Festival Off Avignon 2024 : “Quelque chose a changé dans l’air” de la compagnie Les Écorcés, un spectacle immersif qui mixe danse, théâtre et musique

QUI SOMMES-NOUS ?

ÉQUIPE

Comédien-ne-s
Alice Rey
Pierre Lemmel

Danseur-euse-s
Espéranza Cagigas
Kenan Philbert-Zehani

Mise en scène
Alice Rey

Musique
Lionel Boucharlat

Création lumières
Marie Michel

Crédits photo
Caroline Janin

7N4A4567

LA COMPAGNIE

Les Écorcés est une troupe de théâtre basée à Lyon et Paris. Elle est née de l’envie commune de quatre comédien.nes de créer des spectacles originaux qui leur ressemblent où défis et quête de sens et d’esthétisme sont mis à l’honneur. Ensemble, et avec la collaboration de nombreux artistes venus d’horizons divers, nous explorons des créations théâtrales variées dans leurs sujets comme dans leurs mises en scène. Nous expérimentons notamment l’outil de l’improvisation théâtrale comme écriture spontanée, de connexion à l’instant et de performance.

Pourquoi Écorcés ? Car sous l’écorce d’un arbre se cache un bois brut. Sous nos masques et ses failles nous aimons toucher à une mise à nue scénique, vulnérable et onirique. Notre compagnie puise aussi ses racines dans nos engagements sociaux, féministes et en constante réflexion sur les rapports de pouvoir et nos corps politiques et sexués. Nos spectacles veulent créer un rapport direct avec le public : porter son histoire sur scène. Nous avons à cœur de mettre l’accent sur notre rapport à la création lumière, à notre engagement physique dans nos spectacles et à l’hybridation des formes artistiques.

Aujourd’hui la compagnie se produit à Lyon, Paris et tourne régulièrement en France et en Belgique. Persuadés que transmettre est le meilleur moyen d’apprendre, nous proposons également une école de théâtre improvisé à Lyon et Paris.

PRÉSENTATION DU SPECTACLE

Quelque chose a changé dans l’air explore les moments qui transforment notre existence. A partir de témoignages du public, danse, théâtre et musique se rencontrent et improvisent ensemble pour révéler les traces physiques et symboliques que les événements marquent sur nos corps. Une matière colorée leur donne vie, sous forme de motifs, de formes et de traînées dans l’air et sur les corps et crée une expérience visuelle et émotionnelle captivante.

Le spectacle commence par une question : “Y a t-il eu un événement qui a changé votre vie, votre manière de penser, qui vous a marqué ?”. Ce moment est précieux à nos yeux. Il s’agit d’accueillir une parole instantanée et brute, mais surtout de lui offrir le rôle central de ce spectacle, de rendre hommage sur scène aux différents vécus dans ce qu’ils ont d’intime et de singulier, comme dans ce qu’ils ont d’universel.

Quelque chose a changé dans l’air traite de la thématique de l’inexprimé : l’impact de nos mots et de nos corps sur nous et les autres. A travers la danse, la musique et la matière colorée, nous donnons à voir l’invisible : les émotions, les souvenirs, les non-dits. Il peint un paysage visuel éphémère, changeant et porteur de sens.

NOTE D’INTENTION

Imfiroviser m fiartir de la matière fiublic

“Y a t-il eu un événement qui a changé votre vie, votre manière de penser, qui vous a marqué ?”. Cette question à la fois large et intime nous connecte de manière directe au public. Ce moment est précieux à nos yeux. Il s’agit d’accueillir une parole instantanée et brute, mais surtout de lui offrir le rôle central de ce spectacle, de rendre hommage sur scène aux différents vécus dans ce qu’ils ont d’intime et de singulier, comme dans ce qu’ils ont d’universel.

Au-delà de l’aspect performatif évident qui consiste à créer sur l’instant une pièce de théâtre entière, l’improvisation instaure un dialogue direct entre artistes et public. A ce titre, elle prend ici tout son sens : c’est un moyen privilégié pour créer un spectacle qui met aussi directement sur scène le vécu des personnes dans la salle. Nous n’avons pas de longueur d’avance sur le public, nous ne sommes pas sachants, nous découvrons et vivons les choses en même temps que lui. Tout le monde sait que cette expérience n’aura lieu qu’une fois et nous partageons ce moment unique et précieux. Tout cela nous connecte – artistes comme public – différemment aux sensations de l’instant et crée un rapport épidermique aux traces reçues, aux corps, à la musique et à la parole.

Pour toutes ces raisons, notre travail consiste à rendre possible ce dialogue spontané et pluridisciplinaire. Créer de nouveaux langages, expérimenter avec la matière colorée comme véhicule des émotions et des bouleversements vécus par les personnages… Tels ont été les piliers de notre création liant les formes artistiques au service du sens.

Traces et changements

Dans les heures de grandes trouvailles, une image poétique peut être le germe d’un monde, le germe d’un univers imaginé devant la rêverie d’un poète. La conscience d’émerveillement devant ce monde créé par le poète s’ouvre en toute naïveté.

Gaston Bachelard, Poétique de la rêverie.

Ces thématiques des changements que nous vivons et des traces laissées nous touchent beaucoup car elles nous renvoient à nous en tant qu’individus, en tant que comédien.nes mais aussi et surtout en tant que personnages que l’on incarne. Nous jouons des personnages créés dans l’instant qui ont un passé, des rêves et des manières de penser. La part de nous en eux est subtile, comme un voile de subjectivité qui rend la performance de jeu ancrée dans des frontières entre expériences de vie, imaginaires et inspirations externes.

Ces sujets que l’on infuse dans nos mises en scènes et nos narrations partent de réflexions sur les traces invisibles ou/et visibles qui sillonnent nos corps et nos esprits, nos personnalités et nos réactions émotionnelles. Les traces transmises par le danseur sont des impulsions pour que les personnages puissent se raconter, transmettre l’essence d’un vécu, d’un ressenti ou d’un lien avec l’Autre.

La danse et les couleurs avec lesquelles elle interagit deviennent un grand terrain de jeu de l’inconscient. S’y baladent les non-dits, l’électricité dans l’air, les pensées les plus secrètes ou les plus basiques, les rêves et cauchemars et les projections qui révèlent et dévoilent le cœur des scènes jouées.

Si le rapport au contact physique au plateau est mis au centre de nos choix artistiques, c’est qu’il est pour nous le chemin le plus sensoriel et évocateur pour faire se rencontrer les thématiques du spectacle. Nos corps sont politiques, porteurs de sens, d’histoires, sensibles et vivants.

Imprimer, tracer, souiller, dessiner, effleurer ou toucher avec la matière colorée… Les impacts des couleurs sont les protagonistes des scènes, des moteurs de jeu à part qui tissent avec la danse, le théâtre et la musique une nouvelle branche de l’arbre thématique que le public aura défini. Les traces de vie peuvent être petites comme immenses, issues de la lumière comme de l’horreur ou des traumatismes.

Cette variété des traces et des changements vécus par nos personnages est importante pour nous dans la dynamique de mise à l’honneur de la parole recueillie, de sa mise en perspective et du rythme voulu. Ce rythme se veut comme un miroir aux changements vécus au fil des existences : parfois effréné, parfois lent, souvent suspendu et virevoltant dans plusieurs réalités.

Ce qu’on ne voit pas, ce qu’on ressent, ce qu’on voit mais qu’on ne comprend pas, ce qu’on comprend sans ressentir : nous avons cherché a créé avec Quelque chose a changé dans l’air un esthétisme de l’inexprimé.

Matière colorée

La matière colorée – pour créer des liens entre les scènes, les corps, la danse et le jeu théâtral – a été un médium privilégié qui nous a porté sur scène et qui nous a forgé l’envie d’une esthétique unique.

Ensevelis, couverts, redessinés… Nos corps deviennent des pages blanches, des tableaux porteurs des changements, des impacts des scènes et des interactions entre les personnages. L’utilisation de la matière colorée est un nouveau langage apprivoisé par le public. Les scènes cumulent sur les corps des couleurs tels des fils tissant des liens visibles et subtils qui se connectent à la toile centrale : celle du témoignage public à travers lequel tout a commencé.

Elle est également une métaphore de ce que nous traversons au plateau dans notre processus créatif. Nous arrivons “page blanche” face au public, puis au fil du spectacle, nous évoluons, marqués par les témoignages du public et les scènes que nous traversons pour repartir différents.

danse 5 Seule la danse a accès à la matière colorée, comme une extension de sa personne et de ses mouvements. Les comédien.nes ressentent et se connectent aux traces symboliques, telles des ponts entre deux mondes, esthétisant des expériences vécues. Leur cumul évoque la transmission, les blessures comme les forces qui nous traversent au-delà de nous, entre les générations, les cultures, les époques et les formes de beauté qui résident dans nos chairs.

Alice Rey

Comédienne & metteuse en scène

Alice Rey commence à travailler dans la lutte contre les discriminations en milieu associatif en tant que socio-anthropologue.

Elle pratique intensément les arts martiaux (kung-fu et aïkido), ainsi que la danse.

En 2018 elle co-fonde Les Écorcés avec une envie d’engagement corporel et d’expérimentations pluridisciplinaires au service des thématiques liées à l’intime et l’inexprimé.

Que ce soit au sein du LACSE avec la pratique du théâtre forum ou au sein de spectacles comme Les Ordinaires (sur les violences sexistes ordinaires), Ce que la nuit nous raconte (sur le harcèlement de rue), elle porte des thématiques sociales engagées dans ses créations théâtrales et questionne les rapports de pouvoir. Elle fait également partie de la cie du Bleu Miroir, du 13ème Cri, d’Et Compagnie et prend part à différents projets théâtraux tels que NSFW, Oracle, 30, Frichti…

Notamment passée par l’école de Pontempeyrat, l’école de théâtre Âtre, et le théâtre immersif de Simón Hanuka, elle se forme à des pratiques d’expression corporelle et dansée. Elle enseigne depuis 5 ans à l’école de théâtre Âtre à Lyon, à l’école des Écorcés et au sein de différentes troupes en France. Elle développe une pédagogie axée sur l’engagement physique dans le jeu.

Alice est metteuse en scène sur Le bistrot du hasard, La Cabane est sur le chien et dans les créations improvisées des Écorcés (Décorsage, Madeleine…). Elle explore le théâtre improvisé comme un chemin artistique privilégié pour mêler la puissance de l’instant et le jeu organique. Son travail, en passant par un dialogue interdisciplinaire spontané, va puiser dans ses mises en scène une esthétique visuelle et sensible.

Pierre Lemmel

Comédien & assistant mise en scène

Pierre Lemmel est comédien, auteur, metteur en scène, et technicien son & lumière. En 2018, il co-fonde Les Écorcés autour du spectacle Les Mains Bavardes, un spectacle visuel autour de la Langue des Signes et de la culture sourde.

Il est également directeur artistique de la compagnie Tout est dans le Titre, dans laquelle il créé Aléas, En Chiens, Lire une page Blanche…

Il prend part en tant que comédien aux projets NSFW, Système d’exploitation, Zermos…

Passé par les cours d’arts dramatiques du Foyer ainsi que diverses formations en théâtre et danse (Asil Raïs, compagnie Point s Sensibles, Milkshake Project, …) il aborde l’improvisation comme un outil de liberté pour exprimer son identité artistique. Persuadé que l’improvisation peut être bien plus qu’une simple discipline performative, il n’a de cesse d’explorer de nouveaux chemins avec toujours une même envie : créer des spectacles avec une ligne artistique forte et une véritable identité visuelle.

En parallèle de son métier de comédien, il travaille activement sur la place de la régie son et lumière en improvisation théâtrale. Passionné par l’envie d’amener une vraie puissance d’image théâtrale à l’improvisation, il anime des stages sur le sujet, collabore sur de nombreux projets improvisés. Il est régisseur général du festival Impro en Seine, un des plus gros festivals français d’improvisation.

Kenan Philbert-Zehani

Danseur & chorégraphe

Originaire de Strasbourg, Kenan Philbert- Zehani amorce ses débuts dans la danse hip hop dans les rues et battles à Taïwan, berceau de la danse Street en Asie du Sud- Est, avec une variété de styles, du PABE (Popping Animation Boogaloo and Effects) au Voguing en passant par le Krump, s’appropriant ainsi une palette de mouvements très expressifs.

Il enrichit son style en se formant à la danse classique, contemporaine, au buto, à la capoeira, ainsi qu’au tango argentin et à d’autres danses latines.

Chorégraphe et danseur pour les groupes éléctro “Citron Sucré” et “Speciimen”, il a créé les chorégraphies de 5 clips avec jusqu’à 10 danseurs-euses. Sa quête constante d’innovation l’a conduit à collaborer ou danser pour Boris Charmatz, Olivia Granville, Anne Teresa De Keersmaeker, Sumako Koseki, Alina Noir, Nicolas Irurzun et bien d’autres.

Enseignant dévoué à l’Université Lyon 1 (La Doua) et Lyon 2 (Lumière), ainsi qu’au Lyon Art Dance Center, Kenan partage sa connaissance du Hip-hop et des danses actuelles, semant la graine de la créativité dans les esprits des futures générations en Licences d’Arts et en STAPS.

Esfieranza Cagigas

Danseuse

Artiste pluridisciplinaire ayant e ploré les arts graphiques autant que la danse contemporaine et hip hop. Esperanza cherche à transcender les cadres et grandir au f i l des rencontres.

Atteinte d’ une polyarthrite rhumatoïde depuis toujours, la danse est en premier l ieu un e utoire et permet de se réapproprier son corps.

Le mouvement est alors une quête de soi, une rencontre avec soi dans un monde dense toujours en mouvement.

Lionel Boucharlat

Musicien

Attiré depuis toujours par ce qui peut générer un son, Lionel est chanteur dans le chœur de la Cathédrale de Lyon, comédien, et autodidacte sur divers instruments physiques ou numériques.

Il aime particulièrement marier l ‘ électronique et la voix.

Sensible aux émotions que peuvent provoquer les musiques sur nos sens, il se concentre sur l’écriture de bandes originales de pièces de théâtres diffusées ou interprétées sur scène. (Deux pommes pour un chou, Building, Marcel B, Des Choses qui Arrivent, Le Temps l’Emportera),

Lionel développe ces dernières saisons ses créations de musique live via la création musicale en spectacles improvisés (Psykorama, Zermos, Madeleine, La Forêt, Quelque Chose a Changé dans l’Air).

PROCHAINES DATES

PARIS – 16 juin 18h

Théâtre du Gymnase, grande salle, Impro en Seine

AVIGNON – 29 juin au 21 juillet 12h50

Théâtre de L’Oulle, Festival d’Avignon Off

REPRÉSENTATIONS PRECEDENTES

Le Croiseur, Rhizome Festival – LYON Théâtre Mondésert, Semaine de l’Impro – NANCY

Théâtre du Gymnase, Impro en Seine – PARIS L’Improviste – BRUXELLES

En savoir plus

Réserver une place : https://lafactory.vostickets.net/billet/FR/representation-LA_FACTORY-21994-0.wb?REFID=Y3MNAAAAAAB3AA

Teaser video du spectacle (30 secondes) : https://youtu.be/jfNCNQVzyCw?si=Nhvt7SqCaV595la2

Dossier de presse : https://drive.google.com/file/d/1J_IzcIsWqPZrhZU_bEx84IXMNQvD2G9u/view?usp=sharing

Instagram : https://www.instagram.com/lesecorces?igsh=dTBkbXVpOXNoemJs

Facebook : https://m.facebook.com/profile.php?id=100057757955530&__n=K

Impro en Seine : pour sa 10e édition, le festival bat tous les records en proposant 110 spectacles en 5 jours du 7 au 11 juin

Et si on oubliait la morosité ambiante pour rire, se détendre et faire le plein de good vibes ?

Impro en Seine, le plus grand festival français du genre, est un événement à ne surtout pas manquer pour (re)trouver le sourire.

Réputé pour sa créativité, sa spontanéité, et sa convivialité, il réunit, au célèbre Théâtre du Gymnase, situé sur les Grands Boulevards de Paris, les meilleurs talents de l’improvisation théâtrale, de France et d’ailleurs.

Pour sa 10eme édition, le Festival Impro en Seine s’affirme comme l’un des plus grands événements d’impro au monde, en proposant 110 spectacles en 5 jours, du 7 au 11 juin.

Un festival qui reflète TOUTES les facettes de l’impro

Durant Impro en Seine, ce sont plus de 350 comédiens et 1 000 spectateurs par jour qui vont vibrer ensemble dans une ambiance de folie.

Si l’impro est systématiquement associée au match d’impro, venu tout droit du Québec, avec ses comédiens en tenue de hockeyeurs joutant sur une patinoire, Impro en Seine invite surtout à découvrir l’immense diversité de l’impro au-delà du format du match. Vous pourrez ainsi voir des cabarets, des pièces de théâtre, des comédies musicales, des contes, de l’impro sous hypnose, des histoires à la manière de Miyazaki, des duos, des solos, des concerts… bien sûr, improvisés.

La qualité des spectacles est de tout premier plan, notamment dans la Grande Salle, où est programmé un florilège des meilleures affiches du moment proposées par les improvisateurs les plus chevronnés de France et d’ailleurs.

Les troupes viennent de Paris, mais aussi des 4 coins de la France (Toulouse, Rouen, Nantes, Angers, Lyon, Montpellier, Marseille…) et de plus loin encore : il y aura cette année des talents venus de Berlin, de différentes villes de Belgique et même de Californie et de Floride.

Un “Rock en Seine” de l’impro, avec une dimension ludique et interactive

Comme un festival de musique, Impro en Seine rassemble plusieurs scènes, réunies en un seul et même lieu, à la façon d’un village d’impro. Les festivaliers peuvent se procurer un pass pour 4 heures ou pour 1 – 3 – 5 jours, en fonction de leur disponibilité et de leur budget.

Mais au-delà de proposer la plus grande variété de spectacles qui soit, le festival a pour mission de transmettre le goût de l’impro, faire connaître la beauté de cette discipline, et pourquoi pas, susciter des vocations.

Le public va donc pouvoir participer à plusieurs activités telles que :

Des ateliers gratuits d’initiation à l’impro ainsi qu’à l’impro chantée ;
Des scènes ouvertes pour vivre pleinement la fête en improvisant soi-même.

Pour que ce soit une fête totale de l’improvisation, nous invitons tous les spectateurs à véritablement vivre les valeurs prônées par l’impro : l’audace, la créativité et la convivialité, en participant et en improvisant eux-mêmes !

Zoom sur 10 spectacles coups de cœur à ne pas manquer

Samedi 10 juin à 21h dans la Grande Salle du théâtre du Gymnase
La Vie est une fête – Par la troupe du Grand I Théâtre
C’est l’histoire d’un groupe d’ami.e.s au travers de 4 soirées importantes. 4 fêtes qui ont marqué l’existence des membres de ce groupe, dans 4 temporalités différentes. Un spectacle qui parle d’amitié, de doutes, de joies, de peines. L’occasion de célébrer les fins de soirées qui libèrent les corps et les esprits.

Dimanche 11 juin à 17h dans la Grande Salle du théâtre du Gymnase
Faîtes-nous confiance – Par Thierry Bilisko et Fabien Strobel
Confiez-leur un secret, ils en font des histoires ! Thierry Bilisko et Fabien Strobel reviennent à l’essence même du jeu théâtral, en pleine lumière et sans artifices musicaux. Incarnant des personnages sincères et colorés, nos deux complices ont plaisir à interchanger leurs rôles, ce qui crée de nombreuses situations désopilantes.

Vendredi 9 juin à 20h30 dans la Grande Salle du théâtre du Gymnase
Sabotage – Par la compagnie des Once a poney time
Entrez dans l’univers du jeu de société ! Une histoire punchy et colorée, où chacun.e devra atteindre un objectif imposé par le public en évitant les tentatives de sabotage, afin de rompre la malédiction de la boîte qui bloque ces 4 ami.e.s dans un grenier. Après 150 dates à Paris et en tournée et 4 festivals OFF d’Avignon, SABOTAGE revient au Festival pour une folle partie !

Samedi 10 juin à 14h dans la Grande Salle du théâtre du Gymnase
Les Lundis d’impro (Québec)
Les improvisateurs les plus déjantés de Montréal sont de retour à Paris ! À tour de rôle ils se placeront dans le rôle du metteur en scène pour réaliser la meilleure scène possible, et c’est à vous, public, de choisir si cette improvisation théâtrale est de l’art ou si elle se mérite un défi !

Dimanche 11 juin à 20h dans la Grande Salle du théâtre du Gymnase
Le Grand Showtime – Par la compagnie Etcetera
Cocktail molotov composé à 100% d’impro et 200% d’humour : un concentré explosif d’humour qui va vous secouer comme jamais. Sur scène, un présentateur et 3 comédiens improvisent sketchs détonants, doublages improbables, chansons décalées, raps enflammés et le mythique débat mimé, devenu leur impro signature !

Jeudi 8 juin à 22h30 dans la Grande Salle du théâtre du Gymnase
Impro Colombo
« Ma femme est une grande fan de la série Columbo. Elle adore l’impro également… Je ne vous dérange pas avec toutes mes questions ? » Que vous soyez fan ou non du lieutenant Columbo, venez découvrir cette enquête improvisée, où l’on sait dès le début qui a fait le coup !

Vendredi 9 juin à 20h30 au Petit Gymnase
Un tribunal de petite instance – Par la compagnie Plusieurs Mots Productions
Pourquoi devrait-on réserver plaidoiries passionnées, preuves accablantes, interrogatoires enflammés, seulement aux plus grands crimes ? Ici seront jugés vos plus simples litiges avec tout le sérieux qu’ils méritent, par des magistrats dont la compétence est peut-être discutable, mais certainement pas la verve et la passion !

Mercredi 7 juin à 21h30 au Petit Gymnase
Impro sous hypnose
Que se passe-t-il lorsque l’on mélange théâtre d’impro et hypnose ? Comment réagissent les comédiens lorsqu’ils doivent jouer sous hypnose ? Des nouvelles contraintes grâce à l’hypnose.

Dimanche 11 juin à 21h dans la Grande Salle du théâtre du Gymnase
La Carte Blanche des Eux – Par la compagnie les Eux
Voilà 16 ans qu’ils éblouissent par leur talent. Désormais à l’affiche 2 fois par semaine dans la Grande Salle du Palais des Glaces, la troupe d’impro la plus aimée de France a carte blanche pour ce spectacle et peut laisser libre cours à ses fulgurances et ses coups de génie.

Samedi 10 juin à 11h au Petit Gymnase
Le Professeur Je-Sais-Tout vous explique le monde – Par la Fabrique à Impros (Nantes)

Le festival pense aussi aux jeunes parents avec ce spectacle pour enfants à partir de 4 ans. Journée portes ouvertes au laboratoire du Professeur Je-Sais-Tout qui va répondre à toutes les questions des enfants ! Bon, parfois, on se demande s’il n’invente pas un peu… Grâce à lui et son assistant Célestin, on se rend compte que tout savoir n’est pas possible et qu’ignorer des choses, ce n’est pas si grave !

À propos des fondateurs du festival Impro en Seine

Le festival Impro en Seine a été cofondé par Marc Occhipinti et Eduardo Larrain. Ils sont tous deux membres de l’association Satourne, une troupe d’improvisateurs qui se produit dans 3 spectacles : Les Dictateurs, La Folle Histoire du Monde Improvisée, et Fratrie.
En 2006, quand ils découvrent l’improvisation, hormis quelques matchs d’impro qui se jouent dans des lieux prestigieux, la majorité des troupes se produisent dans des caves, des bars et des scènes parisiennes plutôt anonymes. Et bien rares sont les troupes qui sont à l’affiche toutes les semaines.
Pourtant, ce qui est proposé est génial, courageux et tellement drôle !

Les spectacles vibraient de joie de vivre, d’amitié et de liberté. On trouvait ça injuste que ces talents soient cantonnés dans des recoins obscurs, alors qu’ils méritaient de belles scènes dans de beaux théâtres.

Regrettant souvent que l’impro soit injustement méconnue, ils décident, afin de faire connaître les différentes pratiques de ce courant artistique, de lancer Canal Impro, une chaîne YouTube qui partage des spectacles d’improvisation filmés dans leur intégralité en haute définition.
Aujourd’hui, la chaîne Canal Impro est la principale chaîne d’impro francophone sur YouTube avec plus de 350 vidéos et près d’un million de vues.

Aux origines de cette formidable aventure humaine

Nous avons pensé le festival comme une vraie fête d’impro, rassemblant toutes les troupes qu’on aime.

« À force de filmer les spectacles, nous avons voulu réunir les meilleures affiches dans un même événement », raconte Marc. C’est ainsi qu’est né le festival « Les 12 heures de l’impro », qui a réuni en 2014, 150 spectateurs dans la salle bleue du théâtre L’Archipel, de midi à minuit. Ce qui devait être une simple fête pour se marrer entre amis, fut une véritable révélation. L’événement était un formidable moyen de faire connaître l’improvisation.
Grâce à l’engagement de la troupe Satourne, aidée d’une vingtaine de bénévoles tous passionnés d’improvisation théâtrale, le festival connaît année après année un succès grandissant.
Ainsi, les 12 heures se sont transformées en 24 heures, puis en 72 heures. Le public venant toujours plus nombreux, les spectacles se sont d’abord déroulés dans une salle, puis 2, puis 3 en simultané à partir de 2019. Le festival s’est aussi joué dans des théâtres plus grands : le Théâtre de 10 heures, le Théâtre des Deux Ânes… avant de poser ses valises au Théâtre du Gymnase, où il revient cette année pour offrir une 10e édition qui bat tous les records : 3 salles pendant 5 jours pour 110 spectacles.

Dans l’avenir, les fondateurs du festival rêvent de permettre aux improvisateurs de fouler des scènes plus prestigieuses encore… Leur projet : organiser Impro en Seine durant toute une semaine aux Folies Bergère (rien que pour la beauté du Hall !).

