu magique. Je veux qu’ils se sentent exaltés, connectés à une énergie plus forte, comme moi-même quand je peins…

 Joanna Painter

Une artiste bilingue aux multiples facettes

Cette exposition est une porte d’entrée qui permet de s’immerger dans l’univers de Joanna.

Au-delà des tableaux, dessins et sculptures originaux qui seront proposés à la vente de 500€ à 5000 €, les amateurs d’art, de beauté et de nature pourront aussi échanger avec l’artiste et, pourquoi pas, découvrir par la suite d’autres facettes du travail de cette artiste passionnée.

Impressions fine-art

Parce que l’art doit toujours rester accessible à tous, même avec un petit budget, Joanna propose des dessins et des impressions fine-art à des tarifs très abordables (de 45 à 150 €).

Commandes

Joanna réalise des tableaux “la commande” à partir de 500 €.

Cours d’art pour adultes et enfants à partir de 3 ans

Joanna a beaucoup travaillé dans les écoles en tant qu’Intervenante agrémentée en art pour l’Éducation Nationale. Elle a également travaillé avec une compagnie de théâtre pour enfants pour laquelle elle a dirigé les ateliers pour créer le décor et les accessoires pour leurs spectacles.

Un engagement qui lui tient particulièrement à cœur : “Il est fondamental de partager l’art avec les enfants, afin de développer leur créativité et leur expression artistique. Tout simplement parce que le futur leur appartient ! Pourtant, aujourd’hui, il y a peu de place pour valoriser leur inventivité dans le système éducatif…”

Aujourd’hui, de nombreux élèves, adultes comme enfants, participent à ses cours d’art plastique dans son atelier.

À propos de Joanna Painter

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Joanna est née à Changi (Singapour), car son père Rod Painter travaillait dans la Royal Air Force (l’armée de l’air britannique). Elle a ensuite grandi dans le Devon, en plein cœur de la campagne anglaise.

Elle a réalisé ses études à l’université de Warwick, mais Joanna a aussi beaucoup appris en regardant les œuvres dans les musées et galeries d’art, comme la Tate Gallery.

Le portrait a toujours été très important pour moi ! C’est en réalisant une série d’autoportraits que j’ai appris à me connaître. J’ai ainsi découvert la joie et la passion, deux moteurs qui m’ont d’ailleurs permis de surmonter une dépression.

Le talent de Joanna est très vite remarqué : en 1993 et 1994, elle est sélectionnée pour intégrer le BP Young Artist of the Year exhibition au National Portrait Galley à Londres.

Quatre ans plus tard, en 1998, Joanna emménage à Nice avec son mari. Puis, suite à la naissance de leurs enfants, toute la famille s’est installée à La Colle sur Loup.

En 2020, ils ont emménagé dans leur nouveau home sweet home, idéalement situé dans le village d’artistes de Saint-Paul-de-Vence.

Un parcours artistique résumé en quelques temps forts

​Formation 

  • BA in ART with qualified teacher status
  • Warwick Univesity 1989-92

Distinctions et récompenses

  • BP Young Artist of the Year Exhibiton 1993 & 1994
  • The National Portrait Gallery, London

Expositions Solo

  • Beaulieu sur-mer « Force Vitale » 2000 & « Cherchant l’Esprit de la Nature » 1999
  • Villefranche sur-mer « Quintessence »2001
  • La Colle sur Loup « Portraits d’un Artiste » 2011

Expositions Collectives

  • Royal West of England Academy, Beatrice Royal Gallery, Eastleigh, UK. Romainmôtier & Vevey Suisse
  • Nice, Bar sur Loup, La Colle sur Loup, Fréjus, Tourrettes sur Loup, Théoule-sur-Mer, Valbonne …..

Expériences professionnelles et manifestations marquantes

  • Intervenante en art (agrémentée Éducation Nationale) depuis 2009
  • Participation chaque année au Festival d’Arts Plastiques pour Enfants (FAPE à Mouans Sartoux)
  • Direction des ateliers pour enfants, création de décors et accessoires pour les spectacles de Beauville Arts (stages artistiques & théâtre musical)
  • Enseignante en art ; enfants et adultes avec l’association « Art Expression avec Jo Painter »
  • Participation aux manifestations : La Fête de la Rose et les Métiers d’Antan à La Colle sur Loup, Les 500 ans de Valbonne et la Commémoration de la 1ere Guerre Mondiale à Valbonne, artiste de l’Artothèque de Valbonne et de l’association Art Tisse…

Informations pratiques

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“Les Yeux Fermés” – Une exposition de peinture et sculptures de Joanna Painter inspirées par la nature.

  • Lieu : salle Saint-Esprit, rue de la Paroisse, 06560 Valbonne
  • Dates : du mardi 9 avril au dimanche 21 avril
  • Horaires : ouvert tous les jours de 10h à 12h et de 14h à 18h
  • Vernissage : à partir de 18h, le mardi 9 avril
  • Dernissage : en présence du Maire, pour la fête de Loca’Val le dimanche 21 avril à 11h

En savoir plus

Site web : https://www.joannapainterart.com/

Facebook :

Instagram : https://www.instagram.com/joannapainterart/

TikTok : https://www.tiktok.com/@user4276717606121?_t=8i2XvTYYeYK&_r=1

Sculptures textiles : l’artiste française Annie Cicatelli réinvente le crochet dans ses tableaux upcyclés inspirés des fonds marins

Reflet des préoccupations de son temps, l’art contemporain évolue en permanence pour partager un autre regard sur le monde, interpeller les spectateurs.trices et susciter la réflexion sur les enjeux de notre société moderne.

À commencer par la nécessaire préservation de l’environnement, qui inspire les futurs grands noms de demain.

En France, Annie Cicatelli a choisi d’explorer cette thématique en empruntant une voie singulière. Cette artiste atypique donne vie à d’incroyables sculptures textiles, des tableaux colorés à la symbolique forte.

Créées en crochet, une technique qu’elle remet sur le devant de la scène, ses pièces inspirées des fonds marins sont exclusivement conçues dans des matériaux recyclés.

Depuis plusieurs années, toutes mes créations invitent à protéger la planète, et en particulier les océans.

Annie Cicatelli

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Une autre façon de créer pour mieux sensibiliser à la protection de la planète

L’art de demain sera écologique ou ne sera pas… Annie Cicatelli veut créer autrement, en intégrant un précepte clé de la mouvance “zéro déchet” : la ressource la moins polluante est celle qui n’a pas été produite.

Alors pour ses fils et ses supports, elle est devenue une adepte du recyclage. Pour donner vie à ses pièces, elle utilise des planches à repasser, des présentoirs de cartes postales, des grilles, des passoires, ainsi que nombre d’objets récupérés dans les encombrants ou chinés dans les vide-greniers et chez Emmaüs.

Ces matériaux insolites deviennent soudain précieux et occupent une place centrale dans la démarche de l’artiste.

En travaillant au crochet, Annie Cicatelli s’inscrit aussi dans une lignée d’artistes qui ont utilisé le textile dans notre pays, notamment dans la haute couture.

Un savoir-faire qui se transmet depuis des milliers d’années : savez-vous par exemple que le plus ancien témoignage textile retrouvé en France est un fragment de corde en fibres végétales daté du paléolithique, découvert dans la grotte de Lascaux ? Dès cette période extrêmement précoce, les habitants de ce territoire savaient filer et tordre les fibres végétales, première étape d’un processus de plus en plus complexe.

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Un univers à découvrir en France et en Belgique

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Tous ceux et celles qui aiment le travail d’Annie Cicatelli, ou qui souhaitent le découvrir, pourront aller à la rencontre de l’artiste durant plusieurs expositions accessibles en “entrée libre” dans les mois à venir :

  • 22 au 24 septembre : Expo4Art, Halle des Blancs Manteaux, Paris 4ème ;
  • 20 au 22 octobre : Art Shopping Paris, Carrousel du Louvre ;
  • 17 au 19 novembre : Saint-Leu Art Expo, exposition métiers d’art à Saint-Leu ;
  • 15 au 17 décembre : Expo4Art, Halle des Blancs Manteaux, Paris 4ème ;
  • 4 au 28 janvier : exposition à l’Espace Art Gallery, Bruxelles, Belgique ;
  • 17 au 21 janvier : salon d’Automne, La Villette.

À propos d’Annie Cicatelli

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Annie Cicatelli a longtemps fait du dessin pour la broderie et elle a d’ailleurs publié plusieurs livrets sur le sujet.

Passionnée par le crochet, elle a découvert cette technique au Brésil, où elle a vécu plus de 25 ans sur une île, dans une région qui œuvre pour la préservation de l’environnement et des tortues marines.

Là-bas, le crochet est très présent dans les objets du quotidien. Il est même très tendance : sur les réseaux sociaux, les gens et les artistes affichent fièrement leurs réalisations créées avec cette technique.

C’est cet état d’esprit et ce savoir-faire qu’Annie Cicatelli souhaiterait diffuser en France le plus largement possible.

Notre pays a une véritable culture textile ! Nous sommes réputés dans le monde entier pour la qualité technique et artistique de nos tapisseries, soieries, dentelles, broderies et étoffes imprimées. Il est donc temps de redonner toute sa place au crochet.

Dans quelques années, elle prévoit ainsi de lancer une structure pour accueillir d’autres adeptes du crochet, hommes ou femmes, à la retraite ou ayant des enfants en bas-âge (ce qui n’est pas compatible avec des horaires “de bureau”). Pour les aider à avoir un complément de revenus, cette structure leur fournirait du matériel, des patrons, et toutes les conditions nécessaires pour la confection d’objets déco ou vestimentaires. Ils pourraient ainsi être rémunérés en fonction de leur production.

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En savoir plus

Site web : https://www.anniecicatelli.com

Blog : https://anniecicatelli.wordpress.com/

Instagram : https://www.instagram.com/anniecicatelli/

Facebook : https://www.facebook.com/annie.cicatelli

Inclusivité : une exposition célèbre jusqu’au 20 septembre les 30 ans de la Théorie érotique du clocher de Collioure

Lancée en 1993 par Marc André 2 Figueres, la théorie érotique du clocher de Collioure est une des premières œuvres d’art inclusive qui préfigurait l’évolution de la société occidentale vers un monde non genré.

À sa sortie, elle a suscité un intérêt important du fait du caractère novateur, profondément intime et provocateur de cette vision artistique.

Elle fête aujourd’hui ses 30 ans, au travers d’une exposition commémorative et évolutive dans la galerie de l’ancienne mairie de Collioure.

À voir d’urgence, jusqu’au 20 septembre 2023.

Aujourd’hui, pour ces 30 ans, la Théorie érotique du Clocher de Collioure est devenue le symbole d’une société occidentale en transition vers un monde “dé-genré” qui ne dérange plus.

Marc André 2 Figueres

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Une vision artistique du territoire

La Théorie érotique du Clocher de Collioure est une vision artistique du territoire créée et développée par l’artiste Marc-André 2 Figueres.

Cette théorie désigne principalement l’ouvrage éponyme de l’artiste mais constitue, dans l’esprit et l’intention de son auteur, un acte artistique plus large qui comprend des peintures, des gravures et a inspiré une installation permanente de sculptures.

La baie de Collioure est révélée comme « hermaphrodite » avec son clocher « phallique » et une architecture du Port évoquant des courbes féminines.

La genèse d’une approche novatrice

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Le clocher de l’Église de Collioure est le seul au monde à avoir les pieds dans l’eau mais il possède une particularité encore plus singulière puisqu’il est surnommé : le clocher phallique.

À partir de cette idée, Marc-André 2 Figueres a élaboré une “Théorie Érotique du Clocher de Collioure”, articulée autour de 23 toiles, de dessins et d’une publication.