Leur ambition ultime ? Réunir à l’Olympia tous les amoureux de cet art trop méconnu.

Informations Pratiques

Découvrir le programme complet : https://improenseine.com/programme/
Réservations : les pass du Festival Impro en Seine sont disponibles sur Placeminute : https://impro.placeminute.com/event/comedie/la-10e-edition-du-festival-d-impro-de-paris-impro-en-seine,39829.html
Dates : du mercredi 7 au dimanche 11 juin
Horaires : de 18h30 à 23h30 les mercredi, jeudi et vendredi. De 11h à 23h le samedi. De 11h à 22h le dimanche. Chaque spectacle dure 55 min avec 5 min d’entracte.
Lieu : Théâtre du Gymnase (simultanément dans la Grande Salle, le Petit Gymnase et dans le Studio Marie Bell) – 38, Boulevard de Bonne Nouvelle, 75 010 Paris
Tarif prévente : Pass 3 jours du vendredi au dimanche (48,38 €) Pass journalier (à partir de 18,99 €) Pass 5 jours (69,70 €)

Pour en savoir plus

Site web : https://improenseine.com/

Facebook : https://www.facebook.com/improenseine/

Instagram : https://www.instagram.com/improenseine/

L’été du TRPL 2023 du 28 juin au 12 août : cet été, le théâtre itinérant va faire vibrer les communes des Pays-de-la-Loire avec 4 spectacles et 53 représentations

La Tournée des Villages, une 18e édition qui prend de l’ampleur

Et si l’accès à la culture n’était plus réservé qu’à quelques privilégiés ?

L’essence du métier d’artiste est d’aller à la rencontre des autres, comme le faisait Molière en son temps : les comédiens sont avant tout « des hommes qui viennent parler à d’autres hommes, de l’Homme ».

Fidèle à cette philosophie, le Théâtre Régional des Pays de la Loire (TRPL pour les intimes) organise la Tournée des Villages, un événement rural et estival unique : chaque année depuis 2006, un spectacle de théâtre est présenté en extérieur, dans les communes éloignées des lieux de diffusion culturelle habituels.

Année après année, un lien unique s’est créé avec les spectateurs.

L’Avare, Tournée des Villages 2022 © TRPL

Aujourd’hui, les spectacles de « La Tournée des Villages » se donnent dans plus de 40 communes et réunissent plus de 9 000 spectateurs par édition, principalement en Maine-et-Loire mais aussi en Loire-Atlantique et Vendée.

Alors, pour cette 18e édition, « La Tournée des Villages » a vu les choses en grand en proposant 48 représentations en itinérance sur la région des Pays de la Loire avec 3 spectacles :

Tristesse et joie dans la vie des girafes de Tiago Rodrigues,
L’Orchestre de Jean Anouilh,
Et Maestro de Xavier-Laurent Petit.

« La demande d’une offre culturelle de proximité se faisant encore plus forte, nous avons rajouté cette année un spectacle supplémentaire, ainsi que quinze représentations », explique Camille de La Guillonnière, le directeur du TRPL.

En parallèle, l’édition 2023 du Temps d’une Troupe change de formule ! Ce projet, qui réunit comédiens amateurs et professionnels, se déroulera pour la première fois dans deux lieux : le Château du Plessis-Macé (comme chaque année) et l’Espace Jean Guichard à Cholet. Ainsi, après huit jours de répétitions, 5 représentations de L’Atelier de Jean-Claude Grumberg seront proposées au public.

Décentraliser le théâtre fait partie de notre ADN ! Nous voulons démocratiser l’accès à la culture pour tous.

Camille de La Guillonnière, le directeur du TRPL

La Tournée des Villages : le théâtre hors les murs au plus proche de son public

Natif d’un tout petit village au nord d’Angers, Camille de La Guillonnière sait ce que c’est de vivre loin de toutes propositions culturelles !

Si certains des spectacles qu’il met en scène sont joués en intérieur dans des réseaux de diffusion dits « classiques » (L’Avare, Cendrillon, Maestro), le cœur du projet artistique du TRPL reste avant tout la décentralisation.

Elle s’incarne pleinement dans l’événement rural et estival qu’il a créé et nommé « La Tournée des Villages ».

L’Avare, Tournée des Villages 2022 © TRPL

Depuis 18 ans, avec sa troupe, il parcourt la région et affiche ainsi une excellente connaissance du terrain et du territoire. Cette expertise séduit de plus en plus de partenaires : chaque année, le TRPL est sollicité par de nouveaux villages pour faire halte « chez eux ».

La Tournée des Villages a ainsi vocation à s’étendre encore plus largement aux cinq départements de la région Pays de la Loire (notamment en Sarthe et en Mayenne).

La Tournée des Villages existe aussi durant l’hiver !

Après une première édition réussie en 2022, la Tournée des Villages d’Hiver va poursuivre son développement cette année en jouant dans des salles des fêtes et petits théâtres, en partenariat avec le Département de la Vendée.

Le TRPL souhaite ainsi étendre ses actions de décentralisation à l’année.

Le financement pluriel

Tournée des Villages 2022 © TRPL

La démarche d’hyper décentralisation du TRPL est de jouer partout et de préférence dans des « déserts culturels ».

Nous n’attendons pas que les spectateurs viennent au théâtre, nous allons à leur rencontre !

Aussi, des formules financières d’accueil différentes sont proposées aux communes, en fonction de leurs moyens.

De même, si une commune ne peut pas financer entièrement la venue de la troupe, le TRPL met en place une billetterie libre, au choix des spectateurs : 4 €, 8 € ou 12 € la place. Chacun donne ce qu’il veut et ce qu’il peut.

La Tournée des Villages atteint chaque année un équilibre financier grâce aux participations des communes, des spectateurs et au soutien du Département de Maine-et-Loire, de la Région des Pays de la Loire, de la DRAC des Pays de la Loire via le dispositif de l’été culturel, ainsi que de l’Agglomération du Choletais et du Département de Vendée par l’aide au fonctionnement accordée à l’année.

Zoom sur les 3 spectacles de l’édition 2023

Tristesse et joie dans la vie des girafes de Tiago Rodrigues

Tristesse et joie dans la vie des girafes web

Affiche de Tristesse et joie dans la vie des girafes © Stéphane Larroze

Cendrillon © Sébastien Carles

Girafe, petite fille de neuf ans, a un exposé à réaliser sur la vie des girafes, mais depuis que son papa est au chômage, on leur a coupé la télévision. Elle ne peut donc plus regarder la chaîne télévisée sur laquelle est diffusé un grand nombre de documentaires animaliers. Elle part alors à la recherche de l’argent nécessaire au paiement du précieux abonnement. Sur son chemin, elle fera autant de rencontres qu’elle aura de prises de conscience sur le monde qui l’entoure …

Ce conte surréaliste, souvent drôle et touchant, interroge le monde économique et social à hauteur d’enfant.

Mise en scène : Camille de La Guillonnière. Assistante à la mise en scène : Jessica Vedel. Avec Thibault Deblache, Pélagie Papillon, Morgane Rebray, Damien Vigouroux.

Date des représentations :

Mercredi 28 juin, Feneu, 49, Port Albert, 4€, 8€ ou 12€
Jeudi 29 juin, Les Hauts-d’Anjou, 49, Champigné, 4€, 8€ ou 12€
Vendredi 30 juin, Angers, 49, Parc Bocquel, 4€, 8€ ou 12€
Samedi 1 juillet, Mortagne-sur-Sèvre, 85, Place du Château, Gratuit
Dimanche 2 juillet, La Séguinière, 49, L’île du Moulin de la Cour, 4€, 8€ ou 12€
Mercredi 5 juillet, Soulaines-sur-Aubance, 49, Parvis de la Grange aux Dîmes, 4€, 8€ ou 12€
Jeudi 6 juillet, Maulévrier, 49, Château Colbert, 4€, 8€ ou 12€
Vendredi 7 juillet, Candé, 49, Parc de la Mairie, Gratuit
Samedi 8 juillet, Erdre-en-Anjou, 49, Site du Chevalement, La Pouëze, 4€, 8€ ou 12€
Dimanche 9 juillet, Écouflant, 49, Bords de Sarthe, 4€, 8€ ou 12€
Mercredi 12 juillet, Le Plessis-Macé, 49, Château du Plessis-Macé, 4€, 8€ ou 12€
Jeudi 13 juillet, Cantenay-Épinard, 49, Théâtre de Verdure, 4€, 8€ ou 12€
Mercredi 19 juillet, Les Garennes-sur-Loire, 49, Place de la Mairie, Saint-Jean-des-Mauvrets, 4€, 8€ ou 12€
Jeudi 20 juillet, Les Hauts-d’Anjou, 49, Parvis de la salle des fêtes, Cherré, 4€, 8€ ou 12€
Vendredi 21 juillet, Seiches-sur-le-Loir, 49, Jardin derrière la Mairie, 4€, 8€ ou 12€
Samedi 22 juillet, Grez-Neuville, 49, Théâtre de Verdure, 4€, 8€ ou 12€
Dimanche 23 juillet, Nozay, 44, Parc de l’Étang des Loisirs, 4€, 8€ ou 12€
Lundi 24 juillet, Piriac-sur-Mer, 44, Cour de l’école Notre-Dame du Rosaire, 4€, 8€ ou 12€
Mercredi 26 juillet, Mesquer, 44, Place de l’Hôtel de Ville, 4€, 8€ ou 12€
Jeudi 27 juillet, La Roche-Bernard, 56, Jardin des Garennes, 4€, 8€ ou 12€
Vendredi 28 juillet, Le Coudray-Macouard, 49, La Seigneurie, Gratuit
Samedi 29 juillet, Vivy, 49, Gratuit
Dimanche 30 juillet, Tuffalun, 49, Gratuit
Mercredi 2 août, Villevêque, 49, La Plage
Jeudi 3 août, Verrières-en-Anjou, 49, Château à Motte, 3€, 6€ ou 10€
Vendredi 4 août, Lys-Haut-Layon, 49, Place Saint-Jean, Vihiers, 4€, 8€ ou 12€
Samedi 5 août, Asnières-sur-Vègre, 72, Manoir de la Cour, 6€, 8€ ou 10€
Dimanche 6 août, Soulaire-et-Bourg, 49, Haras de la Rousselière, 4€, 8€ ou 12€
Mercredi 9 août, Briollay, 49, Place de l’Eglise, 4€, 8€ ou 12€
Jeudi 10 août, Cheffes, 49, Jardin derrière la Mairie, 4€, 8€ ou 12€

L’Orchestre de Jean Anouilh

Affiche de L’Orchestre © Stéphane Larroze

L’Orchestre © Pascal Riondy

Les cinq musiciennes de l’orchestre de Madame Hortense s’entredéchirent à cœur joie entre deux morceaux sirupeux, sous l’œil du pianiste, seul mâle présent. Les personnages aux vies médiocres de cette tragi-comédie grinçante, essaient tant bien que mal de sauver les apparences.

Tour à tour, les amours, les frustrations et les fantasmes de chacun se révèlent, la musique ne suffit plus à calmer les esprits. Parviendront-elles à ne pas s’entretuer avant le final ?

Mise en scène : Camille de La Guillonnière. Avec Anne-Véronique Brodsky, Sarah Gautré, Camille de La Guillonnière, Juliette Ordonneau, Aude Pons, Alice Raingeard et Mathieu Ricard.

Date des représentations :

Samedi 1 juillet, Toutlemonde, 49, 4€, 8€ ou 12€
Dimanche 2 juillet, Chavagnes-en-Paillers, 85, Le Pré de l’âme, 4€, 8€ ou 12€
Lundi 3 juillet, Montilliers, 49, EHPAD Le Prieuré, 4€, 8€ ou 12€
Mardi 4 juillet, Soulaire-et-Bourg, 49, Haras de la Rousselière, 4€, 8€ ou 12€
Vendredi 7 juillet, Montreuil-Juigné, 49, Théâtre de Verdure, Gratuit
Samedi 8 juillet, Mûrs-Érigné, 49, Camping Les Varennes, Gratuit
Dimanche 9 juillet, Champtoceaux, 49, Château de La Colinière, 5€ ou 12€
Lundi 10 juillet, Saint-Martin-des-Tilleuls, 85, Jardin de la Cure, Gratuit
Mardi 11 juillet, Entrammes, 53, Le Pré Pourri, 4€, 8€ ou 12€
Mercredi 12 juillet, Avrillé, 49, Avrillé-Adézière, Gratuit

Maestro de Xavier-Laurent Petit

Affiche de Maestro © Stéphane Larroze

Maestro à Feneu, Tournée des Villages 2021 © Yann Choveau

Ils s’appellent Saturnino, Luzia ou Patte-Folle… Ils sont cireurs de chaussures, vendeurs de journaux, nettoyeurs de tombes… Ils vivent dans la misère et la violence des rues. Un jour, ils rencontrent un vieux chef d’orchestre qui les invite à venir chez lui. Ils y découvrent tout un monde d’instruments et de musique.

Ces gamins qui luttaient les uns contre les autres pour survivre comprennent qu’ils peuvent aussi jouer ensemble.

Adaptation et mise en scène : Camille de La Guillonnière. Avec Julien Bouanich, Frédéric Lapinsonnière, Adrien Noblet, Alice Raingeard, Jessica Vedel. Collaboration artistique : Mathieu Ricard.

Date des représentations :

Jeudi 3 août, Rocheservière, 85, Le bas des remparts, 4€, 8€ ou 12€
Vendredi 4 août, Mallièvre, 85, Place Saint-Gilles, Gratuit
Samedi 5 août, Soulaire-et-Bourg, 49, Haras de la Rousselière, 4€, 8€ ou 12€
Dimanche 6 août, Ombrée-d’Anjou, 49, Promenade jardinée, Pouancé, Gratuit
Mercredi 9 août, Congrier, 53, Parvis de l’école, 4€, 8€ ou 12€
Jeudi 10 août, Gennes-Val-de-Loire, 49, Parvis de La Prieurale, Cunault, 4€, 8€ ou 12€
Vendredi 11 août, Fontevraud-l’Abbaye, 49, Parc de l’allée Sainte-Catherine, 4€, 8€ ou 12€
Samedi 12 août, Vernoil-Le-Fourrier, 49, Cour de l’école maternelle, 4€, 8€ ou 12€

Le Temps d’une Troupe

Le Temps d’une Troupe, édition 2020 © Pascal Riondy

Le Temps d’une Troupe est une grande troupe éphémère formée d’acteurs du TRPL et d’une vingtaine d’acteurs amateurs.

Ce projet est né de l’envie d’approfondir les échanges avec les spectateurs, en créant un format dans lequel acteurs et spectateurs se nourrissent mutuellement. Nombre de participants venaient au départ voir les pièces et n’ont jamais fait de théâtre auparavant.

Une expérience magique !

En 2023, cette troupe éphémère se présentera sous un nouveau format en donnant cinq représentations de l’œuvre de Jean-Claude Grumberg : L’Atelier. Elles seront précédées de 8 jours de répétition entre le Château du Plessis-Macé et l’Espace Jean Guichard à Cholet.

Résumé de la pièce :

Dans un atelier de confection, après la Seconde Guerre mondiale, des ouvriers tentent de construire l’avenir en oubliant le passé. À travers les vies d’une femme dont le mari est déporté, d’une autre dont le mari a peut-être collaboré, de jeunes gens à peine touchés par la guerre… On pleure, on rit, on raconte l’inhumanité. Autant de destins différents qui soulèvent tous la même question : comment se reconstruire après l’horreur de la guerre ?

Mise en scène : Camille de La Guillonnière. Assistante à la mise en scène : Jessica Vedel. Avec : Anne Didon, Adrien Noblet, Juliette Ordonneau et 22 comédiens amateurs : Romain Abelard, Eve Blanchard, Emmanuel Blavet, Anaïs Blon, Laure Cassavi, Gaëlle Ecobichon, Josépha Guimbretière, Violaine Jouffrit Daguet, Christel Le Nevez, Anne Marlangeon, Camille Marot, Paul Mauxion, Chantal Paquereau, Anna Penard, Louis Pingeot, Rose Pingeot, Céline Robin, Marjorie Saint-Martin, Eugénie Sekine, Nadège Simard, Nina Tanguy, Ludivine Vaillant.

La pièce est jouée le soir, à 20h30. Prix des places : 4, 8 ou 12 €.

Date des représentations :

Samedi 22 juillet, Cholet, 49, Espace Jean Guichard
Dimanche 23 juillet, Cholet, 49, Espace Jean Guichard
Mercredi 26 juillet, Le Plessis-Macé, 49, Château du Plessis-Macé
Jeudi 27 juillet, Le Plessis-Macé, 49, Château du Plessis-Macé
Vendredi 28 juillet, Le Plessis-Macé, 49, Château du Plessis-Macé

Nous savons que Cholet est une terre de théâtre amateur, nous sommes donc très heureux d’y proposer pour la première fois cet événement.

À propos du Théâtre Régional des Pays de la Loire (TRPL)

Le Théâtre Régional des Pays de la Loire est une compagnie au service du théâtre accueillie à Cholet (49), à l’Espace Jean Guichard. Depuis sa fondation il y a 50 ans, le TRPL a toujours fait de la décentralisation théâtrale son battement de cœur.

Dirigée par Camille de La Guillonnière entouré d’une troupe de vingt acteurs, techniciens et administratifs, la compagnie sillonne chaque été les routes de l’ouest lors de la « Tournée des Villages ». L’hiver, les spectacles parcourent ensuite, en salle, le réseau de diffusion classique.

En jouant en plein air, en proposant des stages, en intervenant en milieu scolaire, en partageant le plateau avec des amateurs, les acteurs participent à ce que le théâtre soit une fête où toutes et tous sont invités !

En parallèle de ses activités artistiques et pédagogiques, le TRPL accueille des compagnies professionnelles en résidence. Il met également ses ateliers et ses stocks de costumes, d’accessoires et de décors au service des artistes (professionnels et amateurs).

Une belle aventure qui a débuté il y a 65 ans

La Nouvelle Saison du TRPL, 2021 © Cindy Doutres

Dès 1958, Jean Guichard a posé les premières pierres de ce qui sera l’âme du Théâtre Régional des Pays de la Loire : une compagnie dédiée à la décentralisation théâtrale.

André Malraux lui-même a offert au TRPL sa première reconnaissance officielle, avec pour mission d’utilité publique d’offrir aux villages les plus isolés des spectacles de qualité permettant de développer le goût et le besoin de l’art dramatique.

La SCOP qui existe aujourd’hui a été créée en 1972. Annie Guichard, fille de Jean Guichard et ancienne secrétaire générale de l’institution, en est toujours associée.

À partir de 1991, c’est Patrick Pelloquet qui reprit le flambeau, animé par la même foi en un théâtre populaire et accessible.

Le TRPL a, tour à tour, été implanté à Nantes, Angers, Château-Gontier et Cholet, irradiant la région avec la création du festival de La Baule et des Nuits de la Mayenne par Jean Guichard et du festival de Noirmoutier et du Cabaret des passions par Patrick Pelloquet.

À la demande du Président de l’Agglomération du Choletais, le Théâtre Régional des Pays de la Loire est installé, depuis 2015, dans les locaux du Théâtre Interlude.

Les locaux administratifs, l’atelier de construction et de stockage de décors ainsi que l’atelier de fabrication de costumes et le costumier sont installés dans des espaces mitoyens. L’ensemble de ces espaces et du théâtre Interlude porte le nom de l’Espace Jean Guichard depuis 2018, en hommage au fondateur du TRPL.

Depuis mars 2021, c’est le comédien et metteur en scène angevin Camille de La Guillonnière qui est le nouveau directeur du TRPL. Avec sa grande connaissance du territoire, il continue sa mission de décentralisation en amenant le théâtre aux publics éloignés des pôles culturels.

Portrait de Camille de La Guillonnière, directeur du Théâtre Régional des Pays de la Loire

Portait de Camille de La Guillonnière © Cindy Doutres

Le metteur en scène et directeur du TRPL

Camille de La Guillonnière s’est formé à l’école Claude Mathieu, à Paris. En 2006, il fonde la compagnie Le Temps est Incertain Mais on joue quand même !, avec laquelle il crée une quinzaine de spectacles qui sillonnent la région lors de l’événement de décentralisation théâtrale « La Tournée des villages ».

En mars 2021, Camille de La Guillonnière succède à Patrick Pelloquet à la direction du Théâtre Régional des Pays de la Loire. Il dissout sa compagnie et intègre au répertoire du TRPL l’ensemble de ses mises en scène. En 2021, Maestro, d’après Xavier-Laurent Petit, est sa première mise en scène en tant que directeur du TRPL.

Au rythme d’un spectacle par an, il sillonne les routes de France allant de places de villages en scènes nationales pour jouer ses spectacles, défendant partout un théâtre de troupe et de proximité. Depuis 2017, en partenariat avec l’EPCC Anjou Théâtre, il met en scène des spectacles mêlant comédiens amateurs et professionnels avec Le Temps d’une Troupe.

Le dramaturge et comédien

Pendant 15 ans, Camille de La Guillonnière a été dramaturge et comédien pour Jean Bellorini, l’actuel directeur du Théâtre National Populaire de Villeurbanne. On l’a vu dans Tempête sous un crâne d’après V. Hugo, Paroles gelées de F. Rabelais, La Bonne-âme du Se-Tchouan de B. Brecht, Karamazov d’après F. Dostoïevski, Un instant d’après Proust. Il a également été adaptateur, dramaturge et costumier de la pièce Le Suicidé de N. Erdman pour le Berliner Ensemble. Il a par ailleurs joué sous la direction de Macha Makeïeff dans Les Femmes savantes de Molière.

Passionné de littérature et « du roman au théâtre », Camille de La Guillonnière adapte régulièrement des romans pour ses propres mises en scène, dont Eugénie Grandet et La Vieille Fille de Balzac, et Maestro de Xavier-Laurent Petit. Ses sujets de prédilection sont l’argent et la famille, des thèmes qu’il explore avec une ligne artistique empreinte de simplicité.

Calendrier de l’été 2023 du TRPL

Dates des représentations pour Tristesse et joie dans la vie des girafes de Tiago Rodrigues :

Mercredi 28 juin, Feneu, 49, Port Albert, 4€, 8€ ou 12€
Jeudi 29 juin, Les Hauts-d’Anjou, 49, Champigné, 4€, 8€ ou 12€
Vendredi 30 juin, Angers, 49, Parc Bocquel, 4€, 8€ ou 12€
Samedi 1 juillet, Mortagne-sur-Sèvre, 85, Place du Château, Gratuit
Dimanche 2 juillet, La Séguinière, 49, L’île du Moulin de la Cour, 4€, 8€ ou 12€
Mercredi 5 juillet, Soulaines-sur-Aubance, 49, Parvis de la Grange aux Dîmes, 4€, 8€ ou 12€
Jeudi 6 juillet, Maulévrier, 49, Château Colbert, 4€, 8€ ou 12€
Vendredi 7 juillet, Candé, 49, Parc de la Mairie, Gratuit
Samedi 8 juillet, Erdre-en-Anjou, 49, Site du Chevalement, La Pouëze, 4€, 8€ ou 12€
Dimanche 9 juillet, Écouflant, 49, Bords de Sarthe, 4€, 8€ ou 12€
Mercredi 12 juillet, Le Plessis-Macé, 49, Château du Plessis-Macé, 4€, 8€ ou 12€
Jeudi 13 juillet, Cantenay-Épinard, 49, Théâtre de Verdure, 4€, 8€ ou 12€
Mercredi 19 juillet, Les Garennes-sur-Loire, 49, Place de la Mairie, Saint-Jean-des-Mauvrets, 4€, 8€ ou 12€
Jeudi 20 juillet, Les Hauts-d’Anjou, 49, Parvis de la salle des fêtes, Cherré, 4€, 8€ ou 12€
Vendredi 21 juillet, Seiches-sur-le-Loir, 49, Jardin derrière la Mairie, 4€, 8€ ou 12€
Samedi 22 juillet, Grez-Neuville, 49, Théâtre de Verdure, 4€, 8€ ou 12€
Dimanche 23 juillet, Nozay, 44, Parc de l’Étang des Loisirs, 4€, 8€ ou 12€
Lundi 24 juillet, Piriac-sur-Mer, 44, Cour de l’école Notre-Dame du Rosaire, 4€, 8€ ou 12€
Mercredi 26 juillet, Mesquer, 44, Place de l’Hôtel de Ville, 4€, 8€ ou 12€
Jeudi 27 juillet, La Roche-Bernard, 56, Jardin des Garennes, 4€, 8€ ou 12€
Vendredi 28 juillet, Le Coudray-Macouard, 49, La Seigneurie, Gratuit
Samedi 29 juillet, Vivy, 49, Gratuit
Dimanche 30 juillet, Tuffalun, 49, Gratuit
Mercredi 2 août, Villevêque, 49, La Plage
Jeudi 3 août, Verrières-en-Anjou, 49, Château à Motte, 3€, 6€ ou 10€
Vendredi 4 août, Lys-Haut-Layon, 49, Place Saint-Jean, Vihiers, 4€, 8€ ou 12€
Samedi 5 août, Asnières-sur-Vègre, 72, Manoir de la Cour, 6€, 8€ ou 10€
Dimanche 6 août, Soulaire-et-Bourg, 49, Haras de la Rousselière, 4€, 8€ ou 12€
Mercredi 9 août, Briollay, 49, Place de l’Eglise, 4€, 8€ ou 12€
Jeudi 10 août, Cheffes, 49, Jardin derrière la Mairie, 4€, 8€ ou 12€

Dates des représentations pour L’Orchestre de Jean Anouilh :

Samedi 1 juillet, Toutlemonde, 49, 4€, 8€ ou 12€
Dimanche 2 juillet, Chavagnes-en-Paillers, 85, Le Pré de l’âme, 4€, 8€ ou 12€
Lundi 3 juillet, Montilliers, 49, EHPAD Le Prieuré, 4€, 8€ ou 12€
Mardi 4 juillet, Soulaire-et-Bourg, 49, Haras de la Rousselière, 4€, 8€ ou 12€
Vendredi 7 juillet, Montreuil-Juigné, 49, Théâtre de Verdure, Gratuit
Samedi 8 juillet, Mûrs-Érigné, 49, Camping Les Varennes, Gratuit
Dimanche 9 juillet, Champtoceaux, 49, Château de La Colinière, 5€ ou 12€
Lundi 10 juillet, Saint-Martin-des-Tilleuls, 85, Jardin de la Cure, Gratuit
Mardi 11 juillet, Entrammes, 53, Le Pré Pourri, 4€, 8€ ou 12€
Mercredi 12 juillet, Avrillé, 49, Avrillé-Adézière, Gratuit

Dates des représentations pour Maestro de Xavier-Laurent Petit :

Jeudi 3 août, Rocheservière, 85, Le bas des remparts, 4€, 8€ ou 12€
Vendredi 4 août, Mallièvre, 85, Place Saint-Gilles, Gratuit
Samedi 5 août, Soulaire-et-Bourg, 49, Haras de la Rousselière, 4€, 8€ ou 12€
Dimanche 6 août, Ombrée-d’Anjou, 49, Promenade jardinée, Pouancé, Gratuit
Mercredi 9 août, Congrier, 53, Parvis de l’école, 4€, 8€ ou 12€
Jeudi 10 août, Gennes-Val-de-Loire, 49, Parvis de La Prieurale, Cunault, 4€, 8€ ou 12€
Vendredi 11 août, Fontevraud-l’Abbaye, 49, Parc de l’allée Sainte-Catherine, 4€, 8€ ou 12€
Samedi 12 août, Vernoil-Le-Fourrier, 49, Cour de l’école maternelle, 4€, 8€ ou 12€

Date des représentations du Temps d’une Troupe :

Samedi 22 juillet, Cholet, 49, Espace Jean Guichard
Dimanche 23 juillet, Cholet, 49, Espace Jean Guichard
Mercredi 26 juillet, Le Plessis-Macé, 49, Château du Plessis-Macé
Jeudi 27 juillet, Le Plessis-Macé, 49, Château du Plessis-Macé
Vendredi 28 juillet, Le Plessis-Macé, 49, Château du Plessis-Macé

Pour en savoir plus

La Tournée des Villages : https://trpl.fr/le-trpl/la-tournee-des-villages/

Le Temps d’une Troupe : https://trpl.fr/amateurs/le-temps-dune-troupe/

Site web : https://trpl.fr/

Facebook : https://www.facebook.com/theatreregionaldespaysdelaloire/

Instagram : https://www.instagram.com/trpl_cholet/

Viméo : https://vimeo.com/user136484854

“Abracafida”, le nouveau spectacle d’Afida Turner au Théâtre Trévise joue les prolongations et part ensuite en tournée en France et à l’étranger

Un spectacle magique et hors du temps

Afida Turner prépare son nouveau spectacle. Mais elle ne veut pas se livrer. Juste chanter “Etienne” encore et encore. Tantôt fragile, tantôt rebelle face à son metteur en scène, elle va peu à peu accepter de fendre l’armure, de se raconter, le traiter de clochard, chanter et vous surprendre.