Cette théorie est alimentée par la confrontation de deux documents :

  • Une vue topographique de Collioure ;
  • Et une coupe anatomique longitudinale d’une femme enceinte, réalisée d’après des études de Léonard de Vinci sur le corps humain.

La comparaison va s’établir par le jeu d’associations anatomiques des différentes parties du port, observées à partir de deux points de vue particuliers, de près ou de loin. Celle-ci est une vue de l’esprit, une re-construction de la réalité un peu comme dans un procédé en trois dimensions.

Une transposition du paysage à partir de deux images juxtaposées, à priori identiques mais en réalité légèrement différentes parce que conçues l’une pour l’œil droit et l’autre pour l’œil gauche.

Les deux yeux ne voyant pas les mêmes choses, le cerveau va superposer les deux propositions pour n’en former qu’une seule, une image nouvelle, recomposée, imaginaire mais pourtant bien vivante, qui va synthétiser les nouveaux pôles topographiques attribués au corps.

Aller plus loin avec le livre éponyme

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La Théorie érotique du Clocher de Collioure est aussi un ouvrage de l’artiste Marc-André 2 Figueres paru en juillet 1993. Il est paru simultanément en français et en catalan.

Ce livre présente cette théorie avant-gardiste, soutenue pour la première fois en 1992 par l’artiste Marc-André 2 Figueres dans le chapitre 14 de sa thèse de doctorat “Territoire empreint – emprunt de territoire”.

L’artiste y livre sa vision artistique du territoire à partir d’une observation physique de ses caractéristiques. Il effectue ainsi une lecture « genrée » de la réalité du territoire et la fait partager au lecteur. Dans cette vision, la baie de Collioure est révélée comme « hermaphrodite » avec son clocher « phallique » et une architecture du Port évoquant des courbes féminines.

La Théorie érotique du Clocher de Collioure est composée de six chapitres :

  1. L’expérience générale d’observation du paysage particulier de Collioure.
  2. La description du clocher de Collioure.
  3. Le cœur de la « Théorie » : explication des points de rapprochement opérés par l’artiste entre une coupe longitudinale féminine (d’après une étude de Léonard de Vinci) et une vue topographique du Port de Collioure.
  4. La dualité et l’hermaphrodisme dans la vision artistique.
  5. Le concept de l’empreinte, auquel l’artiste donne une dimension spirituelle et artistique.
  6. Une courte conclusion sur la portée philosophique de la Théorie érotique du Clocher de Collioure dans la perception du territoire en général.

À propos de Marc-André 2 Figueres, artiste précurseur

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Après des études à l’École supérieure des Beaux-arts de Perpignan, Marc-André 2 Figueres entame des recherches sur les techniques de moulage et invente de nouveaux procédés. Parallèlement, il développe son travail autour des entonnoirs et du concept d’objets hermaphrodites à partir de 1987. Docteur en Art et sciences de l’art de l’Université de Paris I-Sorbonne en 1992, il y enseigne à partir de l’année suivante, avant d’y fonder le laboratoire ARTS (Arts, Recherches, Technologies, Sciences).

Marc-André 2 Figueres est l’auteur de la Théorie érotique du clocher de Collioure3, qui a donné lieu à l’installation d’un parcours de sculptures-cadres (cadres vides) : les Points 2 vue dans cette commune en 2005.

L’objet fétiche de l’artiste, vu par lui comme un symbole du genre, est l’entonnoir. Il y voit « la dualité du féminin et du masculin. Il contient la féminité et incarne la virilité à l’extérieur. » L’artiste l’a décliné sous différentes formes et différents supports tout au long de sa carrière. Une rétrospective, organisée en 2011 à Perpignan, a retracé l’ensemble de ces travaux dans cinq musées et à travers la ville. Marc-André 2 Figueres obtient le 8 septembre 2011 le record du monde Guinness pour la réalisation de l’entonnoir le plus grand du monde.

En juillet 2012, il crée le premier timbre-poste creux au monde pour la poste andorrane et construit sur le modèle du Point 2 vue.

En 2013, Marc-André 2 Figueres installe à Sorède (Pyrénées-Orientales) un cadran solaire monumental de douze mètres de haut en hommage au padre Himalaya qui construisit le plus grand four solaire de l’époque, en 1900, à Sorède.

L’installation en 2014 d’un nouveau cadran solaire monumental à Rivesaltes (Pyrénées-Orientales), Solart2, marque la spécialisation de l’artiste dans la réalisation de cadrans solaires monumentaux.

Ce dernier cadran solaire est par ses dimensions, trente mètres de long et vingt-deux mètres de haut, un des plus grands cadrans horizontaux d’Europe. Solart2 est le seul projet des Pyrénées-Orientales labellisé par l’UNESCO dans le cadre de l’Année internationale de la lumière et des techniques utilisant la lumière en 2015. En 2016, Solart222 est l’objet d’étude d’un projet pédagogique mené par l’école de Saint-Brévin-les-Pins en Loire-Atlantique et distingué en 2017 par la fondation La Main à la pâte, soutenue par l’Académie des sciences.

Informations pratiques

  • Exposition Théorie Érotique du Clocher de Collioure de Marc-André 2 Figueres
  • Lieu : Galerie de l’ancienne mairie
  • Adresse : 16 place du 18 juin 66190 Collioure
  • Dates : Jusqu’au 20 septembre

En savoir plus

Découvrir la Trilogie érotique du Clocher de Collioure : https://www.ma2f.com/trilogie-erotique/theorie-erotique-clocher-collioure/

Site web : https://www.ma2f.com

Facebook : https://www.facebook.com/ma2f

Instagram : https://www.instagram.com/defigueres

L’artiste peintre Pascale Kosior expose son monde imaginaire à la Galerie de l’Europe à Paris du 5 au 18 juin

C’est un rendez-vous très attendu des amateurs d’art : l’exposition annuelle des œuvres de Pascale Kosior à la Galerie de l’Europe, idéalement située en plein cœur de Paris.

Devant cette nouvelle série de ses “Cartes Imaginaires”, qui seront exposées du 5 au 18 juin, chacun.e va se prendre à rêver, à chercher des formes familières, un peu comme lorsque l’on regarde les nuages…

Car le travail de cette artiste peintre séduit par son originalité : d’une grande finesse esthétique, il intrigue, interroge, invite à réinventer les contours de notre monde.

Je propose une représentation de notre monde (d’hier ou de demain ?) à la manière de cartes anciennes. Mon inspiration ? Les changements climatiques, qui peu à peu redessinent les contours des pays et des continents.

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Une artiste française déjà reconnue à l’international

Passionnée depuis toujours par la peinture, Pascale s’est inscrite aux Beaux-Arts de Versailles durant ses études de sciences économiques. “Je nourris une véritable fascination pour la couleur et le trait”, explique-t-elle.

Au début des années 90, elle fréquente l’atelier parisien du peintre et musicien argentin, Juan Carlos Caceres qui lui enseigne l’art de la couleur et la conforte dans sa vocation. Depuis ses premières expositions au début des années 2000, Pascale s’affirme ainsi dans un style et une technique très personnels, entre abstraction et figuratif.

Je peins exclusivement à l’huile, crée mes propres couleurs et joue avec les pigments purs. Ma technique autorise une grande liberté d’expression et permet d’obtenir une luminosité incomparable, de jouer avec les transparences et de travailler mes sujets dans l’épaisseur.

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Aujourd’hui, Pascale vit à Paris. Elle a installé son nouvel atelier dans le quartier Saint-Louis de Versailles.

Chaque année, depuis 2017, elle expose à la Galerie de l’Europe, rue de Seine dans le 6e arrondissement parisien. En parallèle, elle a aussi été Directrice artistique de « L’Expo » pour l’entreprise Eiffage Construction en 2017 et 2018.

Les toiles de Pascale s’exportent désormais en Europe, aux États-Unis et au Moyen-Orient.

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La série “Un autre monde”

Pascale Kosior réinvente les contours de notre monde. Elle nous offre, avec ses cartes imaginaires, une représentation passée ou future de notre monde.

Elle étudie les multiples facettes de cet univers depuis plusieurs années : ses précédentes “Cartes Imaginaires” ont d’ailleurs déjà été exposées à la Galerie de l’Europe en 2020 et en 2022.

Très attachée à la nature, cette peintre atypique travaille aussi sur d’autres séries dans son atelier :

  • “Océans” : explorant d’autres façons de représenter la nature et sa fragilité, Pascale Kosior nous fait voyager sur des océans de fleurs inventées et hypnotiques ;
  • “Horizons” : pour laisser le regard se perdre dans l’infini.

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Précédentes Expositions

  • 2022 – Exposition personnelle, Galerie de l’Europe, Paris
  • 2020 – Exposition personnelle, Galerie de l’Europe, Paris 6
  • 2019 – Salon d’art contemporain EXPO4ART, Halle des Blancs Manteaux, Paris
  • 2019 – Exposition personnelle, Galerie de l’Europe, Paris
  • 2018 - Exposition personnelle, Galerie de l’Europe, Paris + Directrice artistique de « L’EXPO 2 » EIFFAGE, Galerie de l’Architecture, Paris
  • 2017 - Exposition personnelle, Galerie de l’Europe, Paris + Directrice artistique de « L’EXPO 1 » EIFFAGE, Galerie de l’Architecture, Paris
  • 2016 – Exposition collective « Turbulences et Renaissance », Espace Raspail, Paris + Exposition personnelle, Espace 42, Quai des Célestins, Paris
  • 2014 – Exposition personnelle, Espace 42, Quai des Célestins, Paris
  • 2005 – Exposition personnelle, Présence Rive Gauche Montparnasse, Paris
  • 2004 – Exposition collective « Lumière Noire », Espace Christiane Peugeot, Paris

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Informations pratiques

Exposition personnelle de Pascale Kosior

  • Lieu : Galerie de L’Europe, 55 rue de Seine, 75006 Paris
  • Dates : du 5 au 18 juin 2023
  • Horaires : de 11h à 19h, en présence de l’artiste

Pour en savoir plus

Site web : https://www.pascalekosior.com/

Instagram : https://www.instagram.com/pascalekosior/

Art Digital : l’artiste peintre Pedro Viana Parente utilise l’art digital pour créer une nouvelle collection surréaliste

Connu pour ses peintures à l’aquarelle lumineuses et expressives, qui captivent les regards, l’artiste Pedro Viana Parente vous présente sa nouvelle collection d’œuvres d’art digital, où la technologie rencontre la créativité pour créer des œuvres d’art à couper le souffle ! Il fait parti des artistes peintres à suivre en 2023.

L’artiste franco-brésilien utilise notamment pour cette collection, centrée sur les femmes, les dernières avancées technologiques pour créer des œuvres d’art digitales uniques.

En utilisant des techniques numériques, je m’ouvre à de nouveaux horizons créatifs. Les œuvres d’art qui jaillissent ainsi transcendent les limites de ce qui est possible avec les pratiques traditionnelles.

Pedro Viana Parente

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Un style contemporain témoignant de valeurs essentielles

Pedro Viana Parente s’inspire des paysages, des bateaux et de la nature pour créer des œuvres évocatrices qui abordent avec finesse des thèmes écologiques importants.

Dès ses débuts, Pedro Viana Parente utilise principalement des matériaux contemporains comme l’aquarelle, également l’huile qui donna naissance à ses premiers tableaux.

Bateau de pêcheur sur le port de Marseille - Aquarelle 80 cm x 60 cm

Bateau de pêcheur sur le port de Marseille – Aquarelle 80 cm x 60 cm

Une évolution constante au service d’un art éternel

La technologie est un outil supplémentaire, ainsi pour Pedro Viana Parente, toutes les techniques peuvent être mises à l’honneur.