Après le triomphe de “Requiem pour une conne”, déjà écrit et mis en scène par le talentueux Baptiste Souriau, Afida Turner est de retour sur les planches !

Que ceux et celles qui l’ont manqué en mars se rassurent : sa pièce à succès se poursuit en avril au Théâtre Trévise du 18 au 20 avril. “Abracafida” partira ensuite en tournée dans toute la France et à l’étranger, à commencer par Bruxelles (Belgique) au mois de juin.

Auteur : Baptiste Souriau, Afida Turner
Artistes : Afida Turner, Benjamin Martin
Metteur en scène : Baptiste Souriau

Découvrir Afida au théâtre : une expérience haute en couleur

Afida Turner, c’est une personnalité hors norme. Connue pour ses punchlines et sa reprise inoubliable de la chanson d’”Etienne”, la chanson de Guesch Patti, Afida sait faire réagir le public. À tel point que chacune de ses apparitions est un événement en soi !

Abracafida, sa nouvelle comédie, séduit par la proximité que l’artiste sait instaurer avec les spectateurs. Fidèle à son tempérament de feu, elle ose un discours sans filtre, des confidences sans tabous, et de l’autodérision maniée avec justesse.

On aime ses performances musicales, dont l’incontournable “Étienne, Étienne”, ses sourires toujours bienveillants, son regard unique sur la vie et sa langue bien pendue.

Abracafida n’est pas un simple spectacle, c’est une expérience en soi !

afida-abracafida

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L’avis des spectateurs.trices

Voici un petit aperçu des critiques laissés sur les billetteries en ligne :

“Une soirée hors du temps. Très bon moment plein de rigolade et de chaleur. À voir et revoir.”

“Superbe pièce, Afida reste elle-même et authentique, belle prestation beaucoup d’humour et d’autodérision avec un peu de vérité aussi, c’est elle-même qu’il le dit.”

“Afida dans toute sa splendeur”

“Mon plus beau cadeau d’anniversaire Merci à Afida, on reviendra.”

“Elle n’arrivait plus à quitter la scène. On est là pour la soutenir car elle nous fait rire, mais aussi parce que même si on ne le dit pas assez, c’est une fille bien. Une vilaine fille bien. Cœur sur toi Afida merci pour le show.”

À propos d’Afida Turner

Chanteuse, actrice, présentatrice TV, Afida Turner est une des personnalités médiatiques françaises majeures depuis 1998.

Elle a participé à différentes émissions de téléréalité sous le nom de Lesly, dont Loft Story 2 en 2002. Après l’émission, elle débute une carrière de chanteuse en prenant le pseudonyme de Lesly Mess.

Elle part ensuite poursuivre sa carrière musicale aux États-Unis. Elle épouse là-bas le fils d’Ike et Tina Turner, et prend alors le nom d’Afida Turner. En 2004, on la voit aussi dans le clip Shut Up des Black Eyed Peas.

En 2010, de retour en France, elle cartonne avec ses singles Come With Me et Born an angel (album : Paris-Hollywood).

À partir de ce moment-là, elle multiplie les apparitions médiatiques, notamment sur les plateaux de télévision. Car Afida est une personnalité médiatique… Chacun de ses passages déclenche ensuite un véritable “buzz” sur les réseaux sociaux. Elle intervient d’ailleurs régulièrement comme chroniqueuse dans l’émission Touche pas à mon poste !

Business woman accomplie, Afida a aussi créé sa propre ligne de maillots de bain, son parfum, et sa ligne de bijoux.

Avant de faire ses premiers pas comme comédienne de théâtre dans la pièce à succès Requiem pour une conne en janvier 2022, Afida avait déjà obtenu des rôles au cinéma dans les films Vision interdite (2013) et “Lumière noire” (2018). Avec son nouveau spectacle Abracafida Afida Turner se dévoile un peu plus à son public sur son parcours, ses motivations et l’origine de ses expressions les plus célèbres.

Pour en savoir plus

Le spectacle Abracafida : https://www.abracafida.com/

Site web : https://www.afidaturner.com/

Twitter : https://twitter.com/AfidaTurner

Instagram : https://www.instagram.com/afida_turner

Eric Chartier, créateur de spectacles immersifs pour découvrir toute la richesse du Patrimoine Littéraire français

Eric Chartier est un comédien atypique, un précurseur “dont la voix réaccorde le public à la littérature” comme l’a décrit le grand écrivain Julien Gracq.

Formé à l’ENSATT de 1966 à 1969, Eric a très tôt perçu la dynamique théâtrale de l’écriture romanesque. Une intuition qui va devenir une véritable vocation : en 1980, après avoir perfectionné une technique inédite, il abandonne totalement sa carrière pour se consacrer pleinement à cette forme d’expression.

Aux États-Unis où son concept a séduit, Eric lance cette approche qui va résolument changer le regard porté sur les œuvres littéraires. Il est ainsi le premier à démontrer, dans des spectacles captivants de 90 minutes, que des auteurs comme Flaubert, Proust ou Céline peuvent “tenir la scène” et le spectateur en haleine.

Une vision pionnière qui prend un nouvel essor en 1983 à l’ère du développement de la micro-informatique et des supports multimédias : Eric va s’en emparer et faire en sorte que ses récitals littéraires ou mises en voix servent aussi de contenu à l’enseignement interactif alors balbutiant.

Actuellement à l’affiche, il donne son spectacle immersif Le Rouge et le Noir d’après l’œuvre de Stendhal, tous les mercredis à 19h au théâtre “Au port du Salut” 163 bis rue Saint-Jacques à Paris (75005).

De la scène réelle à la scène virtuelle :

Partant de la force sans cesse accrue des algorithmes, sa prestation, une fois captée, sera ensuite intégrée à l’application Rhapsod.IA qui mixe interactivité, IA et 3D-réalité virtuelle pour fournir aux enseignants une gamme d’outils numériques plus étendue et contemporaine.

Mon art consiste à créer à la fois un effet d’immersion et de proximité qui le rend accessible sans jamais sortir d’une éthique quant au respect du public. Je pratique une sorte “d’hypnose”. Ni décor, ni costume, mais j’entraîne le public à créer les siens propres, à s’approprier l’œuvre jusqu’à ce que, par ma suggestion et par son imaginaire stimulé, chacun oublie toute autre réalité pour n’être plus que témoin invisible des scènes comiques ou dramatiques du roman.

Eric Chartier

C’est un sacré phénomène que cet Eric Chartier : Télérama,-Sortir.

Relever le défi de l’éducation et de la langue pour transmettre l’amour de la littérature

C’est grâce à deux voix emblématiques qu’Eric Chartier a trouvé la sienne. En 1962, il est enthousiasmé par un vinyle enregistré par Maria Casarès et Gérard Philippe, puis par la version du Petit Prince de ce même artiste.

Il comprend alors l’incroyable puissance de la voix et de l’interprétation. Par la suite, lors de ses études à l’ENSATT, ce goût et ses talents spécifiques sont confirmés lors de certaines épreuves de notation : les étudiants devaient dire des textes littéraires mémorisés.

Interview par le Collège de France : lien ci-dessous.

Cette passion ne va plus le quitter, donnant naissance à un répertoire inépuisable (25 spectacles différents à ce jour).

La force d’envoûtement et la richesse de ses interprétations vont faire son succès. Eric tourne notamment durant dix ans dans de grandes universités américaines et se produit dix autres années à l’affiche à Paris.

En parallèle, il fonde son propre théâtre dans une grange à Pornic 44210, où un public fidèle le suit depuis trente-cinq ans. Il réhabilite ainsi un lieu de mémoire : ce bel espace a vu Saint-Exupéry et son avion et Albert Camus y a achevé La Peste.

En 1992, Eric devient l’interprète exclusif du très grand écrivain Julien Gracq et il continue depuis de jouer quatre de ses œuvres culte.

Plébiscités par le public, ses spectacles ont aussi convaincu des institutions telles que le Collège de France ou La Sorbonne.

Le Rouge et Le Noir : une découverte unique de cette œuvre magistrale de Stendhal

Fils d’un charpentier installé dans une petite ville de province, Julien Sorel rêve d’autres horizons. Tour à tour précepteur, séminariste et secrétaire, le jeune homme s’élève peu à peu dans la société et découvre l’ardeur de passions défendues.

Parcouru d’élans contradictoires, il suit un itinéraire semé d’embûches qui ne saurait le mener qu’au drame. En dotant son personnage ambitieux et rebelle d’une âme romanesque, Stendhal transforme un récit d’apprentissage en tragédie moderne.

Dans ce spectacle immersif et jamais interprété en public, Eric Chartier a choisi de se concentrer sur Julien Sorel et Madame de Rénal.

Durant 1h15, son interprétation permet de redécouvrir le roman, mais aussi de voir tout ce qui n’apparaît pas lors d’une simple lecture. Le spectateur va notamment assister en direct au drame vécu par cette épouse aristocratique modèle et pieuse, emportée jusqu’à la folie par sa passion pour ce beau jeune homme .

Les spectateurs sont conquis. Voici un aperçu de leurs avis sur l’Officiel des Spectacles :

“La tragédie de Madame de Rênal, le drame de Julien Sorel et la sinistre comédie sociale de la Restauration sont rendus présents avec beaucoup de force par une diction qui témoigne d’un travail incroyable sur toutes les nuances du texte. Du grand art.”

“Merveilleux acteur, merveilleux personnage, dans un lieu sans décor, Eric Chartier arrive à nous plonger au cœur d’une œuvre, de la façon la plus vive possible, entrant tour à tour avec une grande compréhension à l’intérieur des personnages avec gravité et malice !”

En mettant en lumière les effets de l’écriture, je guide le spectateur dans l’univers de l’auteur et du roman pour lui permettre de le vivre selon son imaginaire personnel.

Théâtre Au port du Salut – 163 bis rue Saint-Jacques, 75005 Paris – Tous les mercredis à 19 heures. Places de 10 à 20 €.

Rhapsod.IA, l’application immersive d’e-learning pour découvrir la littérature autrement

Animé par la volonté de faire de la pédagogie autrement, Eric Chartier a aussi co-fondé en 2022 la start-up Immersive Adventures avec une professionnelle de l’e-learning (fondatrice de Itanova-easyprof).

Avec un objectif : démocratiser l’accès au e-learning immersif en permettant de créer des cours captivants. Cette plateforme “nouvelle génération” permet ainsi, en quelques clics, d’importer une vidéo ou une captation en réalité virtuelle, d’intégrer des fichiers multimédias, d’éditer des contenus, de créer des activités pédagogiques et de suivre, de manière pénétrante, la progression des apprenants.

Grâce à l’IA, les formations évoluent et s’auto-adaptent au profil d’apprentissage de chaque élève.

La start-up Immersive Adventures s’apprête désormais à lancer une levée de fonds de 1,2 million d’euros. Son site web est encore en cours de construction, mais ses produits sont quasiment finalisés et seront rapidement mis en ligne.

Il y aura notamment Rhapsod.IA, une application unique au monde tant dans son principe que dans sa méthode.

Le concept : utiliser les spectacles immersifs d’Eric Chartier pour initier un large public à la littérature. En effet, l’oreille a son génie propre que des siècles d’imprimerie ont occulté. Ses spectacles donnent aussi l’envie de lire.

En mobilisant l’outil informatique, l’intelligence artificielle et la 3D, l’oreille de l’apprenant vient seconder l’œil dans l’apprentissage des plus grandes œuvres et auteurs de notre patrimoine (et bien plus encore).

Chaque spectacle va ainsi servir de contenu pour étudier un auteur, son style littéraire, la beauté de sa langue… Un atout pour toutes les personnes qui souhaitent se former à la lecture, se cultiver ou redécouvrir, via cet autre accès, tel ou tel écrivain.

À propos d’Eric Chartier, ambassadeur de la littérature française

Né en 1947 à Suresnes dans les Hauts-de-Seine en France, Eric Chartier fait ses études à l’École nationale supérieure des arts et techniques du théâtre (1967-69). Il participe à la création du Théâtre Panique avec Fernando Arrabal, puis à celle du Grand Magic Circus avec Jérôme Savary ; il est engagé au cinéma par Stanley Donen, Georges Lautner et Jean-Luc Godard.

À partir de 1980, il crée, produit et diffuse, seul et sans aide, ses spectacles littéraires en Amérique du Nord (Universités, services culturels, congrès, Alliance française).

À partir de 1986, il est régulièrement invité à l’ONU à New York. Il rencontre Paul Auster, Mircea Eliade, Roger Shattuck, Alex Szogy, Gerald Honigsblum, Annette Insdorf, acteurs actifs de la présence culturelle française en Amérique du Nord.

Il travaille au premier programme de recherche pédagogique francophone -multimédia avec l’Université de Chicago. François Furet, qui a vu la vidéo de son spectacle « Michelet » lors des célébrations du bicentenaire, commente très favorablement ce travail et y décèle une voie d’avenir. Eric va alors effectuer dix années de tournées dans plus de cent universités américaines et canadiennes.

À partir de 1988, il s’installe au Château des Brefs à Pornic et y diffuse ses spectacles chaque été.

À partir de 1991, il noue un partenariat avec l’Université de Nantes (vidéo, cours, spectacles, intervention dans les congrès). Il rencontre Julien Gracq et crée quatre spectacles d’après l’auteur (dont un avec la ville de Nantes).

En 2000, il signe un contrat avec les éditions Gallimard pour la production d’un CD audio « Proust » préfacé par R. Shattuck et reçoit la médaille de la ville de Pornic.

En 2004, il rencontre l’écrivain Robert de Goulaine qui l’invite à se produire régulièrement au Château dans ses soirées littéraires ouvertes au public. Il fait la connaissance de Paul Louis Rossi, écrivain originaire de Nantes, pour la création de son spectacle « Nantes ». Il correspond avec Jean d’Ormesson.

Eric Chartier s’est produit également dans des lieux de mémoire : le Musée Jules Michelet à Vascoeuil, le Château de la Duchesse Anne à Nantes, le Musée Marcel Proust à Combray, la Maison de Chateaubriand à Châtenay-Malabry, le Musée Dobrée à Nantes, la galerie Eureka de Chambéry, l’église Sainte-Cécile à Paris et le Château Saint-Simon à La Ferté-Vidame.

Il est invité à siéger en 2006 au sein de la Commission de recherche sur la complexité présidée par le philosophe Edgar Morin (Université de Nantes). Il effectue de multiples tournées en Europe, Amérique centrale, Océan Pacifique et Moyen-Orient. Il crée son spectacle Mémoires d’Outre-Tombe qu’il joue à la Maison de Chateaubriand, puis au Château des Brefs en juillet 2006. Il est élu en décembre « Membre de l’Académie de Bretagne » et reçoit la médaille de la ville de Nantes.

En 2007, il joue au Château des Brefs La Forme d’une ville de Julien Gracq et Les Confessions de Jean-Jacques Rousseau.

En 2008, il crée Le Rouge et le Noir de Stendhal.

En 2015, il crée à la Grange des Brefs « Ainsi naquirent les cathédrales » d’après Histoire de l’art d’Elie Faure.

Depuis 2008, Eric Chartier s’est produit successivement au Théâtre de l’Île-Saint-Louis, à la Comédie Saint-Michel et Au Port du Salut à Paris avec Julien Gracq, Flaubert, Proust, Saint-Simon, Tocqueville, l’Abbé Prévost, Bossuet.

Pour en savoir plus

Site web : https://eric-chartier.com/

Facebook : https://www.facebook.com/eric.chartier.rhapsode

LinkedIn : https://fr.linkedin.com/in/eric-chartier-a44383107?original_referer=

Spectacle musical pour enfants à Paris : “Scarlett”, le conte féerique qui aborde l’autisme et la différence, enchantera ce printemps le théâtre de la Comédie Nation

Un pur moment de poésie

Élu meilleur spectacle jeune public 2020, Scarlett est une bulle de magie, de beauté et de poésie qui met des étoiles dans les yeux et dans le cœur de toute la famille.

Un moment hors du temps, qui séduit par sa créativité et par le message qu’il véhicule avec subtilité. Car, Scarlett, c’est aussi une ode à la différence et une sensibilisation à l’autisme qui touche les enfants… et leurs parents, grâce à différents niveaux de lecture.

Fait entièrement à la main et avec le cœur par la jeune compagnie Scarlett en Scène, “Scarlett” déjoue les codes du théâtre contemporain en proposant un projet altruiste et humaniste très interactif et visuel.

À découvrir ce Printemps au théâtre de La Comédie Nation, dans le 11e arrondissement parisien.

Ce projet artistique, aussi social que citoyen, porte sur un thème qui nous unit tous : la “différence”.

Christiana, Marie et Jérôme, les fondateurs de la compagnie “Scarlett en Scène”

Ce Printemps, “Scarlett” pose ses valises à la Comédie Nation

L’histoire raconte le voyage de Scarlett qui vit au Pays d’Arc-en-Ciel. Scarlett est tout en noir et blanc dans ce monde tout en couleurs, alors tous les enfants se moquent d’elle : “Scarletti Spaghetti ! tu as un cou de girafe, tu es tout en noir et blanc comme dans les films d’il y a très très longtemps…”

Là-bas, pour elle, c’est le cauchemar. Scarlett possède un petit sac en voile d’étoiles avec des bonbons magiques à l’intérieur. Alors chaque nuit, elle mange un bonbon magique et hop ! Elle s’envole de l’autre côté du ciel, derrière les nuages. Là, c’est son monde à elle. Elle est toute seule, elle fait ce qu’elle veut, tout ce qu’elle veut et rien que ce qu’elle veut, et toc…

Jusqu’au jour où elle perd cette précieuse clé vers son monde d’illusions. Elle qui n’a jamais parlé à personne, entame alors un grand voyage pour le retrouver. Sur sa route elle rencontre d’étranges personnages, tous prisonniers de leurs peurs et de leurs doutes. En les aidant, en les aimant, elle se guérit petit à petit. Est-ce vraiment son petit sac en voile d’étoiles qu’elle finira par trouver ?

Les prochaines dates à venir

Mardi 25 avril 2023 à 16:30
Mercredi 26 avril 2023 à 16:30
Jeudi 27 avril 2023 à 10:30
Vendredi 28 avril 2023 à 10:30
Samedi 29 avril 2023 à 10:30
Mardi 2 mai 2023 à 16:30
Mercredi 3 mai 2023 à 16:30
Jeudi 4 mai 2023 à 10:30
Vendredi 5 mai 2023 à 10:30
Samedi 6 mai 2023 à 10:30
Samedi 13 mai 2023 à 10:30
Samedi 20 mai 2023 à 10:30
Samedi 27 mai 2023 à 10:30

Un projet sensible porté avec le cœur

Scarlett est une invitation au rêve, à l’imaginaire, à la féerie.

Les décors, les poupées, les costumes… tous les détails du spectacle sont faits à la main, avec amour, pour offrir une belle émotion.

La musique et les chansons sont aussi des créations originales, toutes jouées en direct sur différents instruments.

On aime…

… un conte enchanteur qui plaît aux petits et aux grands

Les adultes sont aussi émus que les enfants, grâce à différents niveaux de lecture.

…une aventure évolutive

Le spectacle Scarlett peut être complété par des projets d’éducation artistique avec la mise en place d’ateliers théâtre et/ou conte.

…une initiative solidaire

La vente d’un livre musical permet à la compagnie, grâce aux bénéfices, d’apporter le théâtre dans les structures les plus défavorisées.

Un spectacle né d’une rencontre avec une enfant autiste

À l’origine de Scarlett, il y a une belle rencontre : celle de Marie et d’une enfant autiste qui lui a ouvert les portes de son monde.

Pour Marie, cet instant magique va devenir un vivier d’inspirations créatrices.

Elle confie :

“Cette jeune autiste habitait mes pensées et je dessinais sans cesse une petite poupée que j’avais prénommée Scarlett. Du dessin à la poupée, le conte est né. Je voulais qu’il raconte l’histoire d’une petite fille autiste et sensibiliser ainsi les enfants à la différence. Ce spectacle se construit comme un livre d’enfants où les images s’animent sous leurs yeux. Poupées, couleurs et décors prennent vie au rythme des chansons et des notes d’un alto, d’un accordéon, d’une guitare ou d’une clarinette.”

Très vite, le spectacle rencontre un écho favorable auprès du public.

Ce beau conte féerique a déjà été joué dans plusieurs théâtres parisiens, mais aussi partout en France dans des structures destinées à l’enfance (écoles, bibliothèques, centres de loisirs, IME).

Apporter le théâtre aux enfants qui ne peuvent pas se déplacer

La compagnie Scarlett en Scène s’est lancée dans une aventure un peu folle, mais tellement essentielle : apporter le théâtre aux enfants qui ne peuvent pas se déplacer. Leur faire connaître ces émotions qui font vibrer et cette poésie qui emporte loin du quotidien.

Dans les hôpitaux, dans les IME (instituts médicaux éducatifs), dans les centres spécialisés, dans les orphelinats… ils jouent leur pièce intemporelle pour les aider à mieux appréhender leur “différence”, à un âge où ils ont surtout envie de ressembler aux autres.

Scarlett en Scène lance un appel aux responsables de ces établissements pour donner à tous les enfants, quels qu’ils soient, la possibilité de profiter de ce beau spectacle qui tourne depuis trois ans.

Pour Scarlett en Scène, il est essentiel de jouer aussi dans les théâtres pour sensibiliser tous les enfants à la différence. La vraie magie, c’est la différence, c’est elle qui fait grandir.

Sensibiliser, c’est aussi prendre le temps de l’échange, avant et après la représentation.

Aujourd’hui, Scarlett en Scène ambitionne de :

“Faire rêver encore et toujours plus” en allant à la rencontre des enfants qui ne peuvent pas se déplacer avec l’acquisition d’un théâtre nomade (Yourte, Dôme Géodésique, Chapiteau …) ;
“Développer des partenariats ambitieux” à l’échelle nationale avec des professionnels de l’enfance et du handicap ;
“Donner la parole aux enfants” en développant des ateliers d’éducation et de pratiques artistiques autour du théâtre et du conte (télécharger la présentation).

À propos de Christiana, Marie et Jérôme

Marie Maillot De Corte est musicienne avec un parcours atypique où elle se découvre tardivement une véritable passion pour l’alto.

Elle intègre alors le conservatoire national d’Aulnay-sous-Bois, les classes de Cyril Guignier et d’Olivier Grimoin, altiste à l’opéra de Paris. Elle obtient son prix d’Alto, et ses diplômes d’études musicales. Elle crée le quatuor Scarlett, ce qui lui permet de suivre de 2015 à 2017, grâce à Emmanuel Haratyk (altiste du Quatuor Manfred) qui transformera sa vision de la musique, la formation européenne de quatuor à cordes « Pro Quartet », et de participer à de nombreux festivals et masterclass.