L’art digital complète en enrichissant sa palette de création. Seule demeure la beauté de l’œuvre et la volonté de transmettre un message, une émotion, une piste de réflexion. De donner à voir le monde autrement.

Les bateaux classiques chers à l’artiste, sont des symboles de cette quête constante de perfection et de durabilité.

Ma thématique principale est l’expression de la volonté de l’humanité de continuer à avancer et à explorer.

Bateau en carénage sur le port de Marseille - Aquarelle 60 cm x 80 cm

Bateau en carénage sur le port de Marseille – Aquarelle 60 cm x 80 cm

La création d’œuvres d’art de grand format

La technologie numérique diminue les contraintes de formats. Pedro Viana Parente peut ainsi créer des œuvres sans limites de dimensions incarnant son idée de recherche de perfection, de durabilité et d’écologie.

Une nouvelle forme d’expression artistique

Pour explorer les thèmes de la nature, de la technologie et de la conscience, Pedro Viana Parente combine des techniques de deep learning avec une créativité humaine. Il utilise des ordinateurs et des logiciels de dessin, travaille le montage et la retouche d’image, s’appuie sur les possibilités offertes par la 3D, le mapping vidéo et l’observation du rendu… pour produire des images surréalistes et complexes.

 S’affranchir des carcans imposés

Les photographies, par exemple, ont initialement été rejetées en tant qu’expression artistique, car elles étaient considérées comme trop mécaniques et sans créativité. Cependant, au fil du temps, les photographes ont commencé à utiliser cet outil de manière innovante pour concevoir des œuvres d’art uniques et expressives.

De la même manière, l’artiste espère que le recours à la technologie dans ses œuvres d’art numériques contribuera à démontrer que les outils modernes peuvent être utilisés pour produire des toiles authentiques et significatives.

L’art est une expression de l’humanité !

Une première collection d’art numérique centrée sur les femmes

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En utilisant le collage numérique, j’ai créé des images qui célèbrent la force, la beauté et l’individualité des femmes. Les formes et les couleurs sont équilibrées pour créer des œuvres d’art élégantes et inspirantes.

Dans cette collection expressive, les fleurs symbolisent la féminité, la sensualité et la beauté naturelle. Pedro Viana Parente les utilisent pour mettre en évidence la nature unique et colorée de chaque femme.

Grâce au collage numérique, il a pu combiner différentes images et textures pour créer des œuvres d’art surprenantes, uniques et en très grand format. Cette approche est aussi libératrice, car l’artiste joue avec leur limpidité, créant des effets de superposition et de transparence pour ajouter de la profondeur aux œuvres.

 

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À propos de Pedro Viana Parente

Pedro Viana Parente est un artiste peintre émergent franco-brésilien de 34 ans basé dans le Sud de la France.

Il a hérité de sa passion pour la peinture de sa grand-mère, une professeure d’art ayant exporté ses dessins en Europe dans de grandes maisons de luxe pour la production de foulards.

C’est elle qui lui a appris à peindre à l’huile dès son plus jeune âge. Pedro a ensuite grandi entouré de matériel de peinture, baignant dans l’ambiance de son atelier.

Aujourd’hui, il est le seul de ses petits-fils à avoir continué la tradition familiale.

Pedro Viana Parente artiste peintre émergent à suivre

Pour en savoir plus

Dossier artistique : https://www.relations-publiques.pro/wp-content/uploads/2023/02/BOOK-ARTISTIQUE_compressed.pdf

Site web : https://www.pedrovianaparente.fr/

Facebook : https://www.facebook.com/pedrovianaparente

Instagram : https://www.instagram.com/pvp_art/

” L’artiste recherche des mécènes visionnaires qui croient en la puissance de l’art pour apporter du changement dans la société et qui souhaitent soutenir ses prochaines collections, expositions, foires, salons… “

 

L’artiste plasticien transdisciplinaire Gaël Rouxeville exposera à Bruxelles et à Marseille

Un style épuré, simple et élégant. Une courbe vivante et poétique.

À la façon d’un haïku en 3 dimensions, les sculptures de Gaël Rouxeville sont suggestives et raffinées, créant un monde à mi-chemin entre figuration et abstraction.

“Mettant en résonance l’imaginaire et le vécu individuel, l’effet produit et le message délivré sont propres à chacun” explique l’artiste.

Car, derrière la simplicité apparente, se cache un long travail de maturation, ne laissant rien au hasard, du premier dessin à l’œuvre achevée. Progressivement, dans ses mains, la matière devient vivante et poétique.

La richesse contenue se révèle ensuite petit à petit à l’observateur, au fil du temps.

Un langage à la fois original et universel qui séduit : Gaël Rouxeville exposera au salon ART3F de Bruxelles du 25 au 27 novembre 2022, puis au salon de SIAC de Marseille du 10 au 13 mars 2023.

Ceux et celles qui n’auront pas la chance d’assister à ces événements internationaux peuvent également découvrir le travail de cet artiste plasticien transdisciplinaire à la galerie SISA de Flers (exposition permanente) ou dans sa propre galerie à Merléac.

 

..Les œuvres de Gaël Rouxeville peuvent être admirées sous tous les angles. Là, une hermine blanche dans des courbes presque féminines comme surprise dans son mouvement, ici l’envol majestueux d’un oiseau de mer fuselé toutes ailes déployées…

Ouest France

Logo G Rouxeville

 

Portrait de Gaël Rouxeville, avec son oeuvre "Hors Cadre"

Portrait de Gaël Rouxeville, avec son œuvre “Hors Cadre”

Une exploration de La Courbe Vivante

Né en 1970, Gaël Rouxeville est un artiste plasticien transdisciplinaire, dont les œuvres ont fait l’objet de nombreuses expositions individuelles et collectives, et ont intégré des collections, en France et à l’international.

Sa création s’appuie sur un savoir-faire riche, issu de la pratique du design industriel et de l’ébénisterie, et participe à une démarche écoresponsable : l’artiste français privilégie notamment l’upcycling, ainsi que les matériaux biosourcés ou non toxiques

 

Depuis plus de 20 ans, il explore les possibilités de “la Courbe Vivante”, notamment en sculpture, stylisant le mouvement et densifiant l’énergie.

La Courbe Vivante est à la fois mon langage expressif et le filtre qui me permet de décoder les complexités du monde.

Danseuse Agenouillée, bronze, copyright Gaël Rouxeville ADAGP

Danseuse Agenouillée, copyright Gaël Rouxeville ADAGP

Son travail aboutit à des formes organiques simples et libres d’interprétation. Il invite ainsi tout un chacun à mettre en jeu sa propre imagination pour découvrir un monde entre rêve et réalité, peuplé de personnages, d’animaux et de formes non figuratives.

Comme la lecture d’un poème zen, son œuvre procure une expérience intérieure, apaisante et hors du temps, comparable à une méditation, qui délivre un message d’amour universel d’une incomparable profondeur.

“Mon travail est généralement décrit comme étant beau, calme et apaisant…comme si le temps se trouvait suspendu.”

L'Air Marin, œuvre unique en bois, copyright Gaël Rouxeville, ADAGP

L’Air Marin, œuvre unique en bois, copyright Gaël Rouxeville, ADAGP

Envol,  bronze, copyright Gaël Rouxeville, ADAGP

Envol, bronze, copyright Gaël Rouxeville, ADAGP

Découvrir les œuvres de l’artiste français

Le travail artistique de Gaël Rouxeville ne nait pas d’une idée, mais d’une nécessité d’expression, quasiment vitale pour lui, qui remonte à l’enfance.

“Mes créations sont le prolongement de 25 années de sacrifices et de cheminement professionnel, et bien plus encore. Chaque expérience de mon parcours a façonné mon action d’aujourd’hui.”

Les événements auxquels il participe se placent dans cette perspective.

Maternité, bronze, copyright Gaël Rouxeville, ADAGP

Maternité, bronze, copyright Gaël Rouxeville, ADAGP

Salon ART3F à Bruxelles, du 25 au 27 novembre 2022

ART3F Bruxelles est un salon d’art contemporain qui réunit, sur plus de 6000 m², les artistes, les passionnés d’art et les collectionneurs. Sa particularité : revendiquer un côté humain et chaleureux, tout en offrant la plus belle représentation artistique du moment.

Salon SIAC de Marseille du 10 au 13 mars 2023

Le SIAC, qui se déroulera l’année prochaine au parc Chanot (Marseille), est un salon d’art contemporain au sein duquel les visiteurs sont accueillis par les artistes eux-mêmes, et non par des galeristes. Plus de 160 artistes, français et étrangers, présenteront ainsi leurs œuvres à plus de 16 000 amateurs d’art durant 4 jours.

Ressource copyright G Rouxeville collection of the crown prince of saudi arabia

Ressource copyright Gaël Rouxeville ADAGP collection du prince héritier d’Arabie Saoudite

La galerie d’art SISA

Du 2 juin au 10 juillet, Gaël Rouxeville a exposé dans la galerie LE 33 MAI, 21 rue Le Regrattier 75004 Paris, dans l’Île Saint Louis.

Depuis le mois de septembre, il est désormais représenté par la galerie SISA, située au 9 rue St Germain 61100 Flers.

La galerie personnelle de l’artiste

Gaël Rouxeville vient d’ouvrir sa galerie d’art au 25 Saint Léon 22460 Merléac, dans les Côtes-d’Armor. Sur rendez-vous, il rencontre tous les amateurs d’art désireux d’en savoir plus sur son travail.

Et toujours…

L’e-shop en direct de l’atelier

Via sa boutique en ligne, Gaël Rouxeville propose ses œuvres à la vente, sans intermédiaire.

Les créations sur commande

Il peut s’agir de pièces d’intérieur ou d’extérieur de toutes dimensions, monuments…

L’offre de services associés

  • Expositions ;
  • Mise en valeur d’espaces privatifs/publics ou d’événements ;
  • Présentation privée ;
  • Conférences ;

À propos de Gaël Rouxeville

L'artiste dans son atelier,  copyright Gaël Rouxeville, ADAGP

L’artiste dans son atelier, copyright Gaël Rouxeville, ADAGP

 

Passionné et ouvert d’esprit, Gaël Rouxeville est né en 1970. Attiré par les pratiques artistiques depuis l’enfance, il est diplômé en ingénierie mécanique, design industriel (bac+4), et en menuiserie d’agencement (CAP). Il a aussi étudié les arts plastiques auprès de Jean Marc Desrues (Les Ateliers de l’ARC).

D’abord designer indépendant puis ébéniste d’agencement, Gaël mène en parallèle une carrière artistique dès 1997. L’année suivante, il débute la sculpture. Son style plaisant immédiatement à des collectionneurs, sa première œuvre est rapidement coulée en bronze.

Travaillant aussi le bois, la laque, les métaux, la pierre reconstituée, les résines, l’artiste aime à se jouer des matières qu’il utilise. On ne sait plus très bien ce qui se cache sous les patines mais c’est tout l’art de Gaël Rouxeville qui grâce à l’élégance de ses lignes et à la beauté des finitions nous transporte vers cette sensation de légèreté, d’apaisement et de liberté qui s’affranchit de la pesanteur.

Les thèmes de ses œuvres sont très variés : la danse, l’abstraction et les animaux, mais… toujours à sa manière !

Petit à petit, il fait son chemin parmi les artistes qui comptent. Sa sculpture Ressource vient d’ailleurs d’être acquise par le Prince Héritier d’Arabie Saoudite, au printemps 2020, et la moitié de sa clientèle est internationale.