Elle se passionne également pour les musiques traditionnelles tziganes, klezmer, compose et apprend différents instruments (accordéon, guitare…). Depuis son plus jeune âge, Marie dessine et a toujours travaillé avec sa mère, Christiana De Corte, artiste peintre à Barbizon.

Dans son parcours, elle a participé à différents projets mêlant poésie, musique, théâtre. Elle allie toutes ses passions dans son premier conte musical pour enfants sur l’autisme « Scarlett », thème qui la touche particulièrement ayant été bénévole auprès d’enfants autistes. Avec Christiana De Corte, artiste peintre et costumière, et Jérôme Chabaud, comédien conteur, elle fonde alors la compagnie Scarlett en Scène.

Marie souligne :

Pour moi, l’art est un moyen d’offrir de la lumière aux gens.

Jérôme Chabaud a une formation dans le développement des pratiques artistiques et culturelles. Il s’est formé avec les CEMEA, un organisme d’éducation populaire dont il revendique aujourd’hui les valeurs d’écoute, de groupe et de partage.

Tout au long de son parcours, il a utilisé le théâtre comme outil pédagogique avec les jeunes. En 2009, il intègre la formation de comédien à Arts en Scène, tant pour devenir comédien que pour acquérir de nouvelles techniques à mettre au service des jeunes.

Au fur et à mesure de ses formations et de ses collaborations notamment avec Catherine Heargreaves, Christian Taponard, Vincent Rivard, Eric Zobel, la compagnie Atmosphère, Benoît Théberge… et dans le souci de ne pas oublier les fondements de son travail, il devient artiste itinérant.

Vivre en mouvement est pour lui le moyen de s’ouvrir pleinement aux différentes pensées et modes de vies des personnes et groupes rencontrés. L’itinérance est une manière d’interroger nos schémas de vies occidentaux. C’est prendre l’initiative de se déplacer, d’offrir à lire ou à entendre, quand et là, où l’on ne s’y attend pas.

Jérôme est un artiste qui essaie de se construire grâce au subtil assemblage des pérégrinations de la vie et de celles de la création artistique.

Christiana De Corte est une artiste qui a toujours suivi la voie de ses passions, explorant ainsi la peinture, le dessin, l’illustration, la haute couture…

Diplômée des Beaux-arts d’Anvers, elle se rend à Paris et devient l’assistante de Pierre Cardin de 1975 à 1985. Elle est styliste, dessinatrice et suit une formation de haute couture. Par la suite, elle devient créatrice freelance et multiplie les projets et les collaborations. Elle crée et dessine pour de grandes marques de linge de maison (Santens), pour la haute couture (Madame Grès), pour la porcelaine (Dibbern), illustre chez Hallmark…

Véritable passionnée de tissus, elle est costumière pour la scène depuis 2009. En 2011, elle ouvre son propre atelier à Barbizon où elle transmet son savoir aux petits et grands. Depuis, elle a participé à de nombreuses expositions.

Christiana a été touchée par “Scarlett”, le conte de sa fille Marie, tant et si bien qu’elle a décidé d’en réaliser tous les décors et les poupées.

Pour Christiana, les mots ne disent pas tout… les couleurs nuancent mieux les cœurs…

Informations Pratiques

“Scarlett” est à découvrir au théâtre de La Comédie Nation, 77 rue de Montreuil, 75011 Paris.

Tarif : 12 € pour les adultes (ou 10 € tarif réduit) et 10 € pour les enfants (ou 8 € tarif réduit).

Pour en savoir plus

Présentation : https://www.relations-publiques.pro/wp-content/uploads/pros/20230223094304-p3-document-vlhn.pdf

Réserver une place : http://www.comedienation.fr/content/scarlett

Site web : https://www.scarlettenscene.com/

Facebook : https://www.facebook.com/Scarlettenscene

LinkedIn : https://www.linkedin.com/in/scarlettenscene/

Bordeaux : Enchântier Théâtre, l’école professionnelle de comédiens, organise des auditions pour la saison 2023/2024

Le mythe de l’« acteur né », qui fait carrière après avoir été repéré dans un casting sauvage, doit être pris pour ce qu’il est : un mythe.

S’il y a toujours quelques contre-exemples, il faut rappeler une vérité fondamentale : être comédien ou acteur s’apprend ! Pour vivre de sa passion, il y a des techniques à connaître (vocales, respiratoires, corporelles) et des styles de jeu à maîtriser.

Sans oublier l’essentiel : identifier « sa » propre manière de raconter.

Dans ce contexte, l’école d’Enchântier Théâtre, créée par des professionnels du métier, fait sa rentrée pour la deuxième année.

Les auditions pour sa formation professionnelle sont désormais ouvertes aux futur.e.s élèves de la saison 2023/2024 jusqu’au mois de juin.

Notre ambition ? Permettre à nos élèves de travailler et de gagner leur vie avec ce métier. Et surtout leur transmettre le désir d’innover, de chercher de nouvelles choses. D’entreprendre des actions culturelles intenses et fortes.

Benjamin George, membre fondateur et directeur artistique

Une école à taille humaine pour un apprentissage à 360°

L’école d’Enchântier Théâtre, c’est avant tout un état d’esprit, une culture de la transmission.

Fondée par des comédiens professionnels pour des acteurs en devenir, elle n’accepte que 15 élèves maximum et ne forme qu’une promotion par année.

Un gage de qualité qui fait écho à son cursus très pointu au niveau acting, puisque toutes les techniques de jeu sont travaillées (conte, farce, bouffon, clown, burlesque, mélodrame, distanciation, méthode).

Avec, toujours, la volonté d’axer les cours sur le théâtre et sur l’histoire du théâtre, afin que chaque élève sache pourquoi les choses sont racontées ainsi et d’où cela vient.

Les comédiens y gagnent une souplesse de travail avec d’autres professionnels, tout en étant capables de se produire devant une caméra ou sur un plateau de théâtre.

L’école permet de pousser le travail, d’aller plus loin pour donner des outils aux futurs créateurs de spectacles. Le socle, la formation, est très importante car elle sera un indicateur de la qualité culturelle future.

Des professeurs expérimentés et complémentaires

Benjamin George

Comédien, directeur d’acteur et professeur de théâtre, Benjamin George fonde la compagnie Enchântier Théâtre en 2004 à Bordeaux.

Il s’est formé à « Temps d’M espace pour l’acteur », formation professionnelle dispensée par Luc Faugère à Bordeaux. Depuis quinze ans il donne des stages et des cours de théâtre pour adultes.

Mathieu Dubois

Comédien, directeur d’acteur, metteur en scène et formateur. Mathieu intègre la compagnie Enchântier Théâtre en 2012. Il anime des ateliers théâtre enfants, adolescents et adultes depuis 2015.

Geneviève Cauwel

Forte de sa connaissance de la scène, du Grand Répertoire, mais aussi de ses rencontres et du travail partagé avec des chorégraphes tels que Pina Bausch, Jérôme Robbins, Maurice Béjart… elle aborde un enseignement éclairé qui permet à chaque personnalité de s’épanouir dans l’art de la danse.

Des intervenants extérieurs pour s’ouvrir à d’autres expériences

Des intervenants extérieurs, des professionnels, des camarades de routes, rencontrés au fil de toutes ses années, seront invités régulièrement dans l’année afin de partager avec les élèves leur processus de création.

Parmi eux :

Luc Faugère (acteur et directeur d’acteur)
Benoît Michel (acteur, plateau et caméra)
Cie Fil Agathe (théâtre)
Cie mmm (théâtre)
Cie Rouge Elea (cirque et musique)
Cie Branca (théâtre, danse et chant)
Cie L’arbre à vache (théâtre de rue)
Hélène Bohy (chanteuse et coach vocal)
Cie Ici Commence (théâtre et conte)
Cie Betty Blues (théâtre et musique)
Sébastien Blanc (comédien)
Laure Bezolles (comédienne)
Et bien d’autres encore…

Un cursus qui explore toutes les facettes du métier

1ère et 2ème année

Le training de l’acteur (3h / semaine) : les fondamentaux, l’improvisation, l’écoute, la biomécanique, le schéma actanciel, l’analyse du rôle par l’action, la mémoire.

Les formes de jeu au théâtre (3h / semaine) : le conte, le burlesque, la farce, le bouffon, le clown, le mélodrame, la distanciation.

Le texte en première année (3h / semaine) : lire-dire-jouer un texte au théâtre.

Danse (2h / semaine) : danse classique, travail sur le mouvement et l’espace, du danseur à l’acteur et de l’acteur au danseur.

Le projet en deuxième année (3h / semaine) : en groupe, travail sur une pièce d’un auteur de théâtre avec représentation publique en juin 2024.

3éme année

L’initiative d’acteur (12h / semaine)

Outre de nouveaux entraînements, les comédiens en herbe devront, en une année, enquêter sur un sujet et créer un spectacle de théâtre, authentique par rapport à leur désir et leur mémoire. C’est un moyen de trouver leur manière de raconter, leur méthodologie professionnelle personnelle.

Pratique personnelle

Préparation : exercices et scènes de théâtre, auditions trimestrielles, passage en 2e année puis en 3e année validé par les professeurs en fin d’année.
Restitutions publiques : les jeunes acteurs se présentent devant un public à partir de la deuxième année sur Bordeaux, afin de présenter le travail fait dans la formation.

Enchântier Théâtre, la compagnie qui raconte le monde contemporain

La compagnie Enchântier Théâtre est née en 2004 à Bordeaux de la rencontre du comédien et directeur d’acteur Benjamin George avec trois autres amoureux du théâtre et de la littérature.

Tour à tour conteurs, bouffons, clowns et acteurs dramatiques, nous utilisons les différentes formes de jeu traditionnelles, comme le conte, le mélodrame, et la farce, pour raconter le monde contemporain et en donner une vision actuelle et humaine.

La compagnie Enchântier Théâtre partage sa passion du théâtre avec le public par :

La création de pièces classiques et contemporaines ;
La formation : elle organise des cours de théâtre à Bordeaux et à Bayonne, qui s’adressent aux enfants, aux pré-adolescents, aux adolescents et aux adultes ;
La lecture à haute voix, une discipline que les comédiens ont déjà étrennée dans différents festivals et dans différentes communes ;
Le coaching pour les professionnels & les particuliers (adapté à leurs différents projets) ;
Les formations pour les entreprises.

À terme, Enchântier Théâtre souhaite proposer aux élèves allant au bout de la formation de travailler un spectacle au sein de sa compagnie. En le montant avec eux, en le tournant, elle leur offrira ainsi une formidable première expérience professionnelle.

Portrait de Benjamin George, directeur artistique de la compagnie

Benjamin George est comédien, directeur d’acteur, metteur en scène et professeur de théâtre. Il s’est formé à Temps d’M espace pour l’acteur, une formation professionnelle dispensée par Luc Faugères à Bordeaux.

Il a fait ses premiers pas dans l’univers du théâtre professionnel il y a une quinzaine d’années, interprétant des pièces classiques et contemporaines. Il écrit également des spectacles tout public et jeune public ; en 2007, il a ainsi écrit et interprété les pièces Vision d’un esprit terre et Richesses d’en bas. En 2017, il a monté Don Juan, Variation pour un acteur, jouant à lui seul tous les personnages de la pièce de Molière. Il fait également du théâtre en entreprise, et donne des cours de théâtre pour adultes. En 2020 il s’attaque à Shakespeare et en 2021 à La Fontaine.

Il a eu l’idée de lancer la formation professionnelle de comédien à Bordeaux en 2022.

Une idée qui mûrissait depuis un petit moment, car Benjamin a animé durant 10 ans des ateliers amateurs pour enfants, adolescents et adultes.

Pour en savoir plus

La formation professionnelle : https://www.enchantiertheatre.fr/formation-professionnelle/

Dossier de presse : https://www.relations-publiques.pro/wp-content/uploads/pros/20230301163145-p5-document-wgdf.pdf

Site web : https://www.enchantiertheatre.fr/

Facebook : https://www.facebook.com/people/Enchântier-Théâtre/100049144583541/

Instagram : https://www.instagram.com/benjamin_enchantiertheatre

LinkedIn : https://fr.linkedin.com/in/benjamin-george-67b00ba2

“Le Songe de Bernadette” par la compagnie Entre Les Lignes : une comédie fantastique à découvrir à partir du 19 janvier au Théâtre du Roi René (Paris 11)

Une femme et un homme que tout oppose se rencontrent dans la salle d’attente d’un notaire. Ils découvrent qu’ils sont convoqués à la succession de la même personne.

Seraient-ils parents ? Que contient le testament ? Vont-ils toucher le gros lot ? Mais à quelles conditions ? Qui est cette Bernadette qui semble survoler la scène comme un fantôme bien veillant…

L’autrice nous entraîne dans une cascade de rebondissements entre rêve et réalité dans une atmosphère burlesque et mystérieuse à la fois.

C’est l’histoire de la rencontre improbable d’un frère, Roger et d’une sœur, Marie, nés de pères différents et que tout oppose. Ils ignoraient leurs existences respectives jusqu’à leur convocation par le notaire.

Maître Robineau leur apprend que leur mère, Bernadette, qui les a abandonnés enfants, a laissé à sa succession une maison de famille. Ils ne pourront en hériter que s’ils parviennent à y vivre ensemble pendant un an.

Cette comédie fantastique de Antoinette Cros Kachaner, et mise en scène par Renato Ribeiro, est à découvrir à partir du jeudi 19 janvier 2023 à 20h45, au Théâtre du Roi René (Paris 11).

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Une belle comédie aux notes parfois mélancoliques

Il arrive un jour où le temps rattrape l’insouciance et les promesses, où le corps stigmatisé se courbe sous le poids des années, où les regrets effacent les espoirs.

Le bilan peut être très lourd quand, arrivé à l’automne de sa vie, on réalise que l’on a fait les mauvais choix, négligeant ainsi l’essentiel ; la famille.

S’il n’est pas possible de racheter le passé, peut-on corriger ses erreurs avec le peu de temps qu’il reste à vivre ?

La transmission de l’héritage dans ce qu’il représente à la fois sur les plans matériel et spirituel est une solution de rédemption.

Ainsi, l’héritage devient un sujet de dramaturgie. Il renvoie à des thèmes forts ; la vie, la vieillesse, la mort. Il produit des conflits. La crise qu’ouvre la mort d’un membre de la famille suscite des rivalités qui nourrissent la cupidité, la jalousie, la haine, souvent attisées par la souffrance. Enfin, elle illustre la condition humaine et ses contradictions : la souffrance et l’amour, la filiation et l’abandon.

Il y avait donc de quoi créer des situations théâtrales avec en toile de fond la crise ressentie par les héritiers après l’annonce du décès de leur mère. L’ouverture du testament est le moment paroxystique où sont rassemblés dans un même lieu et au même instant les membres d’une famille que la vie a séparés.

J’avais un défi à relever, faire de ce sujet grave, une comédie à la fois légère et poétique. Pour cela, j’ai donné la parole à des personnages haut en couleur, animés par des désirs, des passions mais aussi fragilisés par des contractions et des conflits intérieurs.

Antoinette Cros Kachaner

Une mise en scène inspirée

Le titre de la pièce ne pouvait pas laisser insensible le metteur en scène de la pièce : aussitôt Shakespeare s’est imposé dans son esprit. Ce songe sera une fantasmagorie rêvée entre notre monde réel et des univers irréels mais si vivants. Lequel de ces 2 mondes l’emportera…

“N’oubliez pas la formule : Il était une fois…” précise Renato RIBEIRO.

Ainsi, le spectacle est mis en scène comme un conte de fée, à la façon de Tim Burton, avec son côté sombre évidemment et la multitude de couleurs et de lumières qui viendra vaincre l’obscurité.

Contraste de scènes épurées en noir et Blanc pour les situations réelles du temps présent et des scènes très colorées pour les scènes se déroulant dans le songe de Bernadette. Les lumières seront à l’honneur pour créer les différents décors : N&B et obscurité pour la réalité en contraste avec des faisceaux colorés pour les scènes du songe.

Les costumes également colorés et fantastiques seront en totale contradiction avec les costumes N&B de la réalité. Enfin le maquillage aura une place importante pour finaliser la dernière touche à ces personnages fantasmagoriques du rêve, entre Créatures et Monstres. À l’inverse, la réalité sera triste et grise.

Bien entendu le code de jeu des comédiens sera à l’avenant : sage et inspiré pour la réalité – extraverti, cartoonesque, clownesque, proche de la caricature pour interpréter les créatures du songe.

En lisant la pièce d’Antoinette, j’ai tout de suite eu l’impression de lire un conte rempli de magie qui nous fait tellement défaut dans notre quotidien. Je pense qu’il faut continuer à croire à la magie de la vie, de l’amour, des gens, des animaux, des objets… pour combattre le côté sombre, obscur qui s’abat en ce moment sur nos sociétés. Seule la magie et y croire permettra d’en sortir gagnants. La magie a existé de tout temps, et seuls nos temps modernes l’ont abandonné et n’y croient plus… et pourtant…

Renato Ribeiro

Une pièce qui sera reprise en Avignon… mais pas que !

Après les représentations sur Paris, la compagnie reprendra la pièce à Avignon puis partira en tournée dans toute la France.

Et en septembre 2023, “Le Songe de Bernadette” pourrait être joué dans un autre théâtre parisien, encore plus grand.

Distribution

Compagnie : Entre Les Lignes ;
Autrice : Antoinette Cros Kachaner ;
Mise en scène Renato Ribeiro, assisté de Maud Mellé ;
Avec Fanfan Blondiaux, Bérénice Le Mestre, Benjamin Aboulker, Julien Jaulin, Tarik Jallal.

A propos de Antoinette Cros Kachaner, Autrice

Depuis toute petite, Antoinette évolue dans l’univers du théâtre au travers de sa mère qui est comédienne. Elle décidera de franchir le pas après avoir terminé ses études de droit et être entrée dans la vie active.

Elle s’inscrit au Cours Florent en septembre 2016 où elle travaille avec Adrien Popineau en première année et Hugues Boucher l’année suivante. Elle rejoint une compagnie de théâtre la Cabane formée par les élèves de 2e année où elle donne ses premières représentations publiques.

Pour enrichir son parcours. elle suit ensuite la formation :

De Raymond Acquaviva où elle bénéficie de l’expérience d’Eric Savin en théâtre contemporain ;
D’Yveline Hamon en théâtre classique ;
De Pascale Mariani en improvisation ;
De Philippe Vela en commedia dell arte et en clown ;
De David Roussel, directeur du théâtre des Béliers ;
Et de Raymond Acquaviva qui la fera travailler avec précisions sur les personnages classiques et notamment sur Phèdre.

Aujourd’hui diplômée d’art dramatique, elle se lance le défi de produire son premier texte théâtral pour la compagnie qu’elle vient de créer.

A propos de Renato Ribeiro, metteur en scène

Comédien, metteur en scène, coach, directeur artistique et de production, fondateur de la salle de spectacles LA COMEDIA à Paris 11è, Renato Ribeiro est un passionné de Création depuis toujours!

Sa passion du Cinéma lui permet de jouer dans plusieurs long-métrages dont Par Amour de Laurent Firode, qui lui donna son premier rôle principal à défendre sur grands écrans, Sa carrière au théâtre depuis les années 90, le mène comme acteur, de l’improvisation au théâtre contemporain en passant par la Comédie. N’oublions pas ses différentes mises en scène aux univers très différents. Enfin citons aussi son activité de coach d’acteurs et coach musical.

En 2012, Renato prend ses quartiers d’été à Lisbonne dont il est tombé amoureux. Parfaitement bilingue, il y travaille comme traducteur-adaptateur de textes et romans, coach d’acteurs au Théâtre National Dona Maria II auprès de Tiago Rodrigues, puis devient acteur dans plusieurs télénovelas et films portugais et également professeur-formateur de langue française-littérature et de théâtre au sein de l’Alliance Française et de l’Institut Français.

Actuellement entre Lisbonne et Paris, il continue d’être à l’affiche comme acteur mais aussi à la TV sur la série Scènes de ménage, et au cinéma dans le long métrage Voyage en têtes étrangères, d’Antonio Amaral… Un troisième long-métrage est en préparation pour 2023, entre la France et le Portugal.

Sans oublier ses dernières mises en scène, comme actuellement à l’affiche Belles Amies comédie dramatique féminine, ou encore Molière ou le dernier Impromptu pour l’anniversaire de Molière, GEEK comédie interactive, mais aussi son travail de directeur de production avec Le Secret de Sherlock Holmes à découvrir actuellement dans un des plus grands théâtres parisiens.

Informations pratiques

“Le Songe de Bernadette” par la compagnie Entre les Lignes

Première : jeudi 19 janvier 2023 à 20h45
Lieu : Théâtre du Roi René 12, rue Edouard Lockroy – 75011 Paris (métro : Parmentier)
Jours et horaires des représentations : Du jeudi au samedi à 20h45 (relâche le 11 février)
Durée du spectacle : 1h30
Prix des places : 21 € tarif plein, 17 € tarif réduit, 12€ tarif enfant (hors frais de réservation)
Réservations et informations : Tél. 01 76 40 40 15 -https://theatreduroirene.qidoon.com/events/833 et revendeurs internet

Pour en savoir plus

Dossier de presse : https://www.relations-publiques.pro/wp-content/uploads/pros/20230105110809-p3-document-ubjx.pdf

Facebook : https://www.facebook.com/LeSongedeBernadette/

Instagram : https://www.instagram.com/lesongedebernadette/

“Ardèle ou la Marguerite” de Jean Anouilh : Pax’art Production se lance dans la création de cette pièce de théâtre grinçante en première mondiale

Une peinture minutieuse de l’amour

« Ardèle ou la Marguerite » est une œuvre de Jean Anouilh, où l’imaginaire et la fantaisie des personnages sont au cœur d’une histoire d’amour impossible.

Cette pièce grinçante relève du genre comique, mais l’ordre de la comédie y est merveilleusement perverti !

En se lançant dans la création de ce projet, l’association Pax’art Production a vu les choses en grand : ce spectacle théâtral réunira sur scène une équipe de 10 comédiens de tous horizons, un décor avec 13 portes, de fabuleux costumes, une mise en scène signée Christophe Jaquier…

Cette pièce grandiose, à l’envergure nationale et internationale, sera ensuite diffusée dans les salles de spectacle et les théâtres de toute la France et des pays francophones.

Pour la réaliser dans les meilleures conditions et à la hauteur de ses ambitions, Pax’art Production lance une levée de fonds sur Helloasso auprès des particuliers et des entreprises.

L’histoire en quelques mots…

Le Général a réuni dans son château, les membres de sa famille : la Comtesse, sa sœur et son inséparable amant Villardieu, son beau-frère le Comte, son fils cadet Nicolas, sa bru Nathalie.

Ils sont tous là pour essayer de trouver une solution au problème posé par Ardèle, la sœur du Général. Bossue et vieille fille, Ardèle s’est entichée d’un professeur de latin, bossu comme elle, et projette de fuir avec lui. Enfermée dans sa chambre, elle refuse d’en sortir tant que l’on n’aura pas admis sa liaison.

Le Général, la Comtesse, le Comte vont, tour à tour, essayer de « la ramener à la raison ». Cette « raison », propre à la société bourgeoise, qui condamne un amour pur pour simple difformité d’apparence et… de classe sociale.

Tous ces conseilleurs, ces moralisateurs, qui trompent leurs conjoints respectifs, et sacrifient leurs sentiments au profit des apparences, ne se doutent pas que ce sont les amants bossus qui vont leur donner une magistrale leçon d’amour.

Alors que le théâtre actuel est soit contemporain soit très classique, le texte de cette pièce est bluffant d’actualité. Même s’il a été créé en 1948, tout le monde peut se reconnaître dans un de ses personnages, même les plus jeunes.

Un auteur à la plume mordante

Jean Anouilh est né en 1910 et décédé en 1987. Cet auteur prolifique ne s’est pas contenté d’offrir une réécriture moderne d’Antigone, la pièce de Sophocle. Il a lui-même organisé ses œuvres en séries thématiques, faisant alterner d’abord “Pièces roses” et “Pièces noires”.

Les premières sont des comédies marquées par la fantaisie comme “Le Bal des voleurs” (1938) alors que les secondes montrent dans la gravité l’affrontement des « héros » entourés de gens ordinaires en prenant souvent appui sur des mythes comme “Eurydice” (1941), “Antigone” (1944) ou “Médée” (1946).

Après la guerre apparaissent “les Pièces brillantes” qui jouent sur la mise en abyme du théâtre au théâtre, “La Répétition ou l’Amour puni” en 1947, “Colombe” en 1951, puis “les Pièces grinçantes”, comédies satiriques comme “Pauvre Bitos” ou le “Dîner de têtes” (1956)…

L’auteur est représenté par l’Agence MCR, Marie-Cécile Renauld, www.mariececilerenauld.com.

Nous sommes très fiers d’avoir le soutien de Mme Colombe Anouilh d’Harcourt, fille de Jean Anouilh.

Un spectacle d’envergure qui va faire rêver le public

« Ardèle ou la Marguerite », c’est du théâtre version XXL, conçu pour mettre des étoiles dans les yeux de toutes les générations à partir de 12 ans.

Un grand spectacle comme on les aime, de ceux qui créent des souvenirs impérissables.

Christophe Jaquier, le metteur en scène, a travaillé pendant plus d’un an à ce projet. Sa marque de fabrique ? Une esthétique affirmée et la volonté de montrer que, même en France, il est permis de rêver…

Une belle ambition qui a immédiatement convaincu Pax’Art Production, qui a collaboré étroitement à cette aventure pendant plus de six mois entre 2021 et 2022. Portés par la même vision d’un grand spectacle, ils ont choisi ensemble tous les costumes, le décor et la musique.

Zoom sur quelques éléments clés de la mise en scène

Au-delà de la présence des 10 comédiens sur scène, ce spectacle est caractérisé par…

… des costumes choisis par code couleur

Même de loin, les costumes sont facilement identifiables puisqu’ils ont tous un code couleur, tout en restant dans la cohérence de la pièce :

les sobres : teinte marron pour Nathalie et Nicolas ;
les fonctionnels : blanc et noir pour le Général, la Générale, et Ada la femme de chambre ;
les extravagants : rouge et violet pour la Comtesse, le Comte, Villardieu l’amant ;
les enfants : rose pour la petite fille Marie Christine, et bleu pour le petit garçon Toto.

… un décor avec 13 portes

Ces portes auront plusieurs fonctions : ouverture ou battants, paroi décorative, mur, entrée secrète ou déguisée. L’intention est d’utiliser une porte pour s’y cacher, circuler, devant, derrière, avec en plus la possibilité d’offrir la fonction des entrées et sorties. Les portes permettent moult circulations (entrées/sorties bien définies), tout en utilisant des solutions purement théâtrales.

L’entrée principale, face au public, donne sur un jardin exotique qui ressemble à une jungle tropicale, les couleurs de ce jardin sont violentes et criardes, on y aperçoit de grandes fleurs colorées. Ce jardin – jungle prendra une place importante lors de la scène de la NUIT, puisqu’il envahira cette dernière par l’étalement de grandes plantes exotiques.

… de la musique

La musique sera diffusée à des moments clés de la pièce afin de dérégler l’action par sa présence inopportune et apporter de la confusion à l’action.

Une tournée en France et à l’étranger

La pièce « Ardèle ou la Marguerite » de Jean Anouilh sera d’abord jouée dans un théâtre parisien, le temps d’une série de représentations.

Elle partira ensuite en tournée dans toute la France, avec l’aide d’un diffuseur de spectacles, mais aussi en Suisse, en Belgique puis dans les autres pays francophones.

Le ciblage des salles de spectacle aura une jauge minimale de 400 places avec un tarif compris entre 25€ et 50€.

Et si la réussite est au rendez-vous, une ou plusieurs séances seront exclusivement réservées aux plus démunis.

À propos de Pax’Art Production

Pax’Art Production est une association créée en 2017 pour :

promouvoir et défendre les intérêts des artistes et des créateurs dans le cadre législatif du spectacle vivant ;
sensibiliser la jeunesse à la chanson, au théâtre, au spectacle vivant ;
aider au développement artistique au niveau local, départemental, régional, en Europe et à l’international.

Elle a ainsi produit et diffusé plusieurs artistes en 2018, tels que Kiana, Allan Archer et Maud Célie, par un accompagnement et des évènements promotionnels. Aujourd’hui, l’association continue à accompagner l’Artiste Maud Célie.

Parmi ses diffusions, Pax’Art Production a accompagné en 2020 le spectacle de Mathieu Pelarma “Un pour tous”, mis en scène par Eric Savin, ainsi que la pièce « La dernière phrase ». Il s’agissait de deux comédies contemporaines, légères, joviales et optimistes, sur le thème du questionnement.

En 2013-2014, Matilde Krnjus, fondatrice de Pax’Art Production, a apporté son aide à l’association Nous Même Prod, en gestion de coproduction et en comptabilité, pour le spectacle “Lune Air” de Julien Cottereau (Molière de la révélation masculine 2007, et Prix SACD de la révélation One Man Show 2008). Et en 2016, pour le spectacle “Très chère Afrique” mise en scène par Margaux Meyer & Julien Cottereau.

Aujourd’hui, l’association souhaite réaliser le spectacle “Ardèle ou la Marguerite” écrit par Jean Anouilh en accompagnant le metteur en scène Christophe Jaquier et toute l’équipe artistique.

Pour en savoir plus

Le projet Ardèle ou la Marguerite de Jean Anouilh : https://www.helloasso.com/associations/pax-art-production/collectes/ardele-ou-la-marguerite

Site web : https://www.paxartproduction.fr/

Facebook : https://www.facebook.com/paxartproduction/

Instagram : https://www.instagram.com/paxart.production/

“Sex & Love” à la Divine Comédie : une pièce piquante et plein d’humour sur les sites de rencontre

Sex&Love : La pièce qui autopsie l’Homo Erectus de la tête au… sexe (mais pas que !)

Cette comédie rose et piquante met en scène deux amies pour qui les sites de rencontre et les hommes vont provoquer débats et divergences mais se retrouver, aussi complices, à rire entre femmes des travers de l’homo Erectus…

Deux amies. Alice, femme libérée, fraîchement divorcée, décide de s’inscrire sur un site de rencontres, histoire de pimenter sa nouvelle vie. Manon, conservatrice, un peu coincée et mariée depuis 10 ans, déboule chez Alice pour lui avouer un secret qu’elle ne peut plus contenir !
Une soirée, un canapé, beaucoup de vin et c’est la débandade pour Alice et Manon qui vont se confronter à la réalité des mecs des sites de rencontres d’aujourd’hui, qu’ils soient mariés ou pas.

Nathalie Cougny, poète et auteur engagée, s’est inspirée de son expérience personnelle, rejointe pour cette nouvelle adaptation par Arthur Loisel, un jeune auteur ayant le sens du tempo théâtral. Ils écrivent ensemble cette comédie acerbe sur l’homme et son pénis et où les femmes peuvent aussi se faire complices, malgré elles, d’un précepte entretenu par cette relation étrange qui mêle séduction et faux semblants.

Dans “Sex & Love”, pendant 1h15 quelques vérités s’égrènent, sans tabou, avec un humour sarcastique, et souvent décalé…

A voir à la Divine Comédie du 30 septembre au 31 décembre.

“Sex & Love est une pièce évoquant les sites de rencontre et qui égratigne au passage le machisme ! Au-delà du succès populaire attendu, c’est aussi, en utilisant l’humour, une dénonciation du comportement masculin”

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L’auteur : Nathalie Cougny

Nathalie Cougny, née en 1967, est artiste peintre depuis 1996, écrivain, poète et auteur publiée depuis 2011 et Présidente de l’association nationale « Les maltraitances, moi j’en parle ! » créée en septembre 2020.

En 1998, elle quitte son activité professionnelle au sein de la direction d’un grand groupe pour se consacrer au bénévolat dans le milieu artistique durant plus de 10 ans.

Totalement inconnue et novice dans le milieu de l’édition, elle se fait connaître avec la poésie sensuelle. Elle a publié 17 livres depuis 2011 : poésie sensuelle, livres de société, albums jeunesse, romans et un récit. Elle écrit également un one woman show « Sex&Love.com » joué près de 100 fois en 2016/2017 et un projet de documentaire avec Boris Cyrulnik.

Femme et artiste libre, en 2009 elle s’engage dans la lutte contre les violences faites aux femmes et la maltraitance des enfants. Nathalie fait bouger les lignes et éveille les consciences à sa façon. Elle mène diverses actions personnelles et participe à des projets porteurs : journées événementielles, clips, interventions en milieu scolaire, conférences, débats.

Après des formations en art et en psychologie, passionnée par l’humain et son fonctionnement, elle s’attache à faire ressortir dans son écriture la force des sentiments, la diversité des émotions et tout ce qui nous lie à la vie dans une vision humaniste des rapports, sans tabou.

Le co-auteur : Arthur Loisel

Comédien de formation, Arthur Loisel est un jeune auteur passionné par la scène.

Arthur est un couteau suisse du théâtre endossant tous les rôles, de comédien à metteur en scène. Il fera partie du trio d’humoriste « Triple A » au côté de ces deux acolytes des cours Florent.

À la recherche d’un co-auteur, Nathalie Cougny, auteur de la pièce, est convaincue par ce jeune humoriste talentueux, qui possède un solide sens de la répartie et qui excelle dans les « punchlines ». Il va donc imprégner de sa patte incisive et comique les dialogues de la nouvelle version de Sex&Love.

Il est également à l’origine de 4 pièces de théâtre et d’un one man show.

Le producteur et le metteur en scène : Bruno Romier

Un CAP de pâtissier en poche, mais passionné par l’univers du spectacle, Bruno Romier concrétise une partie de ses ambitions en devenant, à l’âge de 20 ans, organisateur de spectacles au milieu des années 80. Il est également le créateur, en 1993, d’un festival de théâtre et de danse organisé au sein du château d’Angers, sa ville natale.

Après quelques échappées vers d’autres horizons professionnels, Bruno Romier revient à ses premiers amours en montant un café-théâtre de 100 places dans le centre-ville d’Angoulême. Bruno Romier va ainsi se lancer dans différentes mises en scène pour son théâtre et les tournées, dont :

Une comédie déjantée « Les moustaches de la reine » destinée au OFF d’Avignon en Juillet 2002 ;
La reprise des célèbres pièces « Le dîner de cons » et « Nuit d’ivresse » ;
La pièce d’Eve Ensler « Les monologues du vagin », lui vaudra les compliments de l’agent de l’auteur, qui précisera avoir assisté à l’une des plus belles versions de cette œuvre.

Domicilié à Paris depuis 2014, Bruno Romier s’investit dans différents projets artistiques. Il a notamment produit le trio d’humoristes « Triple A » et l’humoriste féminine « FIBS ». Il a également produit le dernier spectacle de Karine Lyachenko « Rebelles » aux Feux de la rampe en 2016.

Il a aussi produit et mis en scène la pièce « Sex&Love.com » avec Elise Lissague et réalisé une tournée de plus de 100 dates avec cette comédie, ainsi qu’un spectacle dédié à Edith Piaf.

Les comédiennes

Alice : Julie Bernatta

Julie est une jeune comédienne de 28 ans, diplômé du cours Florent de Montpellier.

A 23 ans, et à l’instar de Fabrice Lucchini, la jeune comédienne décide d’arrêter la coiffure, son premier métier, et de tenter l’aventure du théâtre. Elle décide donc de monter sur Paris en 2020 pour vivre pleinement sa passion du théâtre.

Artiste polyvalente, elle embrasse d’autres pratiques artistiques telle la guitare, le chant et la danse.

Julie caste pour le rôle d’Alice dans Sex&Love et enthousiasme le metteur en scène, Bruno Romier, pour sa capacité à savoir conjuguer sens du burlesque et sensualité ; Elle est Alice.

En parallèle, Julie continue toujours à coiffer sur les plateaux de tournage et elle est actuellement en écriture de son premier court-métrage !

Manon : Louise Cassin

Comédienne et metteuse en scène, diplômée du cours Florent en 2016, Louise participe à de nombreux projets de la compagnie des Polisseurs d’étoiles, dont un revisité : « Tailleur pour dames » de Georges Feydeau, qui lui vaudra une nomination « meilleure comédienne dans un second rôle » au p’tits Molière d’Avignon 2019.

Elle joue sous la direction de Camille Saintagne dans « La république du Bonheur ». Elle rejoint l’équipe de Louise Robert dans « Pardonne-moi de me trahir » où elle y incarne le rôle principal.

Curieuse, elle s’essaie au nouveau format théâtral et intègre l’expérience immersive Casa de Papel, produit par Fever et Nextflix.

En parallèle, elle intègre un studio de doublage qui lui permet de prêter sa voix à plusieurs personnages de séries.

Louise

Informations Pratiques

A la Divine Comédie, 2 rue Saulnier Paris 9è – Tel : 01 42 46 03 63
Du 30 septembre au 31 décembre 2022
Les jeudis, vendredis et samedis à 21h
Billetterie : points de vente habituels

Pour en savoir plus

Facebook : https://www.facebook.com/Sexandlovetheatre/

Instagram : https://www.instagram.com/sexandlove_piece_de_theatre/

Spectacle musical pour enfants à Paris : “Scarlett”, le conte féerique qui aborde l’autisme et la différence, enchantera tout l’été le théâtre de la Comédie Saint-Michel

Élu meilleur spectacle jeune public 2020

Et si cet été on emmenait les enfants s’émerveiller avec Scarlett au Pays d’Arc-en-Ciel ?

Il n’y a pas besoin de sortir de la capitale pour leur mettre des étoiles plein les yeux tout en les sensibilisant à l’autisme et à la différence.

Un thème universel, abordé tout en subtilité dans un spectacle qui touche aussi bien les kids que les adultes grâce à différents niveaux de lecture.

Fait entièrement à la main et avec le cœur par la jeune compagnie Scarlett en Scène, “Scarlett” déjoue les codes du théâtre contemporain en proposant un projet altruiste et humaniste très interactif et visuel.

Les loulous adorent et leurs parents aussi !

À découvrir cet été au théâtre de La Comédie Saint-Michel, idéalement situé en plein cœur de Paris. Cette idée sortie sera d’ailleurs particulièrement appréciée par toute la famille s’il fait chaud, car les représentations ont lieu dans un cadre de rêve, avec ventilation et climatisation.

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Un pur moment de poésie au théâtre de La Comédie Saint-Michel

Jusqu’au jour où elle perd cette précieuse clef vers son monde d’illusions. Elle qui n’a jamais parlé à personne, entame alors un grand voyage pour le retrouver. Sur sa route elle rencontre d’étranges personnages, tous prisonniers de leurs peurs et de leurs doutes. En les aidant, en les aimant, elle se guérit petit à petit. Est-ce vraiment son petit sac en voile d’étoiles qu’elle finira par trouver ?

Une porte ouverte vers un imaginaire enchanteur

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Scarlett est un conte féerique qui touche au cœur parce qu’il est fait avec le cœur.

Les décors, les poupées, les costumes… tous les détails du spectacle sont faits à la main, avec amour, pour offrir une belle émotion.

La musique et les chansons sont aussi des créations originales, toutes jouées en direct sur différents instruments.

Marie précise :

“Nous avons mis tout en œuvre pour faire voyager et rêver les enfants, mais aussi les adultes. Sur scène, nous le constatons à chaque fois : ce spectacle leur plaît aussi énormément, car il a différents niveaux de lecture.”

Un spectacle né d’une rencontre avec une enfant autiste

À l’origine de Scarlett, il y a une belle rencontre : celle de Marie et d’une enfant autiste qui lui a ouvert les portes de son monde.

Pour Marie, cet instant magique va devenir un vivier d’inspirations créatrices.

Elle confie :

Très vite, le spectacle rencontre un écho favorable auprès du public.

Apporter le théâtre aux enfants qui ne peuvent pas se déplacer

Sensibiliser, c’est aussi prendre le temps de l’échange, avant et après la représentation.

Cette année, c’est grâce aux théâtres qui nous ont fait confiance que nous avons pu inviter et faire découvrir « Scarlett » à un maximum de structures spécialisées, et ainsi offrir du rêve aux enfants en situation de handicap.

Et bientôt…

La compagnie Scarlett souhaite désormais acquérir une structure nomade (Dôme, Chapiteau…) pour offrir une bulle d’évasion à tous les enfants.

En effet, lorsqu’elle joue dans les IME et hôpitaux, elle est accueillie dans leurs lieux quotidiens, même si elle apporte ses décors et ses lumières. Son ambition est donc de pouvoir les faire entrer dans un véritable petit théâtre pour insuffler encore plus de rêve.

En parallèle, le spectacle Scarlett sera programmé pour la saison 2022/2023 dans de nombreux théâtres !

À propos de Christiana, Jérôme & Marie

Marie Maillot De Corte est musicienne avec un parcours atypique où elle se découvre tardivement une véritable passion pour l’alto.

Marie souligne :

Pour moi, l’art est un moyen d’offrir de la lumière aux gens.

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Jérôme est un artiste qui essaie de se construire grâce au subtil assemblage des pérégrinations de la vie et de celles de la création artistique.

Christiana De Corte est une artiste qui a toujours suivi la voie de ses passions, explorant ainsi la peinture, le dessin, l’illustration, la haute couture…

Christiana a été touchée par “Scarlett”, le conte de sa fille Marie, tant et si bien qu’elle a décidé d’en réaliser tous les décors et les poupées.

Pour Christiana, les mots ne disent pas tout… les couleurs nuancent mieux les cœurs…

Informations Pratiques

“Scarlett” est à découvrir au théâtre de La Comédie Saint-Michel, 95 bvd Saint-Michel, 75005 Paris.

Dates et horaires

Tous les mercredis à 16h45 ;
Les jeudis : à 10h30 les 21 et 28 Juillet, puis à 11h30 du 4 au 25 Août ;
Les dimanches : à 16h30 jusqu’au 31 Juillet, puis à 11h30 à partir du 7 Août.

Accès

RER B Luxembourg, Métro Vavin ou Cluny, Parking Indigo angle Soufflot/Saint-Michel.

Prix

De 11 à 18 € selon la catégorie des places choisies.

Pour en savoir plus

Réserver une place : http://www.comediesaintmichel.fr/?q=node/570

Site web : https://www.scarlettenscene.com/

E-shop : https://www.scarlettenscene.com/boutique

Facebook : https://www.facebook.com/Scarlettenscene

LinkedIn : https://www.linkedin.com/in/scarlettenscene/

“Milou en mai” du 18 au 29 juillet : le Temps d’une Troupe revisite le film de Louis Malle tous les soirs au Château du Plessis-Macé (à proximité d’Angers)

Après un mois de Festival d’Anjou, Le Temps d’une Troupe prend ses quartiers d’été dans l’emblématique Château du Plessis-Macé !

Du 18 au 29 juillet à 20h30, cette troupe éphémère propose de (re)découvrir Milou en mai, le célèbre film de Louis Malle, d’après un scénario de Jean-Claude Carrière. Une interprétation haute en couleur mise en scène par Camille de La Guillonnière.

Sur scène, les comédiens du TRPL (Théâtre Régional des Pays de la Loire) et une dizaine de comédiens amateurs vont faire vivre au public une expérience de théâtre de très haut niveau.

Un spectacle accessible à tous.

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Une pièce décapante à ne surtout pas manquer

Sur fond de mai 68, dans une famille bourgeoise de province, nous assistons au partage de l’héritage autour du cadavre de la mère que l’on ne parvient pas à enterrer : allégorie ironique et mordante des événements de 1968, avec les manifestations, des tentatives de libération sexuelle, un mariage raté, et aussi la cupidité, sur la question de savoir qui va hériter de quoi et si la maison familiale sera sauvée !

La grève générale complique l’enterrement, exacerbe les tensions et les comportements irrationnels et loufoques.

Alors que dehors, le monde change brutalement, ce huis clos frôle l’implosion…

Distribution

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D’après le film de Louis Malle, scénario Jean-Claude Carrière
Direction artistique : Théâtre Régional des Pays de la Loire
Mise en scène : Camille de La Guillonnière
Assistante : Anne Didon
Création costumes : Anne-Claire Ricordeau
Création lumière : Thomas Mousseau-Fernandez
Comédiens professionnels : Comédien.ne.s professionnel·le·s : Florent Bresson , Anne Didon , Jacques Hadjaje et Juliette Ordonneau
Comédien.ne.s amateurs : Gaëlle Belzunce, Vincent Goldie, Josépha Guimbretière, Julien Hocde, Simone Naulet, Chantal Paquereau, Rémi Paris, Louise Portais, Louis Pungeot, Rose Pungeot, Agnès Rousselle et Fabrice Ternois

Plein tarif : 10 euros / Tarif réduit : 7 euros.

Le cadre enchanteur du Château du Plessis-Macé

Niché dans un superbe écrin de verdure de 40 ha, vestige de l’ancien domaine seigneurial, le Château du Plessis-Macé est un édifice médiéval classé monument historique. Il abrite notamment un balcon datant de la fin du 15e siècle, au style gothique flamboyant, et une chapelle avec une des plus anciennes tribunes de France.

Son parc, classé Espace Naturel Sensible et labellisé LPO, accueille plus de 300 espèces végétales et 175 espèces animales, dont 88 considérées comme patrimoniales.

Le Château du Plessis-Macé est aussi un haut lieu culturel puisqu’il programme toute l’année des événements (danse, théâtre et musique) à destination des familles.

Le Temps d’une Troupe : la rencontre du théâtre professionnel et amateur

Depuis 2017, en partenariat avec l’EPCC Anjou-Théâtre, Camille de La Guillonnière assure la direction artistique de l’opération Le temps d’une troupe. Une troupe éphémère qui réunit une dizaine d’acteurs amateurs et quatre acteurs professionnels pour la création d’un spectacle qui est joué dix fois au château du Plessis-Macé.

Durant quatre week-ends, les comédiens amateurs sélectionnés pour répondre à la distribution du spectacle, répètent avec un engagement sans faille, encadrés par des comédiens professionnels de la troupe du TRPL. Ensuite, ils répètent pendant 8 jours d’affilés avant la première du 18 juillet.

En parallèle, deux comédiens du TRPL mèneront une action culturelle en partenariat avec le CCAS d’Angers. Ils animeront un stage auprès d’adolescents pour préparer ensemble une représentation qui sera donnée en première partie de Milou en Mai, une expérience inoubliable !

Camille de la Guillonnière s’est inspiré du modèle du théâtre du peuple de Bussang dans les Vosges qui existe depuis plus d’un siècle. Ce théâtre atypique maintient vivant l’idéal de son fondateur, Maurice Pottecher, résumé par la devise “Par l’art, pour l’Humanité”. Le Temps d’une Troupe désacralise la pratique théâtrale et rend ses lettres de noblesse au théâtre populaire, en mixant comédiens professionnels et amateurs au sein d’une troupe éphémère.

Cette quatrième édition du Temps d’une Troupe promet des soirées fortes en émotions et espère un public conquis par cette expérience inattendue qui se déroulera du 18 au 29 juillet, du lundi au vendredi, à 20h30.

À propos du Théâtre Régional des Pays de la Loire (TRPL)

Le Théâtre Régional des Pays de la Loire est une compagnie théâtrale, accueillie à Cholet (49) à l’Espace Jean Guichard depuis 2015. Depuis sa fondation il y a 50 ans, le TRPL a toujours eu pour vocation de servir la décentralisation théâtrale.

Avec sa grande connaissance du territoire, le directeur Camille de La Guillonnière continue cette mission en amenant le théâtre aux publics éloignés des pôles culturels chaque été, depuis 17 ans, lors de la Tournée des Villages.

Les spectacles vivent ensuite sur le réseau de diffusion nationale, avec en moyenne une trentaine de représentations par saison. La compagnie a à cœur de partager plus qu’une représentation avec le public et organise toute l’année des actions culturelles : stages pour les amateurs, ateliers pour les scolaires, prêts de costumes, spectacles mêlant amateurs et professionnels… Grâce à ces différentes actions culturelles, les acteurs participent à ce que le théâtre soit une fête où toutes et tous sont invité·e·s !

Camille de La Guillonnière choisit des textes d’auteurs et de styles variés afin de présenter une vision large de ce qu’est le théâtre, en alternant auteurs classiques et contemporains, comédies et tragédies. Ce sont les valeurs humanistes des auteurs et la force poétique des textes qui guident principalement les choix de création.

Portrait de Camille de La Guillonnière, directeur du Théâtre Régional des Pays de la Loire

Le metteur en scène et directeur du TRPL

En mars 2021, Camille de La Guillonnière succède à Patrick Pelloquet à la direction du Théâtre Régional des Pays de la Loire. Il dissout sa compagnie et intègre au répertoire du TRPL l’ensemble de ses mises en scène. En 2021, Maestro, d’après Xavier-Laurent Petit, est sa première mise en scène en tant que directeur du TRPL.

Le dramaturge et comédien

Pendant 15 ans, Camille de La Guillonnière a été dramaturge et comédien pour Jean Bellorini, l’actuel directeur du Théâtre National Populaire de Villeurbanne. On l’a vu dans Tempête sous un crâne d’après V. Hugo, Paroles gelées de F. Rabelais, La Bonne-âme du Se-Tchouan de B. Brecht, Karamazov d’après F. Dostoïevski, Un instant d’après Proust. Il a également été adaptateur, dramaturge et costumier de la pièce Le Suicidé de N. Erdman pour le Berliner Ensemble. Il a par ailleurs joué sous la direction de Macha Makeïeff dans Les Femmes savantes de Molière.

Passionné de littérature et « du roman au théâtre », Camille de La Guillonnière adapte régulièrement des romans pour ses propres mises en scène, dont Eugénie Grandet et La vieille fille de Balzac, et Maestro de Xavier-Laurent Petit. Ses sujets de prédilection sont l’argent et la famille, des thèmes qu’il explore avec une ligne artistique empreinte de simplicité.

Pour en savoir plus

Réserver : https://web.digitick.com/milou-en-mai-theatre-css5-anjoutheatreweb-pg51-ei869745.html

Temps d’une Troupe

Site web : https://trpl.fr/amateurs/le-temps-dune-troupe/

Facebook : https://www.facebook.com/theatreregionaldespaysdelaloire/

Instagram : https://www.instagram.com/trpl_cholet/

Château du Plessis Macé

Site web : http://www.chateau-plessis-mace.fr/fr/

Facebook : https://www.facebook.com/chateauplessismace

Instagram : https://www.instagram.com/chateauplessismace/

Se détendre, rire, improviser : le Festival Impro en Seine fait son grand retour du 24 au 26 juin avec 84 spectacles à l’affiche

300 talents et près de 1000 sièges pour retrouver le smile

Impro is Back ! Après 2 ans d’absence, pandémie oblige, le plus grand festival français du genre est enfin de retour dans la capitale.

Et pour la 9e édition d’Impro en Seine, les organisateurs ont vu les choses en grand : les meilleurs talents de l’improvisation théâtrale, de Paris et d’ailleurs, seront réunis au célèbre Théâtre du Gymnase.

LE rendez-vous annuel de l’improvisation sera cette année encore fidèle aux maîtres mots qui ont fait sa réputation : créativité, spontanéité, convivialité !

Le Festival se déroulera cette année du 24 au 26 juin.