Pour en savoir plus

Portfolio : https://www.relations-publiques.pro/wp-content/uploads/pros/20221014095129-p3-document-yeiz.pdf

Site web : https://www.gaelrouxeville.fr/

Facebook : https://fr-fr.facebook.com/rouxeville.sculpteur/

Instagram : https://www.instagram.com/rouxevillegael/

LinkedIn : https://fr.linkedin.com/in/gaël-rouxeville-courbe-vivante

Des panneaux électoraux au service de l’art : le parcours Art en Territoires, proposé par 17 communes du Vexin Val de Seine, démocratise l’accès à l’art contemporain

Les musées en France sont de plus en plus visités (ils représentent 67 millions d’entrées en 2019 selon le Ministère de la Culture) et l’art contemporain est particulièrement prisé par le public.

La fréquentation des fonds régionaux dédiés (1,7 million de visiteurs en région en 2019) et des centres d’art (près de 1 million de visiteurs) est en constante hausse.

Toutefois, souvent éloignés de ces lieux d’expositions, et parfois trop intimidés pour pousser la porte des galeries, les habitants de zones rurales restent exclus de cette offre culturelle foisonnante.

Dans ce contexte, pourquoi ne pas utiliser les panneaux électoraux, inusités en dehors des périodes électorales, pour exposer des reproductions d’œuvres d’artistes contemporains ?

C’est le projet un peu fou qui a vu le jour en 2021 grâce à Arterritoires.

Pendant l’été et à l’occasion des journées du Patrimoine, s’appuyant sur cette offre novatrice, plusieurs parcours culturels ont été mis en place par des communautés de communes.

Dans le Val d’Oise, le parcours ‘Art en Territoires’ avait rassemblé 15 communes lors de sa toute première édition dans la Communauté de Communes Vexin Val de Seine.

Face au succès rencontré, ‘Art en Territoires’ revient en 2022 avec une programmation enrichie :

  • À partir de la mi-juillet : des expositions sont mises en place dans les 17 communes du Vexin participant à cette opération ;
  • Fin août : 3 rencontres sont organisées sur les lieux d’exposition avec des artistes habitant le territoire, suivies, pour celles et ceux qui le souhaitent, par une visite guidée de leurs ateliers ; une action soutenue par la DRAC Île-de-France.
  • En septembre : 3 parcours de visite des expositions et du patrimoine local sont proposés en collaboration avec le Parc Naturel régional du Vexin français, à pied, à vélo et même en canoë, accompagnés par des guides du territoire.

Le programme complet est proposé en libre-service sur chaque lieu d’exposition invitant les visiteurs à découvrir l’ensemble des expositions et les villages alentour.

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A travers Arterritoires nous offrons à tous  la possibilité de découvrir le travail d’artistes contemporains, d’explorer de nouveaux horizons et d’ouvrir les portes de leur imaginaire !

Marie Czapska, fondatrice de Arterritoires

Des expositions d’art contemporain à toute heure et en accès libre !

De la mi-juillet jusqu’au mois de novembre, à travers 17 communes du Vexin français, habitants et touristes pourront parcourir des expositions d’artistes aux univers très différents.

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Une sélection très éclectique compose ce second parcours  ‘Art en territoires’:

  • Anne-Sophie Tschiegg – ‘Landscape’ à MAUDÉTOUR-EN-VEXIN et à VÉTHEUIL ;
  • Annick Mischler - ‘Precarious shelters’ à VIENNE-EN-ARTHIES ;
  • Aurélie Mathigot – ‘Paysages vus du train’ à CHÉRENCE ;
  • Caroline Dahyot – ‘Aux murs de ma maison’ à LA ROCHE-GUYON ;
  • Chemsedine Herriche - ‘Ostraca’ à HODENT ;
  • Clément Bedel – ‘On the other side of the sea’ à SAINT-CYR-EN-ARTHIES ;
  • Fanny Allié – ‘Les Porteurs’ à CHAUSSY ;
  • Henri Blommers – ‘Plastic Utopia’ à BRAY-ET-LÛ, MAGNY-EN-VEXIN et VILLERS-EN-ARTHIES ;
  • Julie Savoye – ‘Dirty lines #1’ à SAINT-CLAIR-SUR-EPTE ;
  • Julien Colombier – ‘Tropicalistic’ à GENAINVILLE ;
  • Pattara Chanruechachai – ‘No colors in the air’ à SAINT-GERVAIS ;
  • Sabine Krawczyk – ‘Une année en Vexin’ à OMERVILLE et à WY-DIT-JOLI-VILLAGE ;
  • Thomas Lesigne – ‘Étés, 2020-2021’ à HAUTE-ISLE .

Chaque exposition est composée de huit affiches : 7 très belles reproductions d’œuvres et 1 texte de présentation de l’artiste et de son travail.

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Les temps forts à ne pas manquer

• Rencontres avec les artistes :

Exceptionnellement certaines expositions seront présentées par les artistes qui les ont créées.

Les plus curieux auront même le privilège d’une expérience particulière : la visite de leurs ateliers.

  • Dimanche 21 août à 16h : Pattara Chanruechachai présente ‘No colors in the air’ à Saint-Gervais.
  • Samedi 27 août à 15h : Caroline Dahyot présente ‘Aux murs de ma maison’ à La Roche-Guyon.
  • Dimanche 28 août à 15h : Sabine Krawczyk présente ‘Une année en Vexin’ à Wy-dit-Joli-Village.

Attention : le nombre de places étant limité, il est indispensable de s’inscrire par mail (contact@arterritoires.com) ou par téléphone au 06 60 46 68 99.

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• 3 sorties ‘Culture et Patrimoine’ animées par des guides du territoire :

À vélo / Dimanche 18 septembre de 14h30 à 17h30.

Au départ de Magny-en-Vexin, Olivier Gervot guidera les visiteurs à travers Saint-Gervais, Hodent et Omerville.

Sortie gratuite à l’occasion des Journées du Patrimoine.

Inscriptions au 06 85 55 71 74 ou par mail : oliviergervot@free.fr.
Réservation de vélos électriques au départ de Magny-en-Vexin (30€ pour la demi-journée) au 07 49 95 38 21 ou contact@velofilduvexin.com.

En canoë / Dimanche 18 septembre de 9h30 à 17h

Une sortie au départ de Vétheuil jusqu’à Haute-Isle en canoë, avec un détour à pied par Chérence, en compagnie de Julien Masson.

Participation : 20€. Réservations au 06 81 09 49 82 ou par mail : randovelovexin@gmail.com. Prévoir un pique-nique. Il est indispensable de savoir nager.

À pied / Dimanche 25 septembre de 15h à 18h

De Chaussy à Genainville, une promenade guidée par Milena Esturgie.

Participation : 5€. Inscriptions au 07 81 54 93 32 ou par mail : lesvisitesguidees@gmail.com.

Une offre unique qui valorise le territoire et augmente son attractivité

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A travers ce nouveau parcours culturel “Art en Territoires” la Communauté de communes Vexin Val de Seine (CCVVS) contribue à :

  • Mettre en perspective le patrimoine local ;
  • Créer du lien entre les communes ;
  • Mutualiser la communication ;
  • Améliorer la coopération entre les différents services.

Grace aux expositions proposées par Arterritoires sous la forme de campagnes d’affichage, la CCVVS s’engage dans une démarche culturelle novatrice.

L’effet de surprise que provoque la présentation de ces reproductions de très belle qualité sur des panneaux électoraux surprend les passants et les amène à considérer favorablement le travail qui y est presenté.

Ainsi, à ce jour, les expositions n’ont subi aucune dégradations durant les 1 à 4 mois de présentation en extérieur… à l’exception des “tags” « Superbe expo! » et « Belle initiative » retrouvés sur une affiche de l’exposition de Grégoire Hespel dans la commune de Doudeauville dans le cadre d’un parcours mis en place dans 14 communes de la Communauté de communes du Vexin Normand (Eure/Normandie).

Ces expositions, faciles à mettre en place pour un coût très modéré (entre 400 et 700 € par exposition), peuvent également être présentées en intérieur (établissements scolaires, hôpitaux, maisons de retraite, entreprises…).

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Rendre l’art contemporain accessible à tous

La rencontre avec une œuvre d’art est pour chacun de nous une expérience essentielle. Elle offre un regard neuf sur le monde qui nous entoure, alimente notre imaginaire et élargit notre horizon.

Elle nourrit notre bien-être.

La rencontre collective avec l’art est toujours l’occasion d’échanges et de partage. Elle peut être le point de départ de processus créatifs et citoyens.

Arterritoires rend visible à tous des expositions d’artistes via un dispositif ouvert : l’affichage, et grâce à des supports disponibles dans toutes les villes : les panneaux électoraux.

Sur son site internet, Arterritoires propose à ce jour 75 expositions d’artistes, soigneusement choisies par un comité de sélection ouvert et exigeant.

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Peinture, dessin, photographie, gravure, sculpture, art numérique, toutes les formes d’expression sont proposées sur Arterritoires et de nombreuses thématiques abordées.

Grâce à notre offre d’expositions et aux différents outils que nous avons conçus, les communes et les communautés de communes peuvent construire une programmation culturelle sur mesure.

Acquérir un tirage en édition limitée

Après avoir découvert le travail d’un artiste qui les a touchés, les visiteurs peuvent s’offrir une très belle reproduction à des tarifs accessibles (à partir de 66 €).

Plus de 200 œuvres, extraites des différentes expositions, sont proposées en tirages limités.

À propos de Marie Czapska, fondatrice de Arterritoires

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Marie Czapska habite depuis plus de 20 ans un hameau situé dans le Vexin (95).

Collectionneuse curieuse et éclectique, elle a été longtemps directrice artistique de salons professionnels internationaux et a collaboré durant plus de 25 ans avec des artistes du monde entier.

Animée par la volonté de faire connaître leur travail au plus grand nombre, elle a conçu Arterritoires pour offrir au public de nouveaux horizons et aux artistes de nouveaux publics.

Après trois années de gestation, passées à construire et peaufiner son projet, Marie a lancé Arterritoires en 2020.

Pour en savoir plus

Plaquette : https://www.relations-publiques.pro/wp-content/uploads/2022/07/%E2%80%A2Plaquette-Arterritoires-ComCom.pdf

Site web : https://www.arterritoires.com/

Facebook : https://www.facebook.com/Arterritoires

Instagram : https://www.instagram.com/arterritoires/

LinkedIn : https://www.linkedin.com/company/arterritoires-2021/


Cette année, Noël sera 100% Arty :
la Happy Funky Family propose une sélection de 50 artistes qui transforment les photos de famille en œuvres d’art

L’année 2022 aura été riche en émotions, en belles surprises, en éclats de rire et en instants précieux partagés en famille et entre amis.

Et alors que Noël approche à grands pas, c’est le bon moment pour ressortir nos plus belles photos et repenser notre décoration intérieure ou commencer notre liste de cadeaux sous le signe de la créativité et de l’art.

Fini les objets impersonnels et sans âme qui finissent relégués au fond d’un tiroir, les gadgets éphémères, le vu et revu… On ose le cadeau qui a du sens, qui fait du bien et qui durera toute l’année et bien plus encore.

La Happy Funky Family, galerie d’art en ligne, remet le portrait à la commande au goût du jour en proposant une sélection de 50 artistes pour tous les goûts, styles et budgets, prêts à transformer vos photos en œuvre d’art sur-mesure.

Un must à (s’)offrir pour mettre de la joie sous le sapin !

“Avec Happy Funky Family, nous créons des portraits qui rendent heureux et célèbrent les liens du cœur.”

Caroline Filou Heukamp et Nathalie Boscq, les fondatrices

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De l’art, de l’amour et du bonheur en plus

Happy Funky Family propose à chacun.e de vivre une aventure exceptionnelle : commémorer vos plus beaux souvenirs avec une belle œuvre d’art, témoin de tous les petits et grands bonheurs de la vie.

Créée à partir de photos, elle pourra ensuite être glissée sous le sapin de tous ceux et celles qui nous sont chers pour leur montrer qu’on les aime.