Impro en Seine est le seul festival d’impro 100% conçu pour le grand public. Dans une ambiance bon enfant, à des prix attractifs, les spectateurs ont accès à toutes les facettes de cet art qui aura peut-être enfin un jour sa place aux Molières.

Marc Occhipinti et Eduardo Larrain, les fondateurs

3 jours pour célébrer tous les courants de l’improvisation théâtrale

Impro en Seine, c’est une vraie fête de l’impro conçue comme un festival de musique.

Toutes les heures, en simultané, il y a des spectacles dans 3 salles différentes : la grande salle du Théâtre du Gymnase (le cœur battant du festival avec ses 750 sièges), le Petit Gymnase (160 places) et le studio Marie Bell (90 places) soit 1000 sièges d’où s’émouvoir et s’esclaffer devant les fulgurances des improvisateurs.

Les spectateurs peuvent entrer et sortir à tout moment pour profiter à leur guise de la programmation. Ils assistent ainsi à un marathon de 84 spectacles, pour découvrir l’impro sous toutes ses formes.

Impro en Seine se démarque en effet par un programme dense et varié : comédie musicale, conte, concert, impro sous hypnose, Molière improvisé, Miyazaki improvisé, pièces de théâtre improvisées, film improvisé, programmes radio improvisés, match d’impro… et même du clown.

Le festival offre ainsi un fantastique coup de projecteur sur cet art de la scène encore confidentiel, mais qui peu à peu acquiert ses lettres de noblesse.

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Sur scène, 300 talents venus de toute la France (et de plus loin)…et même des spectateurs

Les comédiens improvisateurs viennent des quatre coins de France (Paris, Bordeaux, Toulouse, Rouen, Lyon, Nantes, Dijon, Valence, Montpellier…), mais aussi d’autres pays tels que la Belgique, le Québec, l’Argentine, et les États-Unis.

Marc Occhipinti confie : « Nous retrouvons le bel écrin que mérite le talent de nos improvisateurs. Quel bonheur pour la 9e édition du Festival Impro en Seine de reprendre nos quartiers dans les 3 salles du Théâtre du Gymnase. Du haut de ces loges, 200 ans de théâtre contemplent les comédiens. Et c’est toujours une grande inspiration pour eux qui n’ont pas ce luxe tous les jours. ».

Les spectateurs sont aussi invités à vivre véritablement les valeurs prônées par l’impro (à savoir l’audace, la créativité et la convivialité) en participant et en montant sur scène pour y rejoindre les comédiens !

Car pendant Impro en Seine, le public est un acteur à part entière des shows : il applaudit, suggère des thèmes, des lieux ou des personnages, et il est aussi invité à jouer lui-même.

Des “after” pour toujours plus de fun

Pour célébrer d’ailleurs les retrouvailles de la communauté impro, des soirées sont organisées chaque jour après le dernier spectacle. Un must pour faire la fête, échanger, et continuer à vibrer pour l’impro…

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Zoom sur 10 spectacles “coups de cœur” à ne surtout pas manquer

Le Dîner

Nous avons tous en mémoire des repas de famille ou entre amis qui nous ont laissé en bouche une saveur toute particulière… Petits et gros secrets, invités inattendus, tentative de réconciliation, ou de meurtre, c’est à vous de décider à quelle sauce les comédiens seront mangés… L’un des personnages se verra attribuer par vous, spectateurs, une annonce des plus détonantes à faire, dont lui seul aura la connaissance. Souhaitons-leur bon appétit, car le vin risque vite de tourner au vinaigre…

Fushigi ! Histoires improvisées à la manière de Miyazaki

S’inspirant du travail de Hayao Miyazaki, ils créent des univers oniriques où les gestes du quotidien sont sublimés, où les monstres et les esprits redeviennent familiers, observant le monde sans imposer de moralité.

Le Chœur qui Conte

Le Chœur, composé de l’ensemble des improvisatrices sur le plateau, esquisse les décors, personnages, et effets spéciaux de l’histoire, dans une narration collective avec pour seul leitmotiv : l’union fait la force !

Le Fauteuil d’orchestre

Un narrateur assis sur un fauteuil cosy. De fringants comédiens-improvisateurs. Un orchestre de chanteurs et musiciens. Et laissez-vous surprendre par ces quinze artistes généreux et surprenants qui composent et racontent une histoire, main dans la main.

Impro Interactive Playlist

Vous êtes à la recherche de nouvelles pépites musicales et vous scrollez en vain Instagram et Tiktok pour dénicher LA trouvaille ? Avec le spectacle Interactive Playlist, c’est vous qui choisissez le style musical et le titre de la chanson. 4 improvisateurs-chanteurs, 2 musiciens et un maître de cérémonie se chargeront d’improviser des tubes de tous styles à partir de vos suggestions. L’algorithme personnalisé de YouTube ou Spotify n’arrivera jamais à la cheville d’Interactive Playlist: faite par vous, pour vous, et avec vous.

« Encore, encore, encore » [créer, s’interroger et mourir]

Une première scène. Inspirée par l’état dans lequel iels se trouvent. Puis, elle est rejouée. En fonction de ce qu’iels en ont pensé. Puis elle est rejouée. Encore, encore et encore. Jusqu’à ce qu’iels l’épuisent. Jusqu’à ce qu’elle n’existe plus.

Maestro

Une bande de comédiens s’affronte dans des improvisations pour désigner le ou la meilleur(e) d’entre eux. C’est vous qui décidez du gagnant en notant les scènes ! Maestro est actuellement joué dans plus de 20 pays.

Impro sous Hypnose

Que se passe-t-il lorsque l’on mélange théâtre d’impro et hypnose ? Comment réagissent les comédiens lorsqu’ils doivent jouer sous hypnose ? Des nouvelles contraintes grâce à l’hypnose.

ZE MATCH !

ZE MATCH ! est un véritable gouffre compétitif. Deux clowns se retrouvent à se confronter lors d’un match de tennis. L’enjeu est de taille et ils sont prêts à tout pour la gagne. L’euphorie compétitive va peu à peu bouleverser l’humanité des deux joueurs.

Comment Ca marche

Dans ce spectacle Tim et Mark vont improviser une histoire d’une heure et vous expliquer en même temps les rouages et techniques pour y arriver. Les pensées des improvisateurs sont mises à jour, leurs choix techniques, doutes, découverts et instincts vont être révélés dans ce spectacle ludique, rigolo et surtout pédagogique !

À propos des fondateurs du festival Impro en Seine

Le festival Impro en Seine a été cofondé par Marc Occhipinti et Eduardo Larrain. Ils sont tous deux membres de l’association Satourne, qui réunit une troupe d’improvisateurs et organise des ateliers d’impro et des spectacles, dont Les Dictateurs.

Passionnés et curieux de tout ce que peut offrir et donner à voir et entendre l’improvisation, Marc et Eduardo écument les théâtres et les spectacles d’impro de la scène parisienne. Regrettant souvent que l’impro soit injustement méconnue, ils décident de lancer Canal Impro, une chaîne YouTube pour partager avec le plus grand nombre, des spectacles d’improvisation filmés dans leur intégralité, et ainsi faire connaître les différentes pratiques de ce courant artistique, au-delà du match d’impro.

Aujourd’hui, la chaîne Canal Impro est la principale chaîne d’impro francophone sur YouTube avec près de 3 000 abonnés et 700 000 vues.

Aux origines du festival

Le succès aidant, les 12 heures se sont transformées en 24 heures en 2015, puis en 72 heures en 2016. Grâce à l’engagement de la troupe Satourne, aidée d’une vingtaine de bénévoles tous passionnés d’improvisation théâtrale, le festival connaît année après année un succès grandissant.

La 9e édition du Festival Impro en Seine va encore plus loin, et se déroulera simultanément dans 3 salles, offrant près de 1 000 sièges au total, du vendredi 18h jusqu’au dimanche 22h, avec 84 spectacles au programme.

Informations Pratiques

Découvrir le programme complet : https://improenseine.com/programme/
Réservations : Les pass du Festival Impro en Seine sont disponibles sur Placeminute : https://impro.placeminute.com/event/comedie/festival-d-impro-deparis-9e-edition-en-2022,37461.html
Dates : Vendredi 24, Samedi 25 et Dimanche 26 juin
Horaires : de 18h à 23h (chaque spectacle dure 55 min avec 5 min d’entracte).
Lieu : Théâtre du Gymnase (simultanément dans la Grande Salle, le Petit Gymnase et dans le Studio Marie Bell) - 38, Boulevard de Bonne Nouvelle, 75 010 Paris
Tarif prévente : Pass 3 jours (46,5€) Pass journalier (21,99€) Pass soirée vendredi (20,99€)

Pour en savoir plus

Dossier de presse : https://www.relations-publiques.pro/wp-content/uploads/pros/20220519143025-p3-document-adhg.pdf

Site web : https://improenseine.com/

Facebook :

Festival : https://www.facebook.com/improenseine
Evènement : https://www.facebook.com/events/738863739945939

Instagram : https://www.instagram.com/improenseine/

TikTok : https://www.tiktok.com/@festivalimproenseine

La Tournée des Villages 2022 du 29 juin au 14 août : le théâtre devient une fête itinérante qui s’invite cet été dans les communes des Pays de la Loire pour près de 40 représentations

Assister à un spectacle de théâtre ne devrait jamais être un luxe réservé à quelques citadins privilégiés.

Depuis la Grèce antique jusqu’à nos sociétés contemporaines, en passant par l’époque de Molière, les compagnies théâtrales ont toujours sillonné les routes pour aller à la rencontre de leur public.

Fidèle à cette philosophie, le Théâtre Régional des Pays de la Loire (TRPL pour les intimes) organise la Tournée des Villages, un événement rural et estival unique : chaque année depuis 2006, un spectacle de théâtre est présenté dans les villages éloignés des centres culturels.

Un concept qui rassemble plus de 7000 spectateurs chaque été.

Alors en 2022, pour sa 17ème édition, la Tournée des Villages prend de l’ampleur ! Le TRPL sillonnera 38 communes et villages dans les 5 départements de la région avec 2 spectacles :

L’Avare de Molière – Mise en scène de Camille de La Guillonnière ;
La Vieille Fille de Balzac – Adaptation et mise en scène de Camille de La Guillonnière.

Un événement à ne pas manquer !

Le théâtre est une nourriture aussi indispensable à la vie que le pain et le vin… Le théâtre est donc, au premier chef, un service public. Tout comme le gaz, l’eau, l’électricité.

Jean Vilar

La Tournée des Villages : le théâtre hors les murs au plus proche de son public

Le Théâtre Régional des Pays de la Loire (TRPL) est une compagnie au service du théâtre.

Camille de La Guillonnière a été nommé directeur de cette institution régionale en mars 2021. Depuis, toutes les activités de sa précédente compagnie (Le Temps est Incertain Mais on joue quand même !), dont La Tournée des Villages, sont organisées par le TRPL.

En 2022, la 17ème Tournée des Villages a vu les choses en grand, car deux spectacles seront joués en parallèle : « L’Avare », la création 2022 pour 33 représentations, et « La Vieille Fille », création 2019 pour 5 représentations.

Et pour la première fois, le TRPL jouera dans les cinq départements de la région : Maine-et-Loire, Loire-Atlantique, Vendée, Mayenne et Sarthe.

Le Misanthrope – Tournée des villages 2018

Après 17 ans, l’esprit de la Tournée des Villages reste le même : chaque jour, la troupe arrive dans un village différent avec scène, projecteurs et costumes, mais aussi avec le bar du théâtre et la librairie ambulante.

Les représentations ont lieu au grand air, dans les lieux emblématiques de la vie des villages. Si la soirée est un peu fraîche, de petites couvertures attendent les spectateurs !

Une expérience culturelle conviviale, qui se vit aussi avant et après la représentation

Tout est pensé pour que chacun se sente chez lui et n’oublie jamais que le théâtre est une fête. Ainsi, une heure avant le début du spectacle :

acteurs et actrices accueillent le public costumés ;
ils proposent de déguster les gâteaux cuisinés par leurs soins ;
une bande son, choisie avec précision, prépare le spectateur au spectacle qui l’attend ;
et de grands tapis recouvrent le sol pour rendre les lieux encore plus accueillants.

Après la représentation, les conversations se prolongent au bar du théâtre, autour de la librairie ambulante et les échanges s’engagent entre les spectateurs et les acteurs.

Bientôt, il faut démonter le décor et repartir, car la magie du théâtre réside aussi dans son caractère éphémère et unique… et pour beaucoup, le rendez-vous est pris pour l’année suivante ! Ainsi, chaque année, ce sont près de 7000 spectateurs qui applaudissent cette troupe ambulante.

Une initiative riche de sens

L’hôtel du libre-échange – Tournée des villages 2014

Un engagement culturel

L’objectif de la Tournée des Villages ? Jouer dans des communes éloignées des lieux de diffusion culturelle habituels, en extérieur, et y revenir d’année en année afin de tisser des liens avec les spectateurs. C’est, finalement, retrouver l’essence même du métier d’artiste : « Des hommes qui viennent parler à d’autres hommes, de l’Homme ».

Il s’agit d’un véritable projet de développement culturel, remettant le public au cœur du processus artistique et véhiculant des valeurs humanistes : être et faire ensemble, partager simplement, s’ouvrir aux autres, découvrir, rêver.

Chaque citoyen est sensibilisé au fait qu’il est un élément essentiel de l’acte artistique. Le théâtre en plein air est un moment de rencontre et de convivialité résolument ouvert à tous.

Une démarche artistique

Les comédiens sont intimement convaincus que la troupe fait la force du théâtre et qu’elle est un atout essentiel pour une compagnie. Ils travaillent donc ensemble à partir de pièces de qualité, accessibles au plus grand nombre.

Ils partagent l’envie d’expériences théâtrales collectives, essayant de pousser toujours plus loin leurs recherches sur « l’acteur artisan » et « l’acteur au présent ».

Chaque année, Camille de La Guillonnière attache un soin particulier au choix du nouveau texte dans l’optique de faire découvrir des auteurs, des écritures, des styles différents. Avec la volonté de présenter une vision de plus en plus large de ce qu’est le théâtre et de ce que l’on peut en faire.

Un financement pluriel

La démarche d’hyper décentralisation du TRPL est de jouer partout et de préférence dans des « déserts culturels ».

Nous n’attendons pas que les spectateurs viennent au théâtre, nous allons à leur rencontre !

Aussi, des formules financières d’accueil différentes sont proposées aux communes, en fonction de leurs moyens.

De même, si une commune ne peut pas financer entièrement la venue de la troupe, le TRPL met en place une billetterie libre, au choix des spectateurs : 3€, 6€ ou 10€ la place. Chacun donne ce qu’il veut et ce qu’il peut.

La Tournée des Villages atteint chaque année un équilibre financier grâce aux participations des communes, des spectateurs et au soutien du Département de Maine-et-Loire, de la Région des Pays de la Loire, de la DRAC des Pays de la Loire, ainsi que de l’Agglomération du Choletais et du Département de Vendée par l’aide au fonctionnement accordée à l’année.

Zoom sur les deux spectacles de 2022

L’Avare

Harpagon a tout sacrifié et sacrifie tout le monde en vue d’accumuler les millions dans sa précieuse cassette… Le mariage de ses enfants ne serait qu’un placement de plus, ce qui n’est pas de leur goût ! Les ruses pour déjouer les plans de l’avare se succèdent, créant force scènes rocambolesques, quiproquos et tragédies domestiques.

Durée : 1h50. Tout public, à partir de 8 ans.

Distribution :

Mise en scène : Camille de La Guillonnière
Collaboration artistique : Mathieu Ricard et Jessica Vedel
Costumes : Nelly Geyres
Lumière : Yannick Besson
Harpagon : Camille de La Guillonnière
Cléante : Lise Quet
Élise : Morgane Rebray
Valère : Adrien Noblet
Mariane et La Merluche : Aude Pons
Anselme et La Flèche : Mathieu Ricard
Frosine et Dame Claude : Jessica Vedel
Maître Jacques et Maître Simon : Damien Vigouroux
Brindavoine et Le commissaire : Lucas Martin-Dupré

Photos des répétitions :

La Vieille Fille

Rose-Marie Cormon veut être épousée pour elle-même et non pour ses millions. Mais, l’âge venant, l’urgence transforme le désir en une véritable monomanie. Entourée d’êtres cupides, elle ne trouve pas le bon prétendant. De situations burlesques en tragédie familiale, cinq acteurs portent la langue de Balzac pour en révéler l’humour, la poésie et la force politique.

Durée : 1h30. Tout public, à partir de 8 ans

Distribution :

Adaptation et mise en scène : Camille de La Guillonnière
Collaboration artistique : Jessica Vedel
Costumes : Nelly Geyres
Lumière : Emmanuel Drouot
Avec : Jacques Hadjaje, Frédéric Lapinsonnière, Clara Mayer, Erwann Mozet et Pélagie Papillon.

Photos du spectacle :

Le calendrier des représentations

Mercredi 29 juin – Cantenay-Épinard (49) – L’Avare
Jeudi 30 juin – Feneu (49) – L’Avare
Vendredi 01 juillet – Mortagne-sur-Sèvre (85) – L’Avare
Samedi 02 juillet – Mûrs-Érigné (49) – L’Avare
Dimanche 03 juillet – Écouflant (49) – L’Avare
Lundi 4 juillet – Doué-en-Anjou (49) – La Vieille Fille
Mardi 5 juillet – La Séguinière (49) – La Vieille Fille
Mercredi 06 juillet – Maulévrier (49) – L’Avare
Jeudi 07 juillet – Soulaines-sur-Aubance (49)
Jeudi 7 juillet – Congrier (53) – La Vieille Fille
Vendredi 08 juillet – Candé (49) – L’Avare
Vendredi 8 juillet – Avrillé (49) – La Vieille Fille
Samedi 09 juillet – Saumur (49)
Samedi 9 juillet – Champtoceaux (49) – La Vieille Fille
Dimanche 10 juillet – Les Rosiers sur Loire (49) – L’Avare
Mercredi 13 juillet – La Gaubretière (85) – L’Avare
Jeudi 14 juillet – Mallièvre (85) – L’Avare
Vendredi 15 juillet – La Suze/Sarthe (72) – L’Avare
Samedi 16 juillet - La Poueze, commune d’Erdre-en-Anjou (49) – L’Avare
Mercredi 20 juillet - Chateauneuf sur Sarthe, commune des Hauts d’Anjou (49) – L’Avare
Jeudi 21 juillet – Mesquer (44) – L’Avare
Samedi 23 juillet – Nozay (44) – L’Avare
Dimanche 24 juillet – Piriac-sur-Mer (44) – L’Avare
Mercredi 27 juillet - St Jean des Mauvrets commune des Garennes-sur-Loire (49) – L’Avare
Jeudi 28 juillet - Vernoil le Fourrier (49) – L’Avare
Vendredi 29 juillet – Fontevraud l’Abbaye (49) – L’Avare
Samedi 30 juillet – Seiches-sur-le-Loir (49) – L’Avare
Dimanche 31 juillet -Soulaire et Bourg (49) – L’Avare
Mercredi 03 août – Villevêque (49) – L’Avare
Jeudi 04 août - Saint-Sylvain-d’Anjou, Commune de Verrières en Anjou (49) – L’Avare
Vendredi 05 août - Vihiers, Commune de Lys Haut Layon (49) – L’Avare
Samedi 06 août – Asnières-sur-Vègre (72) – L’Avare
Dimanche 07 août -Pouancé, Commune d’Ombrée d’Anjou (49) – L’Avare
Mercredi 10 août – Briollay (49) – L’Avare
Jeudi 11 août – Le Thoureil (49) – L’Avare
Vendredi 12 août – Le Plessis-Macé (49) – L’Avare
Samedi 13 août – Grez-Neuville (49) – L’Avare
Dimanche 14 août – Cheffes (49) – L’Avare

A propos du Théâtre Régional des Pays de la Loire (TRPL)

Le Théâtre Régional des Pays de la Loire est une compagnie au service du théâtre accueillie à Cholet (49), à l’Espace Jean Guichard. Depuis sa fondation il y a 50 ans, le TRPL a toujours eu pour vocation de servir la décentralisation théâtrale.

Le TRPL a aussi une présence nationale : chaque année, ses spectacles tournent dans tous les théâtres de France. La compagnie a à cœur de partager plus qu’une représentation avec le public et organise toute l’année des actions culturelles : stages pour les amateurs, ateliers pour les scolaires, prêts de costumes, spectacles mêlant amateurs et professionnels…

En jouant en plein air, en proposant des stages, en intervenant en milieu scolaire, en partageant le plateau avec des amateurs, les acteurs participent à ce que le théâtre soit une fête où toutes et tous sont invité·e·s !

Ce sont les valeurs humanistes des auteurs et la force poétique des textes qui guident principalement les choix de création. Voici ainsi les pièces montées par Camille de La Guillonnière et présentées en Tournée des Villages depuis 2006 :

2006 et 2007 : L’Orchestre de Jean Anouilh (1962, France)
2008 : Après la pluie de Sergi Belbel (1993, Espagne)
2009 : Tango de Slawomir Mrozek (1965, Pologne)
2010 : La Noce de Bertolt Brecht (1919, Allemagne)
2011 : À tous ceux qui de Noëlle Renaude (1995, France)
2012 : Le Théâtre Ambulant Chopalovitch de Lioubomir Simovitch (1985, Serbie)
2013 : La Cerisaie d’Anton Tchekhov (1904, Russie)
2014 : L’Hôtel du Libre-Échange de Georges Feydeau (1894, France)
2015 : Cendrillon de Joël Pommerat (2011, France)
2016 : Mille francs de récompense de Victor Hugo (1866, France)
2017 : Danser à Lughnasa de Brian Friel (1990, Irlande)
2017 : (En salle) Eugénie Grandet ou l’argent domine les lois, la politique et les mœurs d’après l’œuvre d’Honoré de Balzac (1833, France)
2018 : Le Misanthrope de Molière (1666, France)
2019 : La Vieille Fille d’après l’œuvre d’Honoré de Balzac (1837, France)
2020 : Je vous parle de Jérusalem d’Arnold Wesker (1960, Royaume-Uni)
2021 : Maestro d’après Xavier-Laurent Petit (2005, France)
2022 : L’Avare, de Molière (1668, France)

Portrait de Camille de La Guillonnière, directeur du Théâtre Régional des Pays de la Loire

Le metteur en scène et directeur du TRPL

Le dramaturge et comédien

Passionné de littérature et « du roman au théâtre », Camille de La Guillonnière adapte régulièrement des romans pour ses propres mises en scène, dont Eugénie Grandet et La vieille fille de Balzac, et Maestro de Xavier-Laurent Petit. Ses sujets de prédilection sont l’argent et la famille, des thèmes qu’il explore avec une ligne artistique empreinte de simplicité.

Pour en savoir plus

Site web : https://trpl.fr/le-trpl/la-tournee-des-villages/

Facebook : https://www.facebook.com/theatreregionaldespaysdelaloire/

Instagram : https://www.instagram.com/trpl_cholet/

Nouveau à Paris : en 2022, l’auteur de comédies à succès Fabrice Blind sera programmé toute l’année au Théâtre Montmartre Galabru

Une comédie différente chaque mois, tous les mardis à 21h30

Et si on disait stop à la morosité, au stress et à la sinistrose ambiante ?

En 2022, le théâtre Montmartre Galabru à Paris, dans le 18ème, innove avec une formule inédite : une pièce différente d’un même auteur programmée chaque mois tous les mardis à 21h30.

Il ne s’agit pas de n’importe quel auteur : Fabrice Blind est le co-auteur de 20 comédies à succès dont une dizaine se jouent actuellement dans toute la France, dont la plus célèbre « Mon colocataire est une garce » est en représentation depuis 21 ans.

Ses 3 nouvelles créations “Fan Club”, “Mon père cet escroc” et “La Folle histoire du couple” seront jouées pour la première fois à Paris.

Un must à offrir et à s’offrir pour s’évader chaque mois et passer de très bons moments à petit prix : 90 € pour les 8 comédies (ou à partir de 15,50 € par comédie).

Pour réserver, c’est ici : https://linktr.ee/ComediesBlindParis

Une comédie par mois pour avoir le smile toute l’année

En janvier : Fan Club

« Sosies », de Johnny, Michel Sardou et Claude François, ils sont engagés sur une méga tournée, après des années de galère, entre foires et supermarchés. Dans trois heures, c’est leur première, ça devrait être le bonheur… Mais entre les sosies, c’est la guerre ouverte. Ajouter à cela un pompier de service qui se mêle de tout et grimpe au hitparade du super emmerdeur. Alors que Johnny Wok’n’roll et Michel Sordou attendent Claude Franchois qui n’arrive pas… La tension monte.

Coups bas, révélations, mesquineries, à deux doigts du « succès », rien ne les arrête. Ils vont aller jusqu’au bout. Ce soir c’est LEUR soir… Mais Cloclo, n’est toujours pas là… Une comédie hilarante, parfumée aux chansons que vous aimez, juste pour vous rendre heureux.

Février : Embrasse-moi Idiot

Une amitié romantique, une histoire, votre histoire, une pure comédie Anglaise… À la Française !

Annabelle, célibataire, bavarde, créatrice de coussins, un rien décalée… Rémi, vétérinaire, allergique, un rien conventionnel… Une rencontre inattendue, une amitié naissante.

Oui mais… Peut-on tomber amoureux de son meilleur ami ? Doit-on coucher avec sa meilleure copine ? Les hommes et les femmes peuvent-ils être amis sans arrières pensées ?

Une histoire drôle, tendre et tumultueuse. Des reproches, des trahisons, des liaisons, des espoirs, un mariage, un quai de gare…

Mars : La folle histoire du couple

Comment auriez-vous vécu votre vie de couple à une autre époque ? Vos disputes seraient elles les mêmes en 1950 ? Vos enfants seraient-ils aussi chiants au moyen-âge ? Et votre belle-mère serait-elle plus sympa sous l’antiquité ?