Un cadeau original, authentique et émouvant, qui immortalise tous les plus beaux moments.

“Plus qu’une œuvre d’art, nous offrons de l’émotion et du bonheur : un portrait et des souvenirs à partager et à admirer.”

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Une sélection arty qui met des étoiles dans les yeux

Pour un Noël 100% Arty, la Happy Funky Family a sélectionné des artistes  qui transforment en œuvre d’art à partir de 200 € tout ce qui fait le sel de la vie : les moments magiques partagés en famille, proches, amis, animaux de compagnie, collègues…

Il suffit d’une belle photo et, hop, chaque souvenir devient éternel !

En quelques clics, chacun.e peut explorer cette belle sélection d’artistes contemporains pour tous les goûts, budgets et styles : dessin, peinture, collage, illustration digitale, céramique, textile, plumes ou broderie…

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La nouveauté “so waouh” à ne pas manquer : le portrait de famille en NFT

Les enfants et petits-enfants vont adorer montrer leur jolie famille à leurs copains.

Faire réaliser une déclinaison du cultissime portrait de famille en NFT permet d’obtenir une version animée de l’œuvre physique.

Une innovation qui fait le bonheur :

  • De tous les loulous, très friands de nouvelles technologies : ils vont avoir le swag à l’école !
  • De leurs parents et grands-parents : ils gardent l’œuvre physique à la maison et profitent d’une déclinaison sans coût de fabrication supplémentaire (ce qui est donc aussi écologique).

De plus, grâce à la technologie blockchain, le certificat d’authenticité NFT contient toutes les informations concernant l’œuvre et l’artiste dans un endroit sécurisé et inviolable.

Et que tous les réfractaires aux dernières tendances numériques se rassurent : il n’y a pas besoin de payer en cryptomonnaie ni de détenir un wallet. Le paiement se fait en euros et les NFT sont conservés en toute sécurité sur la blockchain Polygon (adoptée récemment par Disney et Stripe par exemple).

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Un cadeau original qui a aussi un supplément d’âme

Happy Funky Family, c’est un projet happy, funky et arty… mais pas que !

Il s’appuie sur un business modèle à mission qui favorise :

La création artistique

Chaque œuvre personnalisée achetée permet de soutenir et de promouvoir les artistes contemporains des quatre coins du monde. Les talents d’aujourd’hui et de demain peuvent ainsi se faire connaître et réussir à vivre de leur métier.

La transmission

Une œuvre d’art est un cadeau pour la vie, elle est aussi éternelle que la famille. Chargée d’histoire et de sens, elle se transmet de génération en génération, tant pour sa dimension esthétique que symbolique.

La défense de belles valeurs

Tous les fournisseurs et partenaires sont rigoureusement sélectionnés pour la qualité de leur travail, mais aussi pour leur adéquation avec les valeurs de la Happy Funky Family.

L’éco-responsabilité

Au quotidien, la Happy Funky Family améliore ses efforts pour respecter la planète: impression, emballage, logistique, informatique… Ainsi, l’impact écologique est particulièrement faible.

Happy Funky Family, la Galerie d’Art digitale qui réinvente le portrait à la commande

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Très en vogue à la Renaissance, le portrait à la commande redevient ultra-tendance grâce à la Happy Funky Family.

Cet e-shop français est le SEUL à proposer une sélection pointue et innovante d’artistes contemporains internationaux prêts à transformer les photos en œuvres d’art.

Chaque création est réalisée à la main, totalement sur-mesure.

Cette approche originale permet de démocratiser l’accès à l’art, tout en garantissant une qualité exceptionnelle.

Qu’ils soient cotés ou non, tous les artistes sélectionnés sont talentueux. Le positionnement de la galerie est en effet haut de gamme, avec un prix de vente moyen autour de 600 €.

Une culture de l’excellence qui se traduit jusqu’au service client, aux petits soins pour tous les amateurs d’art.

Les projets à venir

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Aujourd’hui, Happy Funky Family ambitionne de devenir la référence du portrait à la commande en France puis sur les marchés européens, américains et des émirats.

Elle vient ainsi de lancer la version allemande du site, afin de s’implanter sur ce marché en s’appuyant sur une agence de relation presse. Elle prévoit aussi un pop-up de Noël à Munich.

En parallèle, Happy Funky Family est actuellement en discussion avec des partenaires au UK et aux US pour présenter son concept et conquérir ces deux marchés porteurs.

En France, elle sera présente à Paris, au Bon Marché à partir de mi-octobre 2022 jusqu’à début janvier 2023 avec un corner physique permettant de voir sa sélection d’artistes et des exemples de portraits personnalisés d’après photos.

Caroline et Nathalie, deux Happy Funky Sisters

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Crédit photo @virginiegarnier

“Nous sommes comme des Happy missionnaires… Nous répandons autour de nous joie, bonne humeur et coups de cœur artistiques. Nous sommes convaincues que l’Art et nos portraits peuvent offrir du bonheur et resserrer les liens du cœur au sens large.”

Caroline Filou Heukamp et Nathalie Boscq ont été nourries à l’art et aux voyages dès leur enfance.

Nathalie, la blonde, a été acheteuse aux Galeries Lafayette, dénicheuse de talents artistiques en Roumanie, photographe et créatrice d’une ligne de souvenirs en Inde, galeriste d’œuvres d’art et de meubles vintage en Serbie puis journaliste à Marseille.

Caroline, la brune, a été acheteuse textile, responsable grands comptes à Barcelone et à Munich, entrepreneuse dans l’âme à Rio et à Lisbonne où elle a co-fondé un e-commerce de cadeaux d’affaires made in Portugal, puis dénicheuse de nouvelles marques niche à Munich.

Passionnées d’art, amoureuses de la famille et du beau, ces deux globe-trotteuses ont ainsi étudié et travaillé dans de nombreux pays. Guidées par leur créativité, elles ont choisi de monter un projet qui a du sens en soutenant de jeunes artistes talentueux, de tous les coins du monde.

En quelques mots, elles se définissent comme étant :

  • Deux curatrices
  • Deux globe-trotteuses
  • Deux insatiables curieuses
  • Deux anciennes acheteuses
  • Deux ambassadrices du bonheur
  • Deux grandes bavardes et communicantes
  • Deux amoureuses de la famille au sens large
  • Deux épouses et mères qui assument leur statut de “jeunes” startupeuses !

La genèse de l’aventure Happy Funky Family

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L’art et la Famille ont toujours été les deux points d’ancrage de Caroline et Nathalie.

“Nous avons toutes les deux en commun l’enthousiasme et le courage de nos grand-mères, la curiosité de notre père et la sociabilité de notre maman, une belle hérédité !”

Le nom de leur start-up vient d’ailleurs directement de celui de leur groupe familial WhatsApp. Car ce qui caractérise la Happy Funky Family, c’est la joie, l’humour, la générosité… et un peu de folie.

Aujourd’hui, ce beau projet permet à Caroline et Nathalie de cumuler vie professionnelle et passion… en travaillant avec une complicité évidente. Elles sont guidées par la citation de Pablo Picasso : “Efface le gris de la vie et allume les couleurs que tu possèdes à l’intérieur…”.

Pour en savoir plus

Dossier de presse : Dossier de presse 2022

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DESSINE MAINTENANT une exposition collective, le dessin au sens LARGE – jusqu’au 18 septembre au Musée d’Art et Archéologie de Soulac-sur-Mer :

Ils sont 18. Ils viennent d’ici ou d’ailleurs.

Certains ont été exposés au sein d’institutions de renom (Musée Guggenheim de Bilbao, Musée du Louvre, Villa Médicis, Biennale de Lyon, FRACs…). Ils se sont vu décerner des prix (Drawing Now Paris, Prix de Paris, Chevalier de l’ordre des Arts et des Lettres…). D’autres sont soutenus par des communautés plus confidentielles. Ils sont rassemblés par le biais de leurs propositions, en convergence ou divergence selon les circonstances.

DESSINE MAINTENANT tisse des liens entre ces singularités, réunit en un espace et pour un temps, des œuvres qui ont toutes comme point commun le dessin, mais chacune à leur manière.

Cette exposition collective annuelle autour d’une vision du dessin au sens large existe depuis 2017, sous l’impulsion de Heidi Moriot, artiste plasticienne, fondatrice et directrice artistique de l’association SEA.

C’est la cinquième édition cette année et elle s’invite au Musée d’Art et Archéologie de Soulac-sur-Mer, jusqu’au 18 septembre 2022. Vernissage le 27 mai.

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Montrer, penser, transmettre

C’est quand un dessin fait penser qu’une pensée se dessine.

Au milieu des années 70, l’idée originale d’une fondation regroupant les artistes d’Aquitaine a vu le jour. De cette idée est né le Musée d’Art et d’Archéologie de Soulac.

Entre achats et dons, le musée est aujourd’hui riche de 265 œuvres toutes tendances confondues. Soulac-sur-mer, est une des rares communes dans le Médoc à avoir son propre musée d’art.

La rencontre entre la ville de Soulac-sur-Mer, l’association SEA et le FRAC Nouvelle-Aquitaine Méca poursuit cette belle aventure, avec la volonté commune de rendre l’art accessible à toutes et à tous.

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La particularité de l’exposition collective DESSINE MAINTENANT ? Offrir une belle présence artistique, qui permet la rencontre de têtes d’affiches et de talents soutenus par des communautés plus confidentielles.

Ils utilisent des supports différents (papier, mur, corps…) et des outils variés (crayon, mine de plomb, fusain, feutre, stylo bille, gomme, limaille de fer, scie, post it….).

Ils travaillent l’abstraction ou la figuration, explorent les œuvres participatives ou les installations in situ, créent autour de la disparition et du glissement, innovent avec des vidéos performance.

Chaque artiste a son style et son univers, à découvrir le temps de belles rencontres.

L’exposition se déroulera jusqu’au 18 septembre (week-end de la Fête du Patrimoine), avec un vernissage le 27 mai.

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18 artistes, 18 regards croisés

En côtoyant ces multiples approches, chacun pourra d’où il est, d’où il vient, chercher et trouver plaisir et contentement, matière à penser.

En parallèle de DESSINE MAINTENANT, une performance collective organisée avec des partenaires locaux aura lieu dans l’espace de l’association SEA in situ à Port Médoc : COULEUR MAINTENANT (modalités et programme à venir).

Des ateliers, rencontres, performances et visites dynamiques sont organisés pendant toute la durée de l’exposition, à destination du public local, scolaire, périscolaire et touristique.

Et dans le Hors les Murs, Yann Muller (artiste basé à Soulac), propose une fresque monumentale à partir de la thématique DESSINE MAINTENANT. À découvrir dans la rue de la plage de Soulac-sur-mer, dès la fin du mois de juin.

Participeront à l’exposition collective :

Pauline Beugniot - Isabel Bisson Mauduit - Laure Boin – Enna Chaton

Alexandre Clanis - Nicolas Daubanes - Nicolas Fenouillat – Alexandre Gilibert

Miles Hall - Mounia Kansoussi – Heidi Moriot - Cédric Torne - Sarah Trouche

Hors les murs : Yann Muller

Frac Nouvelle-Aquitaine méca : Serge Comte – Pascal Lièvre – Richard Monnier

Collection du musée : Gérard Sendrey

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SEA, l’association qui amène l’art contemporain sur un territoire insolite et isolé

Pourquoi SEA?

Il y a de l’eau. Beaucoup. Elle est cette impermanence ; perturbante, calmante, fluctuante, changeante…

SEA c’est un entre deux (eaux), un milieu, un à côté, un interstice. Une présence entre et parmi d’autres. Entre le ici et le ailleurs. Entre nous et pour nous, mais aussi pour vous, pour toi.

Des lieux où on se donne la liberté de se rencontrer, se mélanger, s’entremêler, partager, échanger… sur l’art… ou pas, mais de tous les horizons.