Que ce soit dans le futur ou à la préhistoire être en couple n’a jamais été simple.

Avril : Mon père cet Escroc

Ils ne se sont pas vus depuis 45 ans. Jacques n’a pas élevé son fils.

La cohabitation va être difficile. Hubert est comptable, rigide, célibataire coincé dans une vie monotone et surtout rancunier. Jacques est jovial, cavaleur, roublard et déborde de projets farfelus. Hormis leurs gênes, tout les sépare. L’ambiance est explosive jusqu’à l’arrivée de Morgane, une charmante voisine envahissante, qui va les aider à s’apprivoiser l’un l’autre. Peut-être même un peu trop… Le trio s’embarque dans une magouille de haute voltige.

Des personnages attachants. Une comédie hilarante pleine de rebondissements.

Mai : Mon colocataire est une garce

Nadège vient réveiller le quotidien d’Hubert. Séduction et humour au rendez-vous ! Nadège est jolie et manipulatrice. Hubert est naïf, timide et a la libido d’une laitue. Elle vient réveiller le quotidien de ce vieux garçon avec une pincée de sexe, un zeste de séduction et une bonne dose d’humour. Ensemble, ils vous réservent une histoire moderne, décapante où les répliques mémorables fusent dans un face à face irrésistible.

Octobre : Une envie Folle

Elle a une envie folle et pour eux l’enfer va commencer… Avoir un enfant ce n’est pas facile, mais quand on s’y met à trois, ça l’et encore moins ! Juliette, menteuse, usurpatrice mais sexy en diable, débarque dans la vie paisible de Jean et Quentin pour une arnaque de Haute voltige !

Novembre : Le casting de ma vie

Une réactualisation d’une comédie à succès. Francine, une provinciale en quête de succès, va à la rencontre de Frank, producteur parisien, aussi séduisant qu’impitoyable.

Tout les oppose, pourtant le casting qu’il s’apprête à expédier va prendre une autre tournure… Elle pensait avoir 10 minutes pour le convaincre, elle aura toute la nuit !

D’aventures en quiproquos… Une comédie hilarante à déguster aux petits oignons !

Décembre : Mon colocataire est encore une garce

Hubert, la quarantaine, célibataire sympathique et débonnaire vient d’acquérir grâce à un héritage un petit appartement à Paris. Mais la locataire actuelle, Sasha, jolie jeune femme très sexy, n’est pas vraiment disposée à partir. Elle y héberge aussi Luigi, son fiancé, escroc abruti et narcissique, qu’elle fait passer très vite pour son frère. Les galères commencent alors pour Hubert, qui, naïf, ira de déboires en surprises avec ses deux colocataires…

Quiproquos et rebondissements en rafale pour une comédie moderne et désopilante !

Fabrice Blind, auteur prolifique de pièces à succès

Il y a une cinquantaine d’années… (On n’en dira pas plus) naissait le petit parisien Fabrice.

Après des études un peu laborieuses, il tourne dans un premier téléfilm à 15 ans « Vivre ma vie » et devient également animateur de radio pendant 10 ans sur la radio Ado Fm. À 27 ans, il décide de monter sur les planches pour un One Man show programmé au Point Virgule.

À la fin du siècle précédent, il commence à écrire et jouer des pièces à succès, dont la fameuse comédie « Mon colocataire est une garce » vue par 1 million de spectateurs.

Il est aujourd’hui l’auteur d’une vingtaine de pièces jouées dans des grands théâtres parisiens (Le Palais des Glaces, le Théâtre La Bruyère, La Comédie de Paris…) Ses dernières pièces « Betty’s Family » avec Véronique Genest, « Mon père, cet escroc », « Fan Club » et bientôt «Femme Club» sont actuellement programmées dans toute la France jusqu’en 2023.

Au cinéma, on l’a vu dans « Recto Verso » de Jean Marc Longval, « Bouquet Final » de Michel Delgado et dans les séries « Code Barge » sur TF1 et « Vive la crise » sur la chaîne comédie ! avec Anne Roumanoff…

Pour en savoir plus

Dossier de presse : https://www.relations-publiques.pro/wp-content/uploads/pros/20211214131414-p7-document-nwds.pdf

Site web : https://linktr.ee/ComediesBlindParis

Facebook : https://fr-fr.facebook.com/theatremgalabru/

LinkedIn : https://fr.linkedin.com/in/christelle-rizzuto-120776112

Le Festival des Tragos, dédié au théâtre de plein air, se déroulera à Cavalaire-sur-Mer du 6 juillet au 28 août

Le plus ancien et le plus long Festival de Théâtre de plein air en Europe

Après deux mois de confinement, d’isolement et de manque de culture, c’est parti pour 2 mois d’émotions, d’éclats de rire, de découvertes et de plaisir !

Alors que nous avons plus que jamais besoin de retrouver la liberté du verbe et du geste, le maintien du Festival de Théâtre des Tragos est une vraie bonne nouvelle pour tous les amoureux.ses du spectacle vivant.

Et cette année, la qualité de la programmation est à la hauteur des enjeux ! Pour sa 43ème édition, le Festival a vu les choses en grand…

Cet été, du 06 juillet au 28 août, Cavalaire-sur-Mer (la Ferme de Pardigon, 83240) va vibrer au rythme de spectacles de grande qualité.

Un événement culte qui séduit toujours autant le public

En 2019, plus de 10 000 spectateurs sont venus voir les 6 spectacles par semaine proposés durant deux mois.

Le festival des Tragos, fondé par la Compagnie du même nom, est en effet un événement rituel et incontournable de la côte Varoise depuis 43 ans.

Il a vu passer de nombreuses célébrités :

Romain Bouteille (2002, 2003, 2010)
Les Bodin’s (2003)
Richard Bohringer (2010, 2011, 2012)
Jean-Claude Drouot (2011)
BP Zoom (2012)
Patrick Haudecoeur (“Thé à la menthe ou t’es citron ?”…)
Les Chiche Capon (2012, 2013, 2014, 2017)
Bruno Fontaine (Elias de Kelliwic’h, Grand Enchanteur du Nord, Meneur des Loups de Calédonie…etc, Kaameelot)
Vincent Roca (Prix Raymond Devos 2011, chroniqueur pendant 11 ans sur France-Inter, “Le fou du roi »)
Frédéric Blin (Estève, le neveu de Raymond & Huguette dans “Scénes de Ménage »)
…

…qui viennent profiter de l’été et de leurs vacances pour retrouver le contact avec un public de connaisseurs. Il n’est pas rare d’assister à de véritables perles totalement inédites et qui se font ensuite un succès international.

Une formidable programmation pour un été haut en couleurs

Les Bonniches, de Daniel Besse

Par la Compagnie de Tragos

Trois acteurs en tournée, logés dans un hôtel de la zone industrielle, découvrent que les autres comédiens résident dans un palace du centre-ville, en face du théâtre. Ces trois infortunés se demandent la raison de cet ostracisme. Sont-ils victimes d’une injustice ou sont-ils méprisés en tant que petits rôles ? Partagés entre la soumission et la révolte, ils ressassent leurs rancœurs. La serveuse, bienveillante et sensible, leur rendra-t-elle confiance en eux ?

Dates : 6, 17 et 25 juillet à 21h30 / 2 et 7 août à 21h30 / 20 et 25 août à 21h

Pièces en un acte, de Sacha Guitry

Par l’Atelier théâtre de l’OMC de Cavalaire

Les courtes pièces de Guitry nous transportent vers une fantaisie débridée, en ne manquant aucune station : Personnages, Dialogues, Rythme, Originalités, Trouvailles, Finesses, Rebondissements… pour arriver à la destination finale : Rires ! Pour Sacha, les rires, c’étaient les répliques du public, partenaire invisible mais ô combien vital.

Sens du dialogue, ping-pong rapide, incisif, les mots rebondissent, jouent entre eux, s’assemblent, se séparent… même les phrases les plus quotidiennes sont épicées, saupoudrées d’intelligence et d’humour… bref, des mots simples pour exprimer des émotions vraies. D’un rien, Guitry vous fait un tout. Il est l’esprit français dans toute sa splendeur. Séduire et réussir à divertir autant, cela tient du génie.

Dates : 7 et 11 juillet à 21h30

Où sont nos rêves ? de Florence Grillot

Par l’Atelier théâtre de l’OMC de Cavalaire

Neuf femmes sont internées dans un asile-prison. Sont-elles prisonnières des murs qui les entourent, ou d’elles-mêmes ? Qu’ont-elles-fait de leurs rêves ? À quel moment tout a basculé ?… La fatalité ?… Pour les unes, l’impuissance de l’enfance malmenée, pour les autres le choix d’une route périlleuse.

Folie, trahison : Elles racontent et se racontent. Pour ne pas sombrer. Pour comprendre pourquoi elles en sont arrivées là. Pour espérer peut-être une rédemption. Et peu à peu le brouillard se dissipe, l’horizon s’éclaircit, jusqu’à faire apparaître au loin, au bout de leur rêve : une île.

Dates : 8 et 12 juillet à 21h30

L’Epidémie, d’Octave Mirbeau

Par la Compagnie de Tragos

En préambule, sachez que le choix de cette pièce a été fait à l’automne 2019, bien avant la pandémie que nous connaissons ! Terriblement d’actualité donc, cette pièce de 1898 éditée dans le recueil de l’auteur « Farces et moralités » est une critique féroce de la société bourgeoise de son époque, par le biais d’un humour… très corrosif !

Le sujet : Un conseil municipal est réuni car une épidémie de typhoïde commence à frapper les casernes et les quartiers pauvres de la ville. Totalement insensibles au sort des militaires et des pauvres, les conseillers refusent tous les crédits destinés à l’assainissement de la ville…

La pièce adaptée ici façon Enki Bilal, stylisée et chorégraphiée, devient intemporelle, et montre le ridicule de la nature humaine face à la peur et à l’inconnu.

Dates : 10, 16, 23 et 31 juillet à 21h30 / 10 août à 21h30 / 21 et 27 août à 21h

Burlingue, de Gérard Levoyer

Par la Compagnie de Tragos

Jeannine Famechon et Simone Courlier, deux employées modèles, collègues depuis des années, partagent le même bureau et la même ambition : plaire au directeur…L’une célibataire, mordant la vie à pleines dents, vouée au romantisme et à la recherche du Prince Charmant… dissimule sa solitude derrière une solidarité féminine…L’autre, mère de famille, pieuse et enviable, cache sa propre détresse derrière l’image de la parfaite respectabilité…

Astreintes, jour après jour, à des tâches simples et répétitives, elles entrent en conflit pour une simple gomme que l’une possède et dont l’autre a besoin. Ce conflit absurde, symbole de toutes les luttes de pouvoir, d’ambition et de désir, dégénère au point de devenir un affrontement terrible, féroce, inexorable…

Comédie drôle et décalée, Burlingue nous met face aux meilleurs et aux pires aspects de la nature humaine dans sa quête de supériorité. De l’appréciation jusqu’à la haine, en passant par la confiance, la manipulation, la jalousie et les mensonges, Burlingue nous offre une vision terriblement actuelle des rapports humains contemporains. Un moment de pure comédie qui explore, en même temps, la véracité de nos valeurs modernes…

Dates : 13 et 27 juillet à 21h30 / 3 août à 21h30 / 23 août à 21h

Don Quichotte, d’après Miguel de Cervantès

Par la Compagnie Lazzissimo (Lyon)
Adaptation et mise en scène : Emmanuel Seignez et Pépino
Musiques : Pépino

Parce qu’il a lu trop de romans de chevalerie, don Quichotte a perdu la raison : il est persuadé que le monde est peuplé de chevaliers errants et d’enchanteurs maléfiques. Comme dans ses livres préférés, il veut rendre la justice et combattre pour l’honneur de sa dame. Accompagné de Sancho Panza, son fidèle écuyer, il part sur les routes d’Espagne en quête d’aventures, prenant des auberges pour des châteaux et des paysannes pour de belles princesses ! Avec son roman, Cervantès a réussi à faire d’un vieux fou à l’imagination débordante et de son valet un couple mythique.

Au-delà des événements anecdotiques connus de tous, cette adaptation retrace une longue et véritable épopée, drôle et extravagante.

Dates : 15, 21 et 29 juillet à 21h30 / 5 et 11 août à 21h30 / 19 et 26 août à 21h

L’autoportrait

De et par la Compagnie Momenta (Miramas-13)

Une galerie de peinture, jour de vernissage. Lola Lalo, artiste ambitieuse, prépare discours et champagne mais stupeur : son autoportrait, clou de l’expo, prend la parole ! Entre querelle philosophique et dispute entre nanas, entre créatrice et créature, qui l’emportera ?

L’Autoportrait est un débat de l’artiste, ou du créateur, avec son double. L’utilisation de la vidéo a permis de donner vie à ce personnage imaginaire, et crée un pont entre les arts visuels, classiques et modernes. L’auteur a fait le pari d’un texte recherché, alliant culture classique et second degré. Sans volonté de faire la morale ou de prétendre tout expliquer, il préférera clore un débat pontifiant par un jeu de mot ou une pirouette.

« Un texte intelligent, pointu et finement ciselé, interprété de manière magistrale.» La Provence

« Pur plaisir que de goûter à cet autoportrait étonnant et au jeu exceptionnel de son modèle, Anne-Laure Denoyel, formidable de précision. » Revue Spectacles

Date : 18 juillet à 21h30

Cochons d’Inde, de Sébastien Thiéry

Cette comédie passe au vitriol les conséquences sociales de la mondialisation avec un humour décapant.

Quand Monsieur Kraft, 49 ans, agent immobilier aisé, vient effectuer un retrait à sa banque, il ne se doute pas une seconde que l’établissement a été racheté par un groupe indien et qu’un véritable cauchemar l’attend. Non seulement il ne peut pas retirer les espèces dont il a besoin, mais il ne peut plus ressortir de la banque : le sas est commandé depuis New Delhi qui refuse obstinément de le libérer…

S’enrichir, c’est « changer de caste », ce qui est contraire aux lois indiennes. Comme un insecte dans un bocal, il se débat, luttant en vain contre un monde devenu complètement absurde, confronté à un guichetier des plus étranges et une banquière à l’esprit plus blindé que ses coffres…

Cochons d’Inde est un petit bijou d’humour et d’absurde, qui délivre son venin avec une finesse redoutablement efficace. Cette comédie, créée en 2008, a reçu le Molière de la meilleure pièce comique !

Dates : 19 et 26 juillet à 21h30 / 16 et 24 août à 21h

Les Murs ont des Oreilles

Par La Troupe du Rhum et Les Feuilles d’Or (Villeneuve-Loubet – 06)

Une comédie d’après Gildas Bourdet, Frédéric Sabrou, Karl Valentin, Raymond Devos, Les Vamps et même un certain Victor Hugo !

Les murs ont des oreilles, Madame Lureau en sait quelque chose. Madame Lureau, concierge de son état nous entraîne au cœur de son immeuble où elle épie, traque, surveille chacun de ses voisins.

Grâce à elle, nous entrons, sans en avoir les clés, dans la vie intime de chacun, chacune. Et tendant l’oreille aux murs de cet immeuble qui est “sens dessus dessous”, nous jubilons de découvrir que ce qui n’arrive qu’à moi, n’arrive qu’aux autres aussi !

Cette comédie originale rassemble dans un même immeuble une galerie de voisins créés de toute pièce par des auteurs d’horizons différents.

Ainsi nos oreilles auront le plaisir d’écouter les œuvres de : Gildas Bourdet avec « Voyage de Noces » et « La Loge P38 », Frédéric Sabrou avec « Le Courrier du Matin », Karl Valentin avec « La Sortie au Théâtre », Raymond Devos avec « Ça n’arrive qu’à moi », « Sens dessus dessous », « Sévère mais juste », « A tort ou à raison », Les Vamps avec « Au Balcon » et Victor Hugo avec « Le Mot ».

Date : 20 juillet à 21h30

Les Marie(s) HD, « Merci de nous en excuser ! »

Création burlesque et musicale par la Compagnie Les Z’arts Bleus
Avec Marie-Hélène Brunet et Dédeine Volk-Léonovitch – Durée : 1h14

Pétries de verve, de fougue et de mauvaise volonté, les Marie (s) HD (Ma Riache, et Mama Rideine) vous offrent une palette de chansons interplanétaires, théâtralement clownesques, et potentiellement déjantées !… De chanson équivoque en chanson d’amour… de rap culinaire en rengaines absurdes, vous traverserez 74 mn de folie douce, sensible et acharnée ! … bientôt remboursé par la Sécu…

« Dans un monde où le gris domine, notre mission (nous l’avons acceptée !) est de réjouir sur notre passage ! Notre combat, arracher des rires aux plus taciturnes, faire applaudir les manchots, se lever les paraplégiques ! Nos moyens, chanter ! Chanter des sujets qui nous touchent ou nous inspirent…pour ça tous les moyens sont bons, détourner des chansons existantes, emprunter des musiques, les bousculer, les triturer, ou pire composer nous-même paroles et musiques ! Car rien ne nous arrête, rien ne nous fait peur ! »

« Le nouveau duo musical et burlesque, les « Marie’s HD » a fait un tabac… »

Date : 24 juillet à 21h30

Un Jour au fond des Mers

Spectacle musical à partir des textes de Bernard Dimey par Bande d’Art et d’Urgence (Villeurbanne – 69)

« Dans les bistrots des quartiers de Paris, à l’époque où l’on chantait rarement pour ne rien dire, Bernard Dimey, parolier de génie, fut l’auteur d’une oeuvre poétique foisonnante qui est loin de se réduire au succès de quelques grands tubes courant encore dans les rues. Dans “Un jour au fond des mers”, la comédienne et chanteuse Christine Brotons, accompagnée par une accordéoniste, fait revivre ses textes de façon particulièrement convaincante en les jouant, les disant ou les chantant avec un humour communicatif, subtilité et talent. Ce spectacle fortement original dresse le portrait intime d’un auteur et surtout d’un homme débordant de tendresse pour nos frères humains. » Le Crestois

Montand, Aznavour, Gréco, Salvador sont quelques-uns des interprètes à s’être emparés des textes de Bernard Dimey. Des textes qui chantent et exaltent l’alcool, l’amour, le temps qui passe, le mal de vivre joyeux de ce grand poète. Découvrez maintenant Christine Brotons !

Date : 28 juillet à 21h30

Cyrano Project, d’après Edmond Rostand

Par la Face Nord Compagnie

« Cyrano qui est laid aim’ la belle Roxane / qui aim’ le beau Christian et qui l’aim’ en retour…/ Mais bien plus que le beau, Roxane aime les mots / et Christian ne sait dire… que ceux de Cyrano !

Mythe légendaire, tragédie grecque, épopée lyrique, maudit trio racinien, hymne libertaire révolutionnaire… ce drame romantique de mille six cents vers, tous sublimes, est décidément l’un des chefs (d’œuvre) de file atemporelle de tous les genres… Et fichtre qu’il était pour cela périlleux de prendre le pari de monter cette pièce sacrée… seul en scène ! Et fichtre pourtant que c’est réussi ! »

« Avec trois fois rien mais l’essentiel, une mise en scène terriblement juste et efficace, il ne manque rien : les personnages, les décors, la brume sur le champ de bataille et… l’émotion bouleversante… tout y est !

Certes l’acteur est époustouflant… et d’autant plus crédible paradoxalement qu’il fait là du théâtre comme lorsqu’on a quinze ans : à fleur de peau, avec fièvre, foi, fulgurance, grâce et… panache ! « À la fin de chaque envoi », il touche… au beau milieu du cœur. C’est sidérant et magnifique. »

Stéphanie Ledjam – directrice du Centre Culturel L’Allegro – Miribel (01)

Date : 1er août à 21h30

La Perruche, comédie de Audrey Schebat

Par la Compagnie Chenevoy (Crepy en Valois – 60)

Elle et lui attendent des amis pour le dîner, mais ceux-ci n’arriveront jamais… S’agit-il d’un accident, d’une séparation, d’un cambriolage ? À chercher les raisons de cette absence, l’homme et la femme se disputent au sujet du couple de leurs amis.

Naturellement, la femme prend la défense de son amie Catherine et l’homme de son collègue David. À confronter leurs visions radicalement opposées, ils provoquent les révélations intimes, remettant en cause les fondements de leur propre mariage.

Round après round, les retournements de situation et rebondissements mènent le match pour nous offrir un huis clos rythmé, pimenté et jouissif.

Date : 4 août à 21h30

Un Week-end sur deux et la moitié des vacances scolaires

Comédie de Jean Franco et Guillaume Mélanie
Par la Compagnie Sophie (Angers – 49)

Jules (huit mois) est un enfant chanceux. Il a une maman et deux papas ! Julie, la mère du nourrisson, a décidé de réunir les hommes de sa vie pour une semaine de vacances. Julien, le beau-père, et Antoine, le père biologique, vont se forcer à cohabiter une semaine dans une villa en bord de mer pour le “bien de l’enfant” comme ils disent dans les livres !

Mais si le bébé est heureux et passe son temps à gazouiller, les adultes se comportent comme des enfants et, entre les papas et la maman, l’ambiance va bientôt devenir explosive… La cohabitation promet d’être rock’n roll et les vacances de rêve vont tout naturellement se transformer en pur cauchemar ! Et pourtant…

Dates : 8 et 9 août à 21h30

Opus Ultimus

Création des Chiche Capon

Voilà enfin le tout dernier spectacle des Chiche Capon avec un titre prémonitoire : Opus Ultimus, parce que c’est irrémédiable et que tout à une fin ! De la à penser que ce spectacle pourrait être le dernier du quatuor il n’y a qu’un pas ! Après presque 20 ans (Ils les fêteront en 2021) de tournée à travers le monde et pas moins de 5 spectacles on pourrait s’y attendre mais qui sait ?

Les voilà donc sur le chemin du questionnement ontologique dans un spectacle introspectif !
Ils se réunissent pour se parler, pour parler d’eux pour parler du groupe …

On les découvre sous un jour qu’on ne leur connaissait pas. Comme s’ils avaient pour l’occasion posées les armes pour se montrer sous le nez rouge. Ricardo est un peu essoufflé, Fred a toujours de l’ambition, Mat et Pat quant à eux ont des préoccupations plus terre à terre ! Ils se dévoilent tour à tour, nous montrent leurs secrets, nous invite dans leurs intimités… Et puis s’en vont comme s’ils n’allaient jamais plus revenir…

Dates : 12, 13 et 14 août à 21h30

Vincent Roca de A à Z

« Vincent Roca de A à Z », comme son nom l’indique est un chemin qui va… de A à Z. Mais un chemin comme ceux que l’on emprunte pour faire l’école buissonnière… alors pour s’affranchir de l’ordre alphabétique, une personne du public, choisie comme il se doit fortuitement, jouera le rôle du Hasard, avec sa H pour trancher et son d pour jouer. Et c’est cette personne qui décidera de l’ordre des lettres et donc, de l’ordre des séquences.

Un abécédaire aléatoire, en somme. Une excursion dans la langue française, ou notre héros, balloté par les mots, se prend les pieds dans les cédilles, se rattrape aux apostrophes, crochète les parenthèses qu’il referme soigneusement après digression, un chemin en phrase campagne, avec croisement de sens, ronds-points d’interrogation et accotements joyeusement déstabilisés…

« Phrases à double sens, jeux du langage, émotion et drôlerie, pirouettes autour du verbe en bandoulière, Vincent Roca excelle dans tous ces domaines. En maître de cérémonie du burlesque, il sait mettre le public dans sa poche, et la salle en redemande. » La Provence

« Vincent Roca est un esthète des mots, un épicurien des formules, des associations d’idées et de mots. L’humour et l’émotion s’épousent et se mêlent pour la plus grande joie du public présent qui, au fil de la soirée, est ravi, enchanté, subjugué. » JJ Terosiet, Le Dauphiné

Dates : 17 et 18 août à 21h

Final le 28 août

Pour en savoir plus

Site web : https://tragos.fr

Brochure du festival : Brochure Festival des Tragos

Facebook : https://www.facebook.com/pages/category/Arts—Entertainment/Festival-des-Tragos-472826805354/

Instagram : https://www.instagram.com/festivaldestragos/

Spectacle musical pour enfants : “Scarlett”, le conte féerique qui aborde l’autisme et la différence, va à la rencontre de tous les enfants handicapés ainsi que dans les théâtres pour sensibiliser le plus grand nombre à ces thèmes

Alors que le nombre d’enfants en situation de handicap ne cesse d’augmenter (source), et que 15 % des 12,3 millions de patients hospitalisés sont des enfants de moins de 18 ans (source), comment agir pour leur apporter un peu de rêve, d’évasion et de magie ?

Et comment faire pour les aider à mieux vivre cette “différence”, à un âge où on a surtout envie de ressembler aux autres ?

Une jeune compagnie de théâtre, Jérôme&Marie, s’est lancée dans une aventure un peu folle mais tellement essentielle : apporter le théâtre aux enfants qui ne peuvent pas se déplacer. Leur faire connaître ces émotions qui font vibrer et cette poésie qui emporte loin du quotidien.

Dans les hôpitaux, dans les IME (instituts médicaux éducatifs), dans les centres spécialisés, dans les orphelinats… ils vont jouer une pièce intemporelle : “Scarlett”, un spectacle musical pour enfants qui aborde l’autisme et la différence.

Jérôme&Marie lancent un appel aux responsables de ces établissements pour donner à tous les enfants, quels qu’ils soient, la possibilité de profiter de ce beau spectacle qui tourne depuis un an. Scarlett est d’ailleurs en représentation au Théo Théâtre (Paris 15) du 07 octobre au 19 décembre ainsi qu’à l’espace Wewelcome à Lagny-sur-Marne les 14 et 28 octobre.

La bande-annonce « Scarlett » : https://vimeo.com/307015829

La création d’un petit théâtre itinérant qui s’adapte à tous les publics

Un hôpital, un orphelinat, ou un centre d’accueil ne sont pas des établissements comme les autres.