L’association dispose déjà de :

  • Un espace pluriel à Port Médoc qui allie espace d’exposition d’art in situ, espace atelier et en devenir un espace de résidence d’artistes.
  • Un point de médiation - Durant la grande période estivale, SEA cherche à placer au coeur de Soulac sur Mer, une vitrine d’art. C’est un lieu qui fait point de médiation vers ses actions et événements artistiques d’ici, d’ailleurs et d’au-delà (!). Ce point indispensable pour rencontrer le public (hors leurs événements); est aussi un lieu pour présenter les artistes et un point de vente dans l’idée de proposer un soutient  pour toutes les facettes artistiques que peut avoir un artiste (éditions, tirages, illustrations, carte postales…)

Prochainement, elle sera aussi un espace «tiers-lieu» en devenir à Soulac-sur-mer : un espace de développement économique, un espace de travail, ouvert à tous, au sein d’un environnement artistique et culturel.

Ainsi, les 250 m2 de l’ancien casino de Soulac sont en réhabilitation pour la création de bureaux partagés avec des salles de réunion, une cuisine et un grand atelier qui sera le lien avec le développement artistique et culturel. Cet espace partagé engendrera des rencontres, des opportunités professionnelles grâce à l’animation de réseau.

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Un ancrage territorial fort

À la pointe du Médoc, face au Phare de Cordouan. Entre le Verdon-sur-mer et Soulac-sur-mer. Entre deux eaux ; l’estuaire et l’océan.

L’art et l’environnement font entièrement partie de notre ADN. De par notre territoire et nos valeurs, il a toujours été (aussi) question de sensibiliser sur l’environnement et sur l’écologie via l’Art.

Ainsi, l’espace à Port Médoc est très souvent dédié à cela, et ce, depuis sa création en 2017.

Pour chacune de ses actions artistiques, SEA travaille avec les structures et acteurs locaux. La collaboration, le participatif et le collectif sont très importants dans l’idée de la transmission.

Par exemple en 2019, le projet plastique et l’œuvre “une bouteille à la mer” ont permis de sensibiliser sur la collecte, le recyclage… avec une belle participation locale qui a permis de rassembler des écoles de surf, le CPIE, le parc marine du Verdon-sur-mer, des écoles, des artistes …

Le projet in situ 2022 : “COULEUR MAINTENANT”, sera le pendant de l’exposition “DESSINE MAINTENANT”.

Cette action proposera aux écoles, parents, habitants…, de récupérer des pots de peinture (sans solvant) lors d’une grande collecte sur le territoire puis de repeindre tout l’espace, du plafond au sol en suivant une ligne artistique. Un coloriage commun monumental. Cette œuvre in situ offrira une expérience immersive colorée.

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À propos d’Heidi MORIOT, la fondatrice et directrice artistique de SEA

Heidi MORIOT est une artiste contemporaine pluridisciplinaire (plasticienne, dessinatrice, illustratrice).

Originaire de la Cornouaille (sud-ouest de l’Angleterre), et après un parcours professionnel essentiellement européen, elle vit et travaille aujourd’hui à Soulac-sur-Mer.

Suite à l’obtention de son master en arts plastiques et en histoire de l’art de l’École des Beaux-Arts de Montpellier, elle a participé à, et présenté, de nombreuses résidences et expositions sur la scène nationale et internationale, de Paris à New York, en passant par Berlin.

Elle travaille à la fois le dessin monumental, la vidéo, la photo, l’installation, la broderie ou mêmes des découpages dans des tapis, ce qui fait d’elle une artiste transdisciplinaire qui maîtrise plusieurs médias artistiques.

Le travail d’Heidi est basé sur une recherche et une expression visuelle du monde qui l’entoure. Elle aborde le monde de façon sarcastique, presque absurde.

Son envie première : passer par des formes repérables et littérales afin de provoquer des phénomènes de reconnaissance et de réflexion. Le cliché, le stéréotype, les codes… Sa démarche consiste à interroger de visu cette perception et la prédisposition de ce regard, de tenter de renverser et de réinventer les valeurs, permettant ainsi de passer d’une perception pratique à une émotion visuelle. Des images qui racontent, aussi bien que l’ont fait Buster Keaton ou Erwin Wurm, à quel point notre monde est absurde, et combien nous sommes fragiles mais touchants face à lui.

Détourner la place et le fonctionnement des choses. Questionner la place de lʼartiste, lʼobjet, le geste, le signe; une place donnée dans un environnement donné. Ainsi, elle alimente des sortes de « données » issues de cette digestion du quotidien.

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À Exposé avec/à : Lebenson Gallery – Paris & Londre, la foire d’Art Contemporain de New York, le 104 – Paris, TPTP space – Paris, Galerie place à Elles – Paris, Main d’Oeuvres – Paris, La ville Arson – Nice, Platforme Münstrasse – Berlin, sélectionné pour la Biennale des Jeunes Créateurs d’Europe et de la Méditerranée – France, Egypt & Italie…

Heidi Moriot est engagée dans la transmission artistique et culturelle, elle conçoit et participe à divers projets qui lui ont permis de développer ses compétences au sein de différentes structures et professions artistiques :

  • Artiste plasticienne 
  • Illustratrice et dessinatrice indépendante.
  • Professeur d’art plastique remplaçante au sein de l’Éducation nationale – niveau collège, Paris et Soulac-sur-Mer ;
  • Co-créatrice de réseaux pour échanges et résidences d’artistes entre la République Tchèque et la France ;
  • Co-créatrice et co-gérante de l’espace TPTP (espace pluriel – galerie/atelier) – Montmartre, Paris ;
  • Assistante de galeries d’art et d’artistes dans plusieurs structures privées et publiques, notamment à l’atelier Etex, Grey area gallery, le Palais de Tokyo, le 104 Paris, et le FRAC Paca et Languedoc-Roussillon… ;
  • Assistante de post-production dans le cinéma – Witstudios, Paris ;
  • Assistante-modéliste chez le créateur Christian Louboutin, Paris ;
  • Assistante chez Fleurus et Mango Édition ;
  • Fondatrice de Nouvelle Vague Création - propositions de soirées cinéma en plein air en Médoc (court-métrages, longs métrages, documentaires…) 
  • Créatrice et animatrice d’ateliers artistiques au sein de différentes structures – le scolaire, les centres de loisirs, RAM, MAM … ;

En 2017, Heidi fonde L.A.C – Lieu d’Art Contemporain – en 2017 au Verdon sur mer. En 2019, cette association devient S.E.A – Site d’Expression Artistique, dont elle est la directrice artistique.

Pour en savoir plus

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Dossier de presse : https://www.relations-publiques.pro/wp-content/uploads/2022/05/SEA_-DESSINE-MAINTENANT_Dossier-de-presse-V3-_A4.pdf

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Instagram : https://www.instagram.com/seagalerie/

Melpomène lance une levée de fonds sur la Néo-bourse Kriptown pour accélérer la promotion et le développement de sa collection d’art contemporain français

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Au cours de ces dix dernières années, le marché de l’art contemporain a cru de façon remarquable, tant en volume qu’en valeur. Alors qu’il n’y avait que 500 000 grands collectionneurs dans le monde dans les années 1950, on en compte 450 millions aujourd’hui… Les dernières années l’ont encore confirmé : l’intérêt pour l’art contemporain est solide et croissant.

Jamais l’envie d’art n’a été aussi forte. Mais, aujourd’hui, faute de moyens et d’acteurs ayant la capacité de les promouvoir, les artistes français sont sous-représentés et donc sous-valorisés sur un marché pourtant en pleine croissance depuis 20 ans.

Erick Öge et Jérôme Le Berre, les deux fondateurs de Melpomène, conseils en art pour les entreprises et les particuliers

En 2015, forts de 30 ans d’expérience dans l’acquisition, la valorisation et la promotion de l’art contemporain français, Erick Ögeet Jérôme Le Berre ont créé Melpomène, avec pour ambition de créer une collection d’art contemporain français d’envergure internationale et de permettre aux artistes français de rivaliser avec leurs homologues internationaux.

Melpomène compte aujourd’hui plus de soixante associés, des amateurs investisseurs soucieux d’accompagner le développement de la Nouvelle École Française® et de diversifier leur patrimoine réel dans des actifs tangibles et financiers.

Melpomène a constitué un premier ensemble de637 œuvres de 43 artistes, lui permettant de compter aujourd’hui parmi les grandes collections privées. Les artistes sont conseillés et encouragés par les fondateurs ainsi que, selon leurs savoir-faire, par des associés actifs (partenariats, éditions, expositions, prêts d’œuvres, etc.).

Aujourd’hui, Melpomène annonce une levée de fonds sur Kriptown, la Néo-bourse des startups et des PME. L’ambition est d’atteindre le seuil de 2000 œuvres et d’accélérer la promotion et la valorisation de la collection.

  • Financer l’acquisition de plus de 2 000 œuvres de 70 artistes contemporains français à fort potentiel ;
  • Assurer la promotion de ces artistes et de la collection à l’international pour faire percer quelques pépites (3 à 7 dans les TOP 25, Top 100 et Top 500).

64% des fonds seront consacrés à l’acquisition d’œuvres, 15% à l’animation et la promotion, 21% à la conservation de la collection. Le résultat de ces trois axes d’investissement doit permettre à̀ la collection et à la Nouvelle École Française® d’asseoir leur renommée sur le plan international.

Plus de 30 ans d’expérience 

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Erick Öge et Jérôme Le Berre, les fondateurs, accompagnent entreprises et collectionneurs dans leurs investissements en art contemporain.

Erick est conseiller en art, juriste en propriété littéraire et artistique et expert en ingénierie culturelle, il est conseiller ou membre de plusieurs institutions publiques ou privées. Très tôt, il s’engage auprès des artistes de sa génération.

Jérôme est également conseiller en art, expert en ingénierie culturelle et architecte de formation, il a d’abord développé une activité de muséographie, de design et de communication. Il a été le scénographe d’expositions. Il évolue dans un milieu de créateurs depuis son enfance.

Pour constituer une collection et la mener à un haut niveau international, des compétences dans la création de collections privées, la finance, le conseil en gestion de patrimoine, le marketing et la communication sont essentielles. Melpomène réunit des spécialistes de ces domaines. Ils sont accompagnés par un groupement d’avocats et spécialistes CGPI. L’association de ces compétences complémentaires font l’originalité et l’expertise de Melpomène sur ce marché.

Kriptown, la Néo-bourse des startups et PME

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Les quatre fondateurs de Kriptown : Mark Kepeneghian, Arnaud Mournetas, Mathieu Esteve et Jeremy Lachaud

Lancée en 2019, Kriptown est la première Néo-bourse permettant à des startups et des PME de réaliser leurs opérations de financements en fonds propres, sans perte d’indépendance, de manière simple et peu coûteuse.

Cette bourse d’actifs numériques propose au plus grand nombre d’investisseurs de financer ces entreprises et cela dès 1€.

Elle leur donne ainsi accès à de la liquidité permanente en ligne, 7 jours sur 7 et 24 h sur 24, grâce à un processus simple et totalement sécurisé.

Pour en savoir plus

Melpomène

La levée de fonds sur Kriptown : https://www.kriptown.com/startup/melpomene

Présentation : https://www.relations-publiques.pro/wp-content/uploads/pros/20220309154532-p3-document-amnp.pdf

Site web Kriptown : https://www.kriptown.com/fr

La peintre française Kyna de Schouël explore le lien entre ombre et lumière dans des compositions qui invitent au voyage intérieur

Elle n’a pas fait les Beaux-Arts et pourtant elle a exposé un peu partout dans le monde : Kyna de Schouël est reconnue aujourd’hui comme une peintre de grand talent.

Ses peintures, qui mêlent les compositions figuratives et abstraites, laissent entrevoir une passion pour le voyage et surtout pour l’étranger. Elles sont surtout des fenêtres sur l’intimité de l’artiste : chaque toile est le fruit d’un cheminement intérieur, de sensations personnelles, que Kyna de Schouël ressent au bout de son pinceau ou de son couteau.

Avec, toujours, ces couleurs annonciatrices de gaîté et de joie. « On aime, ou on n’aime pas, mais j’ai pris le plaisir de le faire », explique cette passionnée.

Cette artiste unique travaille avec de l’acrylique et des encres, mais aussi de l’encaustique, une technique de peinture basée sur l’utilisation de couleurs délayées dans de la cire fondue, travaillées à chaud principalement sur des planchettes en bois. « Les Égyptiens peignent l’avant de leurs bateaux grâce à cette technique et les peintures de leurs proues sont inaltérables », souligne-t-elle.

Son amour des scènes étranges, oriente l’artiste vers des compositions de visionnaire, très loin de la réalité, car c’est une mystique, Kyna de Schouël. Son enthousiasme est guidé par son hypersensibilité et, elle rêve dans une palette originale et très symbolique. J’ajoute que c’est une œuvre prenante et à la limite de l’abstrait.

Le monde des Arts

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"La cabane verte", peinture abstraite acrylique. Pièce unique.

“La cabane verte”, peinture abstraite, acrylique, support bois et toile.

Un gout immodéré pour l’étranger et le mystère

Passionnée par l’étranger et les découvertes, cette artiste donne désormais naissance à des toiles figuratives, abstraites et à des marines, après avoir travaillé le nu et les paysages.

Académicienne associée en degré supérieur à l’Académie des beaux-arts de Saint-Louis, elle est aussi fascinée par le mystère et la beauté de la nature. Mystique, Kyna de Schouël est avant tout guidée par son hypersensibilité et son enthousiasme et elle utilise une palette à la fois singulière et symbolique.

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“Espace”, peinture acrylique, support bois et toile.

S’il faut rentrer dans ses toiles pour comprendre, il faut surtout s’arrêter et percevoir le mystérieux qui flotte dans le centre de la toile, entre deux teintes bleues ou rouges. L’étrange et la beauté font du travail de Kyna de Schouël un exemple, et aspirent même au recueillement.

Une sélection d’œuvres emblématiques du travail de l’artiste

Toutes les toiles de Kyna de Schouël sont des pièces uniques, signées en bas à droite. Elles sont livrées avec leur certificat d’authenticité.

Peintures figuratives

“La balade des voiliers”

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Peinture acrylique, sur support bois et toile. Dimensions : 55 cm de large sur 38 cm de hauteur.

Prix : 1 300 €.

“Volcan”

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Peinture acrylique, sur support bois et toile. Dimensions : 92 cm de large sur 73 cm de hauteur.

Prix : 2 400 €.

Peintures abstraites

“Clair obscur”

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Peinture acrylique, sur support bois et toile. Dimensions : 22 cm de large sur 16 cm de hauteur.

Prix : 800 €.

“Paix et sérénité des femmes papillons”

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Peinture acrylique, sur support bois et toile. Dimensions : 46 cm de large sur 55 cm de hauteur.

Prix : 900 €.

À propos de Kyna de Schouël

Kyna de Schouël est une autodidacte passée par le nu, le paysage et l’abstrait. Aujourd’hui, son travail explore la subtilité des compositions abstraites.

Cette forte personnalité est avant tout une artiste au grand cœur, qui refuse les faux semblants et les compromissions. Ainsi, elle se donne sans compter depuis sa plus tendre enfance pour nous faire voyager.

« À 15 ans, j’ai fait ma première peinture qui a été vendue », souligne-t-elle.

Depuis, elle a obtenu une belle notoriété et la reconnaissance de ses pairs. Kyna de Schouël expose ainsi à Drouot depuis 35 ans et son talent a été salué par de nombreuses récompenses : elle a obtenu des médailles de Bronze à Chambéry, Arles, Barcelone et à l’académie de Lutèce, des médailles d’Argent à Aix-en-Provence, ou encore des médailles d’Or à Aix-en-Provence, Rome, etc.

Inscrite à l’annuaire des Beaux-Arts Nationaux et Internationaux, Kyna de Schouël est aussi Chevalier du Mérite et du Dévouement Français.

Pour en savoir plus

Site web : https://kynadeschouel.com/

Facebook : https://www.facebook.com/kynaschouel/

Instagram : https://www.instagram.com/kynadeschouel/

Biennale de Venise du 23 avril au 27 novembre : le peintre Somsak Hanumas, représenté par Asiart Gallery, a été sélectionné pour participer à l’exposition European Center

“Les couleurs de l’Asie” au Palazzo Bembo

Âgé de 40 ans à peine, le peintre thaïlandais est en train de devenir une véritable référence parmi les artistes émergents de l’art contemporain.

Depuis bientôt 10 ans, ses toiles sont présentes dans de nombreuses fondations et chez des collectionneurs du monde entier. Chaque œuvre de Somsak Hanumas s’inscrit de fait dans l’espace qui lui est destiné, comme une évidence de son but, de son besoin de présenter aux regards une représentation.

Aujourd’hui, Somsak Hanumas a été sélectionné pour participer à l’exposition European Center, au Palazzo Bembo, durant la Biennale de Venise qui se déroulera du 23 avril au 27 novembre 2022. Une opportunité exceptionnelle pour un artiste aussi jeune !

Il sera représenté lors de cet événement par Asiart Gallery, qui bénéficie d’une exclusivité mondiale sur son œuvre. 

Lorsque je crée, j’ai l’impression d’enfin pouvoir m’exprimer, en peignant librement, en étant pleinement en accord avec mes émotions, mes sentiments et mon imagination à travers chacune de mes œuvres.

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Une incroyable visibilité pour un peintre à l’univers singulier

Somsak Hanumas est originaire de Bangkok, où il a vécu toute son enfance ainsi que la majeure partie de sa vie d’adulte. D’abord destiné à une carrière d’ingénieur, il rejoint l’Institut Royal de Technologie de Ladkrabang, mais n’oubliera jamais sa passion première, la peinture.

Jeune diplômé, Somsak décide de prendre les pinceaux et de laisser libre cours à sa vocation et ne se séparera dès lors plus jamais de son art. Il peint maintenant depuis plus de 15 ans grâce à une technique qu’il a appris en autodidacte.

Paddy Fields

Paddy Fields

Après avoir peint un fond sur la toile, Somsak y ajoute de nombreux points colorés, dont il parsème la toile en suivant un dégradé dont l’idée générale est gravée dans son esprit. Après cette étape, Somsak, à l’aide d’un pinceau plus fin, trace des séries de lignes en superpositions sur les points, jusqu’à en couvrir l’ensemble de la toile.

Ce travail, dont la longueur et la répétitivité nécessitent une extrême patience, lui convient tout à fait – il lui offre le temps de réfléchir au sens de sa peinture et, plus loin encore, au sens de la vie et du temps qui passe. Une toile nécessite en moyenne 8 à 12 semaines avant d’être achevée.

Souvent, Somsak peint également des paysages qui l’ont marqué – une plage de Bangkok, un champ battu par la mousson, la lisière d’une jungle – en y ajoutant une touche personnelle, propre à sa technique. À charge à l’observateur de percevoir – ou non – le paysage qui apparait en filigrane derrière les lignes et les points.

Un collectionneur d’art a également dit de lui qu’il a “le génie des couleurs”.

In the city

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Biennale de Venise : L’exposition “Les Couleurs de l’Asie” au Palazzo Bembo

Selon Somsak Hanumas, l’art contemporain doit être accessible à tous. Pour ce faire, l’artiste privilégie des dispositifs qui conduisent le spectateur à la prise de conscience de son état de contemplateur.

L’artiste affirme son indépendance face à l’académisme traditionnel, aux beaux-arts, à la notion du “Beau”.

L’art contemporain n’est pas nécessairement “beau”, au sens classique du terme, mais il porte sens, produit de l’effet, sollicite nos émotions et notre intellect. La beauté s’inscrit alors dans les liens établis entre l’œuvre et le spectateur, dans l’expérience esthétique même et non dans l’objet.

Radiance

Plus de 500 journalistes et plus de 800 000 visiteurs du monde entier pourront vivre cette expérience unique lors de la Biennale de Venise, en venant découvrir son travail lors de l’exposition “Les Couleurs de l’Asie” de l’European Center au Palazzo Bembo, du 23 avril au 27 novembre prochain.

Aujourd’hui, il y a beaucoup d’artistes qui travaillent le point, le trait ou le mélange des couleurs. Mais aucun n’est parvenu à ce degré de maîtrise ni à un tel sens des couleurs. Somsak Hanumas a une “patte” unique, exceptionnelle.

 Dominique Sibade, Asiart Gallery

Touch of Blue

Touch of Blue

Asiart Gallery et Somsak Hanumas, l’histoire d’un coup de foudre artistique

C’est grâce à Asiart Gallery que Somsak Hanumas a pu faire évoluer son travail. La galerie spécialisée dans l’art asiatique, et plus particulièrement thaïlandais, a rencontré cet artiste au hasard d’une rencontre, dans un minuscule atelier de Bangkok.

Une véritable passion pour son œuvre est née et la galerie est aujourd’hui la seule à vendre les toiles de l’artiste grâce à un contrat d’exclusivité international.

Dominique et Joëlle Sibade reçoivent dans leur showroom de Lormont, à côté de Bordeaux, des collectionneurs férus d’art asiatique, éblouis par les tableaux de Somsak Hanumas, par ses abstractions qui nous font rêver et nous évader…

Blue Lines

Blue Lines

Plus de 10 ans d’implication aux côtés des artistes

À l’origine, Asiart Gallery était un antiquaire d’art spécialisé sans l’art asiatique (meubles, bronzes, statuaires, porcelaines, peintures…).

En 2012, l’antiquité asiatique se raréfiant, Asiart Gallery s’est tournée vers des artistes contemporains en peinture ou en sculpture. Après avoir travaillé avec 7 artistes, uniquement thaïlandais, la galerie se concentre désormais essentiellement sur le travail de Somsak Hanumas.

En 10 ans, la côte de cet artiste talentueux a pris une côte énorme, suscitant l’engouement de grands collectionneurs et fondations dans le monde.

Pour en savoir plus

Découvrir les œuvres de Somsak Hanumas : http://www.asiart.fr/artistes/somsak-hanumas/

Site web : http://www.asiart.fr/

Instagram : https://www.instagram.com/somsak_hanumas/

Facebook : https://www.facebook.com/somsak_hanumas-102324039055296/

Jeremi Ca, l’artiste breton qui joue avec le mouvement et l’illusion pour laisser une trace dans l’œil des spectateurs

Le marché de l’art contemporain ne s’est jamais aussi bien porté : en 2021, malgré la crise sanitaire, des records de vente ont à nouveau été battus pour atteindre 2,7 Mrd$ de chiffre d’affaires (source).

Mais, derrière ce terme d’ “art contemporain”, il y a une grande diversité de styles et de mouvements. Certains artistes n’hésitent pas à puiser dans la quintessence de différents courants pour donner naissance à des œuvres singulières et inclassables.

C’est notamment le cas du breton Jeremi Ca, dont le travail a été maintes fois exposé à Art Paris au Grand Palais, un événement incontournable qui rassemble les galeries d’art du monde entier.

Sa démarche est au carrefour de :

  • L’art optique, ou Op Art, qui désigne les pratiques artistiques basées sur les effets d’optique et d’illusions ;
  • L’art cinétique, une forme d’art issue de l’abstraction et fondée sur le caractère changeant de l’œuvre, son mouvement apparent ou réel ;
  • L’abstraction géométrique, qui se caractérise par l’utilisation de formes géométriques et de couleurs disposées en aplats dans un espace bidimensionnel.

Il a gardé de ces courants la puissance des effets visuels de mouvement et d’illusion, par l’utilisation des formes et des couleurs.

Longtemps empreinte de figuration, l’œuvre de Jeremi Ca a progressivement évolué vers l’abstraction, et plus particulièrement vers ce travail répétitif et obsessionnel de la ligne. Une forme simple qui ouvre un infini champ des possibles.

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Une créativité nourrie par l’influence d’artistes célèbres

Chaque artiste a ses “Maîtres”, d’illustres prédécesseurs qui ont ouvert la voie, expérimenté des techniques et des univers graphiques.

Le travail de Jeremi Ca a ainsi été fortement marqué par :

Jean Dubuffet 

Dans le travail de Jeremi Ca, on retrouve l’importance et l’impact du rôle de la ligne des créations du peintre et sculpteur de l’Hourloupe qui a fondé le mouvement de l’art brut.

Hans Hartung

Hans Hartung a eu une influence dans l’utilisation d’outils dans la création de l’œuvre : l’apport d’outils va affecter l’esthétique de l’œuvre en donnant une identité propre composée par la complexité de cette combinaison main et outil. Les travaux picturaux de Jeremi Ca sur la ligne en sont un bel exemple : il utilise notamment un tube de ketchup comme contenant pour faire couler la peinture à la surface de ses tableaux.

Victor Vasarely

Les nombreux croquis préparatoires des toiles de cet artiste nous montrent des espaces visuels marqués par la volonté de créer des illusions de tout genre (aspirations, formes en 3D, impression de mouvement).

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Un travail protéiforme toujours dominé par l’acte de peindre

Dans l’espace intime de l’atelier, Jeremi Ca développe ses séries qu’il nomme ses « axes de recherche ».

L’espace public de la rue va ensuite devenir un terrain d’expression dans lequel il crée des installations ou fresques qui font écho à ses questionnements.

Ces œuvres, qui ont pu voir le jour dans plusieurs pays (France, Belgique, Portugal, Inde, Pérou), sont à chaque fois liées à leur contexte spécifique. En effet, selon Jeremi Ca, l’environnement détermine une approche technique, stylistique en lien avec un propos.

Avec, toujours, la volonté de toucher les spécialistes comme les néophytes. Jeremi Ca estime qu’il s’agit là de l’essence même de l’art : la communication au plus grand nombre. Il estime donc avoir atteint son but lorsque certaines de ses œuvres intègrent des collections et quand le public non initié est attiré par son travail.

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Une réflexion sur les rapports de l’homme à l’art

Les recherches de Jeremi Ca interrogent sur la perception que nous pouvons avoir des œuvres d’art. D’où son attachement aux effets créés par la technique et la fabrication d’outils favorisant la création de rendus stylistiques différents.

En tant que sujet ou spectateur, l’humain est au centre de mon œuvre. Mes différentes implications sont destinées à questionner l’existence de la peinture par l’interprétation active du regard.

Comme pour la sculpture au sens général, Jeremi Ca veut que ses peintures puissent s’observer sous différents angles. Ainsi, le déplacement du spectateur donne naissance à une œuvre évolutive, car les aspects de ses toiles, fresques et installations changent selon la position du regardeur.

C’est aussi ce qui explique la sensation d’une perte de repère : le jeu des lignes et des couleurs interpellent, provoquant des sensations de profondeur, de mouvement, de déformation et d’illusion.

Ondes Bleues 6

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Une exploration des possibilités offertes par la sculpture

Depuis quelques années, Jeremi Ca travaille la sculpture. La tridimensionnalité lui permet de rendre l’œuvre vivante.

Ses sculptures prennent souvent la forme de colonnes, sur lesquelles le travail pictural donne une illusion de mouvement et de déformation de la surface.

Une sélection d’œuvres emblématiques de sa démarche artistique

Installations d’art éphémère

Colonne cinétique 1

Colonne cinétique 2

Fresques

fresque 2

Vortex

vortex

vortex 2

Variations autour du noir

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Perspectives uniques

perspectives uniques

A propos de Jeremi Ca

L’art est le medium qui permet une meilleure compréhension du monde.

Jeremi Ca est un artiste vivant et travaillant en Bretagne. Après un Master en Art à l’université de Rennes, il décide de se consacrer entièrement à la pratique de la peinture depuis 2006.

Après plusieurs périodes balançant entre figuration et abstraction, la thématique de la Ligne lui est apparue lors de dessins « rudimentaires », réalisés sans prétention. Ces dessins composés essentiellement de hachurages marquèrent fortement son attention par la puissance de leur graphisme.

Depuis 5 ans, le thème de la ligne occupe l’essentiel de ses recherches par l’infini des possibilités qu’il offre.

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Dans un monde paradoxal, à la fois superficiel et complexe, Jeremi Ca considère qu’il est important de se tourner vers l’essentiel. C’est pourquoi le choix de peindre en exploitant la contrainte de la ligne (élément banal que l’on retrouve partout) est pour lui un moyen de renouer avec le concret.

Jeremi Ca a exposé dans de nombreuses galeries françaises, en Europe (Espagne et Belgique), ainsi qu’en Malaisie. Il a notamment exposé à Art Paris, une des plus grandes foires d’art contemporain qui rassemble certaines des plus grandes et prestigieuses galeries. Il est représenté par la Galerie Wagner.

En 2021, Jeremi Ca a participé à trois expositions collectives à Paris (“Mesures/Démesures#2″, “Carrés”, “Trésor de Papiers#2″) et réalisé deux expositions personnelles à Nantes (“Rainbows, Mars” – Galerie Sabrina Lucas) et à Saint-Malo (“Ondes bleues” – 4e lieu, La Grande Passerelle).

Colonne cinétique installation

Pour en savoir plus

Son site internet : https://www.jeremica-art.net/

Instagram : https://www.instagram.com/jeremi_ca/

Facebook : https://www.facebook.com/Jeremicaofficial/

Art Shopping : Linou, l’artiste numérique qui dévoile le sens caché des choses grâce à la réalité augmentée ou à la vidéo, exposera au Carrousel du Louvre à Paris du 18 au 20 juin

Art Shopping est un salon international d’art contemporain accessible, éclectique, vivant et audacieux. Annulé l’année dernière en raison de la crise sanitaire, le retour de cet événement incontournable est particulièrement attendu.

Du 18 au 20 juin, dans le cadre exceptionnel du Carrousel du Louvre à Paris, chacun va pouvoir admirer des œuvres dans toutes les disciplines (peinture, photographie, art numérique, sculpture, street art…), acheter un “coup de coeur” à un prix abordable, mais aussi échanger très simplement avec plus de 100 artistes et galeristes venus du monde entier.

Cette bulle artistique de 3 jours est aussi une formidable occasion de découvrir des talents français qui explorent d’autres territoires, en utilisant notamment des technologies modernes.

C’est notamment le cas de Linou, une artiste qui s’appuie sur la réalité augmentée et la vidéo pour donner à vivre une expérience unique transportant les spectateurs dans un ailleurs rassurant, apaisant et dynamisant. 

Durant le salon Art Shopping, elle présentera sa dernière collection : “INSIDE”.

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Même le logo est en réalité augmenté !

Lever le voile invisible qui enveloppe le réel

Nous vivons dans 2 mondes : le monde réel qui nous entoure, et… celui qu’on ne voit pas, qu’on suppose, qu’on imagine. Linou nous invite à prendre conscience que le voile séparant les deux est invisible ; nous sommes donc tous libres d’y aller à chaque instant.

Je ressens un vrai décalage avec ce monde dans lequel nous vivons où il faut faire et paraître. Rien n’arrive au hasard et ne se passe sans qu’il n’y ait un sens caché. Tout a une raison d’être et d’exister. Je suis persuadée qu’il existe autre chose, un ailleurs…. Pas géographique mais plutôt symbolique.

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Un monde de coïncidences, de synchronicités, d’intuitions, de réflexions, de solutions, d’idées, de motivation, de renouveau, de ressources, d’échanges post mortem mais aussi un monde de fun et de bizarreries. Le monde de l’infini !

Cet endroit se veut rassurant, apaisant, dynamisant par moment.

Cet ailleurs, c’est chez moi, c’est chez vous. Il fait bon y passer du temps pour y puiser la force nécessaire à notre survie et y trouver quelques pistes de réflexions à nos questionnements sur ce pourquoi nous sommes ici, dans cette vie, à cette époque.

Il ne s’agit pas de fuir une réalité mais bien d’aller puiser une sorte de “substantifique moelle” pour aller vers plus d’épanouissement.

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En tant qu’artiste, Linou perçoit ces deux mondes, mais elle sait qu’elle n’est pas la seule. En tant qu’être humain sensible et peut-être même intuitif, nous pouvons tous les percevoir.

Le but de l’artiste est alors d’essayer de permettre à chacun d’entrevoir cet autre monde, pour que nous puissions tous y vivre des expériences extraordinaires.

Elle invite les spectateurs de ses œuvres à s’aventurer dans cet autre monde… impalpable, mais pourtant bien réel !

Un aperçu des œuvres emblématiques de la nouvelle collection “INSIDE”

Œuvres d’art avec réalité augmentée

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Pour faire l’expérience de la réalité augmentée, il suffit de lancer l’application Artivive et de fixer l’oeuvre. Il ne reste plus qu’à laisser opérer la magie !

INSIDE 21

Copie+de+Linou+(12)

Comme une envie d’évasion, comme un souvenir d’enfance, un bord de mer où l’on se promène et qui nous lance un appel au large.

Prix : à partir de 1 500 € selon la taille et le support choisi.

INSIDE  10

Copie+de+Linou+(1)

Nous sommes au bord de l’autre monde, il n’a jamais été aussi proche. Il suffit d’un battement d’aile, et vous y êtes!

Prix : à partir de 1 500 € selon la taille et le support choisi.

Œuvres d’art en vidéo

Chaque œuvre en vidéo est un exemplaire unique. En mouvement, elle joue en boucle perpétuelle pendant 24 heures. Chacun peut ainsi se laisser transporter et découvrir une nouvelle façon de vivre avec un art qui bouge.

INSIDE THE NINE

Copie+de+Linou

Prix : 1500 € pour un tirage d’art vidéo encadré écran 10′ – En cadeau, une clé USB est offerte contenant l’exposition virtuelle de la dernière collection de Linou (lisible sur tous les écrans).

INSIDE THE ONE

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Prix : 1800 € pour un tirage d’art vidéo encadré écran 10′ – En cadeau, une clé USB est offerte contenant l’exposition virtuelle de la dernière collection de Linou (lisible sur tous les écrans).

A propos de Linou

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Linou est surtout connue pour ses œuvres numériques en réalité augmentée et ses dispositifs vidéo interactifs.

Son parcours artistique commence en 2016 suite au décès brutal de son fils, qui l’amène vers une descente aux enfers. Une partie d’elle alors s’éteint.

Elle décide de parcourir le monde pour alchimiser sa douleur et donner sens à son existence. Repoussant les barrières de la langue, elle communique avec formes, couleurs et rythmes.

Par son travail d’œuvres murales grand format, elle nous transporte aux frontières d’un autre espace. Comme une invitation à faire l’expérience de ce monde de l’ailleurs aujourd’hui invisible à nos yeux.

Pour en savoir plus

La collection INSIDE : https://www.linou.net/oeuvres

Linou au salon Art Shopping : https://www.artshopping-expo.com/info_artiste/12555/linou.html

Site web : https://www.linou.net

Instagram : https://www.instagram.com/linou_art/

LinkedIn : www.linkedin.com/in/linouart