Alors pour que le rêve devienne enfin réalité, Jérôme&Marie ont imaginé un mini-théâtre mobile, totalement autonome, qui se réinvente et s’adapte à toutes les situations.

“Scarlett” n’a besoin que d’un peu d’espace et surtout du regard émerveillé des enfants pour exister, la compagnie se charge du reste !

Après une levée de fonds réussie sur KissKissBankBank, Jérôme&Marie disposent désormais de leur propre camionnette pour embarquer les décors, les poupées, les lumières du spectacle, le son… et les artistes !

Techniquement autonome, la compagnie créée à chaque fois des représentations uniques. Le spectacle est en effet très interactif et spontané, pour être personnalisé en fonction des enfants.

Marie Maillot De Corte, jeune musicienne et co-fondatrice de la compagnie, souligne :

Aujourd’hui, nous sommes prêts à partir à la rencontre de tous les enfants qui n’ont pas la chance de pouvoir se déplacer pour aller au théâtre. Plusieurs responsables d’établissements nous ont déjà contacté mais nous sommes ouverts à l’ajout de nouvelles dates ! Nous voulons vraiment que “Scarlett” apporte du rêve à tous.

Scarlett a d’ailleurs été élu meilleur spectacle 2020 pour enfants par Les Shakespeares.

Un appel aussi aux théâtres

Pour Jérôme&Marie, il est essentiel de jouer aussi dans les théâtres pour sensibiliser tous les enfants à la différence. La vraie magie, c’est la différence, c’est elle qui fait grandir.

Sensibiliser, c’est aussi prendre le temps de l’échange, avant et après la représentation. Ils sont donc volontaires pour intégrer les partenariats existants ou même réfléchir à la mise en place de nouveaux espaces de parole.

Les théâtres comme liens vers l’extérieur. Cette année, c’est grâce aux théâtres qui leur ont fait confiance qu’ils ont pu inviter et faire découvrir « Scarlett » à un maximum de structures spécialisées, et ainsi offrir du rêve aux enfants en situation de handicap.

Pour la saison 2020/2021, déjà deux théâtres les programment de nouveau. Le Théo Théâtre (Paris 15) et l’espace Wewelcome (Lagny-sur-Marne, 77).

Pour tout savoir sur leur actualité : https://www.jerome-et-marie.fr/actualites

Un pur moment de poésie

L’histoire raconte le voyage de Scarlett qui vit au Pays d’Arc-en-Ciel. Scarlett est tout en noir et blanc dans ce monde tout en couleurs, alors tous les enfants se moquent d’elle : “Scarletti Spaghetti ! tu as un cou de girafe, tu es tout en noir et blanc comme dans les films d’il y a très très longtemps…”

Jusqu’au jour où elle perd cette précieuse clef vers son monde d’illusions. Elle qui n’a jamais parlé à personne entame alors un grand voyage pour le retrouver. Sur sa route elle rencontre d’étranges personnages, tous prisonniers de leurs peurs et de leurs doutes. En les aidant, en les aimant, elle se guérit petit à petit. Est-ce vraiment son petit sac en voile d’étoiles qu’elle finira par trouver ?

Scarlett, c’est une porte ouverte vers un imaginaire enchanteur, un conte féerique qui touche au cœur parce qu’il est fait avec le cœur.

Les décors, les poupées, les costumes… tous les détails du spectacle sont faits à la main, avec amour, pour offrir une belle émotion.

La musique et les chansons sont aussi des créations originales, toutes jouées en direct sur différents instruments.

Marie précise :

Nous avons mis tout en œuvre pour faire voyager et rêver les enfants mais aussi les adultes. Sur scène, nous le constatons à chaque fois : ce spectacle leur plaît aussi énormément car il a différents niveaux de lecture.

Un spectacle né d’une rencontre avec une enfant autiste

A l’origine de Scarlett, il y a une belle rencontre : celle de Marie et d’une enfant autiste qui lui a ouvert les portes de son monde.

Pour Marie, cet instant magique va devenir un vivier d’inspirations créatrices.

Elle confie :

Très vite, le spectacle rencontre un écho favorable auprès du public. Ce beau conte féerique a déjà été joué dans plusieurs théâtres parisiens au cours de l’année qui vient de s’écouler.

A propos de Christiana, Jérôme & Marie

Marie Maillot De Corte est musicienne avec un parcours atypique où elle se découvre tardivement une véritable passion pour l’alto.

Elle intègre alors le conservatoire national d’Aulnay-sous-Bois, les classes de Cyril Guignier et d’Olivier Grimoin, altiste à l’opéra de Paris. Elle obtient son prix d’Alto, et ses diplômes d’études musicales. Elle crée le quatuor Scarlett, ce qui lui permet de suivre de 2015 à 2017, grâce à Emmanuel Haratyk (altiste du Quatuor Manfred) qui transformera sa vision de la musique, la formation européenne de quatuor à cordes « Pro Quartet», et de participer à de nombreux festivals et masterclass.

Dans son parcours, elle a participé à différents projets mêlant poésie, musique, théâtre. Elle allie toutes ses passions dans son premier conte musical pour enfants sur l’autisme « Scarlett », thème qui la touche particulièrement ayant été bénévole auprès d’enfants autistes. Avec Jérôme Chabaud, comédien conteur, elle fonde alors la compagnie Jérôme&Marie.

Marie souligne :

Pour moi, l’art est un moyen d’offrir de la lumière aux gens.

Jérôme Chabaud a une formation d’animateur dans le développement des pratiques artistiques et culturelles. Il s’est formé avec les CEMEA, un organisme d’éducation populaire dont il revendique aujourd’hui les valeurs d’écoute, de groupe et de partage.

Jérôme est un artiste qui essaie de se construire grâce au subtil assemblage des pérégrinations de la vie et de celles de la création artistique.

Christiana De Corte est une artiste qui a toujours suivi la voie de ses passions, explorant ainsi la peinture, le dessin, l’illustration, la haute-couture…

Diplômée des Beaux-arts d’Anvers, elle se rend à Paris et devient l’assistante de Pierre Cardin de 1975 à 1985. Elle est styliste, dessinatrice et suit une formation de haute couture. Par la suite, elle devient créatrice freelance et multiplie les projets et les collaborations. Elle crée et dessine pour des grandes marques de linge de maison (Santens), pour la haute couture (Madame Grès), pour la porcelaine (Dibbern), illustre chez Hallmark…

Christiana a été touchée par “Scarlett”, le conte de sa fille Marie, tant et si bien qu’elle a décidé d’en réaliser tous les décors et les poupées.

Pour Christiana, les mots ne disent pas tout… les couleurs nuancent mieux les cœurs…

Pour en savoir plus

Site web : https://www.jerome-et-marie.fr/

Dates des représentations : https://www.jerome-et-marie.fr/actualites

Facebook : https://www.facebook.com/jeromeMmarie

Instagram : https://www.instagram.com/ciejeromeetmarie/

LinkedIn : https://www.linkedin.com/in/jeromemmarie-jeromemmarie-a2210b195/

[Invitation presse]Une pièce de théâtre brise le tabou du burnout : “Bien Naître au Travail, l’Histoire de Nelly” de Norbert Mouyal

Le burnout, en constante augmentation, prend une ampleur alarmante. En France, près des deux tiers des salariés (63%) se sentent potentiellement concernés par cet état d’épuisement professionnel (source). De plus, un cadre sur deux estime avoir déjà subi un burnout (source) et 40% d’entre eux n’ont pas osé en parler avec leur supérieur hiérarchique.

Dans ce contexte, comment aider tous les acteurs du monde du travail à s’emparer de cette problématique ? Pour compléter l’approche résolument positive de certains managers, Norbert Mouyal a écrit et mis en scène une pièce de théâtre :

“Bien Naître au Travail – l’Histoire de Nelly“.

Cette adaptation du livre témoignage d’Aude Selly “Quand le travail vous tue. Histoire d’un burn-out et de sa guérison” (Ed.Maxima) rappelle, avec toute la force de l’impact émotionnel, la réalité des enjeux et la nécessaire prise en compte de l’humain, celle qui impacte tout autant la performance et peut affecter le bien être.

Très efficace, et parce qu’elle peut être jouée partout, cette pièce est un puissant outil théâtral au service de la prévention des risques psychosociaux dans chaque entreprise.

La pièce sera jouée les jeudis 21 et 28 janvier et le mardi 09 février 2021 à 19h au théâtre Darius Milhaud.

Une pièce de théâtre pour en finir avec le burnout

“Bien Naître au Travail”, c’est “l’Histoire de Nelly”, qui nous embarque dans le monde de l’entreprise, avec l’impact sur l’organisation du travail, la bienveillance de l’entourage hiérarchique et la fragilité de certains collaborateurs trop investis dans leur fonction.

Nelly fait appel à la vigilance de chacun pour la mise en place d’une réelle prévention des risques psycho sociaux. Quel est le diabolique enchaînement qui l’a conduit à envisager le pire ? Comment a-t-elle trouvé l’énergie pour revivre et se reconstruire ?

Jouée ou lue en entreprise, la pièce “Bien Naître au Travail“, forte, terrible et drôle à la fois, donne à vivre émotionnellement le parcours difficile de Nelly au sein de son entreprise. Elle lève le tabou du burn-out, “donne envie” à tous de s’emparer de cette problématique et de contribuer à sa prévention, tout en livrant les clés d’une prévention efficace.

La pièce a d’ailleurs vocation à être suivie d’un débat qui se veut être un grand moment de partage pour tous : ceux qui ont été les témoins d’un burn-out, ceux qui l’ont vécu vraiment, ceux qui le pressentent et… tous les autres.

Norbert Mouyal souligne :

Avec “Bien Naître au Travail“, je veux œuvrer pour une meilleure qualité de vie au travail en incitant à agir de manière préventive sur les risques psychosociaux (RPS). Les dirigeants, les managers et les collaborateurs peuvent l’utiliser pour lutter contre les maux et même les suicides dus à l’épuisement professionnel.

Un débat pour évoquer situations et conjectures exceptionnelles

Le monde de l’entreprise est aujourd’hui encore plus touché suite à la crise sanitaire et à la présence menaçante de la covid-19.

Les actions et les modes de travail doivent évoluer rapidement pour se conformer aux nouvelles normes sanitaires créant des facteurs de stress supplémentaires. Le télétravail, par exemple, est un des éléments qui peut engendrer davantage de stress suite au manque de communication avec ses collègues, créant un déficit relationnel.

A l’issue de chaque représentation un débat est prévu pour échanger sur les solutions concernant la santé au travail, pour une prévention efficace des RPS, tenant compte des nouvelles formes de travail adaptées aux conjectures sanitaires particulières qui préoccupent le monde de l’entreprise aujourd’hui.

C’est l’occasion de soulever certaines problématiques, notamment en lien avec la situation présente, mais aussi d’autres situations qu’il est possible de rencontrer.

Une mise en abîme, sans jugement, qui interpelle

Jouée à plusieurs reprises devant des dirigeants et des managers, lors de lectures théâtrales ou en représentation, la pièce a démontré son efficacité.

Mais comment ne pas se sentir concerné(e) ? Nelly pourrait être n’importe quel cadre d’entreprise. La quarantaine joyeuse, elle est talentueuse, enthousiaste et motivée par son travail de Responsable des Ressources Humaines dans une entreprise prestigieuse de restauration rapide. Passionnée, elle consacre beaucoup de temps à son entreprise. Mais progressivement, à son insu, le doute et l’épuisement s’installent. N’arrivant plus à dormir, toujours au bord des larmes et désespérée, elle perd sa motivation et son enthousiasme. Elle fait vivre au spectateur ses troubles de la mémoire, ses pensées négatives et son ressenti émotionnel.

Pour exprimer l’instabilité du personnage de Nelly, Norbert Mouyal met en avant des situations contradictoires ou complémentaires grâce à une mise en scène très originale.

Deux comédiennes, Myriam Allais et Anne-Sophie Garigues, interprètent le même personnage de Nelly en y apportant dualité, prise de conscience, mais aussi du sérieux et de la dérision.

Cette mise en abîme, qui n’impose aucun jugement, ne présente pas Nelly comme une victime du management. Elle démontre plutôt quel est l’engrenage dans lequel s’engage un être fragile et compétent dans son travail, ainsi que le manque de lucidité de l’entourage hiérarchique face à la dégradation psychologique de certains collaborateurs.

Nelly 1 et Nelly 2 incarnent un personnage à deux voix : le côté pile et le côté face de Nelly, abordant ainsi le conscient comme l’inconscient, le drame comme le comique situation.

Nous avons tous le pouvoir de devenir des acteurs de la qualité de vie au travail

La magie du théâtre est de créer l’émotion chez les spectateurs à partir d’une histoire vécue. Or, rien n’est plus efficace que l’émotion pour mettre en mouvement et conduire à la mise en œuvre d’actions préventives !

Norbert Mouyal précise :

“Les dirigeants, les responsables du top management et les DRH ne le savent pas toujours mais ce sont eux qui détiennent la clé de la réussite d’une démarche préventive des RPS.

La belle Histoire de Nelly est une mise en garde qui décrit avec humour les imperfections de la gestion des individus. En plongeant dans son parcours, qui la conduit à attenter à ses jours, les spectateurs évoluent vers une juste réflexion sur les dangers qui menacent chacun d’entre nous, simplement en voulant s’approprier notre fonction et nos responsabilités, comme nous le faisons chaque jour en nous rendant au boulot.

Le débat qui fait suite à la représentation de la pièce permet alors de libérer la parole et d’aller plus loin, notamment en mesurant l’impact de la gestion des RPS sur la qualité de vie au travail et sur l’économie en général.

Nelly 1 et Nelly 2 incarnent un personnage à deux voix qui nous regarde et qui nous parle, écoutons-le !”

Quelques témoignages de spectateurs

Cyrille SIMMIGER, directeur de OPCALIA Auvergne Rhône-Alpes :

“Cette pièce place l’auditoire au cœur de la problématique du stress au travail. A la fin de la lecture, tous mes collaborateurs sont restés comme pétrifiés, avant de se lancer dans un débat passionnant. Je suis convaincu que l’outil théâtral est puissant pour la sensibilisation et la prévention des risques psychosociaux.”

Claire COUROYER, exécutive coach et fondatrice de C2 Conseil :

“Ayant accompagné des personnes qui étaient en pré ou post burn-out, j’ai assisté à la lecture théâtrale de “l’Histoire de Nelly” lors du Colloque de l’EMCC le 9 avril 2016, et ai été frappée par la mise en scène, la justesse du jeu des actrices et de l’authenticité de l’histoire.
La démonstration du déni dans cette inexorable descente aux enfers jusqu’au point de non-retour est une des forces de la pièce. Un point de départ pour une prise en compte de cette souffrance sourde dans les entreprises et une réflexion/action en profondeur à mener.”

Stéphane DIEBOLD, président de l’AFFEN (Association Française pour la Formation en Entreprise et les usages Numériques) :

“Une pièce saisissante par la justesse des mots… une belle entrée en matière pour se dire et nommer les maux qui touchent tant d’entreprises. A voir absolument.”

Jeanne COUROUBLE, membre de l’association Stress Experts, auteure et chef d’entreprise :

“Une plongée haletante dans les engrenages de la vie d’un cadre.
Une invitation pour l’entreprise à repenser le monde du travail, pour les collaborateurs à lui redonner sens ! Un bel outil de prévention pour chacun !”

Monique PIERSON, conférencière, ex-membre du Codir d’une enseigne de grande distribution, auteure de « L’art du management : en finir avec les idées reçues ! » (2014) et de « Et si on décidait d’être heureux, même au travail ? » (2ème édition 2016) :

“J’ai eu la chance d’assister à une lecture de la pièce et à sa représentation. Que dis-je : non ! D’y participer ! Le burn-out ? J’avais lu – beaucoup – et je croyais savoir ce dont il s’agissait. Erreur ! On ne sort pas indemne de la représentation : Nelly, ce pourrait être moi un jour ; Nelly, peut-être en ai-je fréquenté sans même m’en rendre compte…
Ce que je sais maintenant ? Que c’est une expérience humaine terrible à laquelle aucun de nous ne peut rester indifférent ; qu’elle en appelle à une responsabilité collective et que l’action préventive repose sur tout un chacun. Je pourrais en avoir besoin un jour…
Merci pour cette pièce, Norbert.”

Sabine RYCKEBOER, directrice et fondatrice de SRY Consulting :

“Le texte si réel, les émotions toujours intenses, c’est poignant, déchirant et si réel pour toute personne qui a vécu ce « voyage » – et dont je suis à la limite des larmes lorsque l’on reconnaît le comportement que l’on a adopté (je pense à cet instant, à la joie et motivation toutes retrouvées lorsqu’un nouveau projet nous est confié… alors que la charge de travail est déjà largement dépassée), lorsque l’on se reconnaît.
Revivre ce « voyage » m’a aussi éclairée sur tout le chemin que j’ai fait depuis.
Sur ma présence à moi (ma conscience) dès lors que des « alertes » de symptômes se présentent : j’ai créé mon entreprise maintenant, et mon « amour » du travail n’a pas diminué. Mais cela fait maintenant du sens !
En revanche, on ne « guérit » pas d’un burn-out. La violence de ce « voyage » marque le corps, au plus profond de chacune de nos cellules. Il y a un « avant » et un « après ». Comme dans tous voyages on ne revient pas identique, on a appris, on avance avec pour ma part beaucoup plus de conscience, de la valeur de chaque instant, de sa beauté, de son utilité même dans la difficulté.

Alors MERCI
à vous, aux actrices, à l’écrivain
Et beau chemin à vous sur les routes du partage théâtralisé du burn-out.”

A propos de Norbert Mouyal, le créateur et metteur en scène

Norbert Mouyal est créateur du Salon Solutions Ressources Humaines où il est toujours responsable de la programmation des conférences de cet événement. En parallèle, après avoir exercé 15 ans comme comédien, il est devenu auteur et metteur en scène de théâtre.

Doté de cette double sensibilité, Norbert Mouyal décide de faire de la prévention sur la thématique du burn-out (avant-pendant-après) en créant une pièce de théâtre intitulée “Bien Naître au travail, l’Histoire de Nelly“.

Norbert confie :

J’ai écrit et mis en scène « Bien Naître au Travail, l’Histoire de Nelly », en m’inspirant du témoignage d’Aude Selly, RRH victime d’un burn-out, pour que tous sachent faire “Naître” dans leur entreprise une lutte efficace contre les maux, voir les suicides provoqués par l’épuisement professionnel, qui touche un grand nombre de personnes.

C’est pour cela que “Bien Naître au travail” devrait être jouée aussi pour le grand public car elle répond à une vraie problématique d’entreprise qui touche chacun d’entre nous.

Pour en savoir plus

Site web : https://www.leburnoutparletheatre.com/

Invitation presse : https://www.relations-publiques.pro/wp-content/uploads/2020/09/invitation_presse.pdf

Facebook : https://www.facebook.com/pg/burnoutheatre/events/

Sortie Livre : Chère Insaisissable, Liane de Pougy de Sophie Tellier

Comment trouver sa place dans une société entièrement corsetée par les hommes ? C’est ce combat de femme, toujours d’actualité, qu’entreprend Liane de Pougy (1869-1950), danseuse et courtisane devenue l’une des Reines de Paris.

En se hissant très jeune en haut de la hiérarchie des Grandes Horizontales, puis en œuvrant pour la liberté d’expression et la liberté sexuelle, elle trace une certaine voie de l’émancipation féminine. Devenue Princesse Ghika, atteindra-t-elle finalement la respectabilité ? Elle meurt Anne-Marie-Madeleine de la Pénitence, « laïque consacrée » dans le Tiers-Ordre de Saint-Dominique.

Dans cette pièce, écrite pour une comédienne/chanteuse et un pianiste/comédien, Liane narre sa vie de manière vivante, littérale, humoristique, émouvante et finalement très contemporaine.

Chère Insaisissable, Liane de Pougy : le texte du Théâtre Musical enfin publié

Chère Insaisissable, Liane de Pougy est une oeuvre à part, publiée à la fois en format papier et numérique aux Éditions AlterPublishing.

Ecrit par la comédienne-chanteuse Sophie Tellier, ce spectacle musical a fait l’objet d’une lecture publique au Festival NAVA. Cette talentueuse artiste était accompagnée par un pianiste-comédien (Sébastien Mesnil dit Le Zèbre).

L’histoire est construite autour de la vie de Liane de Pougy, célèbre courtisane de la Belle Epoque. Sophie Tellier s’est passionnée pour ce personnage hors-du-commun, qui suit, contre toute attente, un parcours de liberté et d’indépendance.

Elle nous confie :

L’existence de Liane de Pougy est remplie de paradoxes : attraction, fascination, mépris, elle aura tout connu. Mais, à sa manière, elle a tracé une certaine voie du féminisme. En œuvrant pour la liberté d’expression, la liberté sexuelle et la liberté des femmes tout court, elle témoigne aussi de la dignité humaine.

Liane n’est pas seulement une des “Reines de Paris”, incontournable et protégée par les têtes couronnées du monde entier. Elle est aussi une pionnière qui choisit de divorcer, gère sa carrière tumultueuse en femme d’affaires, affiche sa bisexualité, devient écrivain, crée un journal et se réalise dans la littérature érotique.

Elle ose aussi suivre la voie de la spiritualité, en dehors des dogmes, par le don de soi au service des autres. Alors qu’elle est richissime, elle préfère se consacrer à toutes les femmes qui se trouvent au plus bas de l’échelle sociale. La sulfureuse Liane de Pougy devient ainsi Princesse Ghika puis Sœur Anne-Marie de la Pénitence.

Une vie foisonnante ponctuée de virgules musicales

L’immersion dans la vie de Liane de Pougy est ponctuée de chansons et de valses argentines, comme un pont entre les XIXème et XXème siècles.

De belles pépites musicales qui donnent du rythme et du relief, puisées parmi le répertoire de :

Reynaldo Hahn,
Erick Satie,
Joséphine Baker,
Lucienne Delyle,
Les Sœurs Étienne,
Boris Vian,
Barbara,
Juliette,
Gainsbourg…

Une préface de Laurent Chalumeau

Laurent Chalumeau est journaliste, écrivain, scénariste et dialoguiste.

Voici un extrait de sa préface :

“Une constante, tout du long : qu’elle démasque l’hypocrisie du pacte conjugal ou les conditions faites aux plus vulnérables, aux êtres improductifs dont le monde n’a que faire, les questions que soulève la scandaleuse existence de Liane sont toujours celles de notre temps.

People, pute, sainte, rebelle, tout ça à la fois — l’étonnant, ce n’est pas qu’une artiste veuille aujourd’hui raconter cette histoire. Ce qui surprend, c’est plutôt que cette vie soit restée si longtemps un secret bien gardé.”

À propos de Sophie Tellier

Comédienne au parcours éclectique, Sophie Tellier est également chanteuse, danseuse, metteur en scène, chorégraphe pour l’opéra ou chorégraphe associée pour Mylène Farmer. Elle interprète aussi la rivale dans trois de ses clips vidéo.

Comédienne et chanteuse pour A.Arias, J-M.Besset, N.Briançon, P.Calvario, J. Lassalle, M.Legrand, J-L.Revol ou J.Savary, elle a incarné Camille Claudel dans Camille C. mise en scène par J-L.Moreau (Molière de l’Inattendu 2005). Elle a aussi participé en 2014 à Dreyfus, joué à l’Opéra de Nice, la dernière création de Michel Legrand (livret de Didier Van Cauwelaert, mise en scène de Daniel Benoin).

Depuis 2015, Sophie Tellier a mis en scène Tobie et Sarra, puis Joseph, des créations musicales de Jocelyne et Étienne Tarneaud.

Au théâtre, elle a joué dernièrement dans Jean Moulin de Jean-Marie Besset, mise en scène de Régis de Martrin Donos, puis dans La double inconstance de Pierre Carlet de Chamblain de Marivaux, mise en scène de Philippe Calvario.

Pour en savoir plus

Télécharger un extrait sur AlterPublishing : https://www.alterpublishing.com/fr/chere-insaisissable.html

Facebook : https://www.facebook.com/ChereInsaisissable/

Teaser YouTube : https://youtu.be/P1ycqWM6i8I

Site web Sophie Tellier : https://www.sophietellier.com/

Agent Sophie Tellier :

Agence Talents d’Art,

Sabine Desternes

06 11 91 38 57

sabine.desternes@talentsdart.fr

Il était une fois Patrick Guérineau…

Patrick Guérineau, qui depuis 2006 incarne le barman de la série à succès Camping Paradis, rejoint une nouvelle fois le tournage de la nouvelle saison, alors que la diffusion de nouveaux épisodes a débuté sur TF1.

C’est avec beaucoup de plaisir que l’acteur retrouve son lieu de tournage et les décors de son enfance.

Patrick a passé une grande partie de son enfance entre Aix-en-Provence et les plages de Sausset-les-Pins et de la Couronne sur la côte Bleue à l’ouest de Marseille où se déroulent les aventures du fameux Camping… il y est chez lui.

Grâce à son travail et à ses multiples expériences, Patrick a su conquérir l’amitié des réalisateurs avec qui il a travaillé, ainsi que le coeur du grand public. Il apporte ainsi une touche de bonne humeur bienvenue dans la vie des Français.

Patrick Guérineau, un artiste interprète aux multiples facettes

Cinéma, télévision, théâtre….Patrick Guérineau est un acteur complet qui aime son métier et qui s’y investit.

C’est au théâtre qu’il se forme et qu’il apprend. Il rejoint la compagnie de René Loyon avec qui il collabore pendant plusieurs années et joue à Paris comme en tournée des auteurs aussi différents que Molière, Pirandello, Lorca ou Michel Vinavert dans un style plus contemporain.

J’ai adoré cette période. Le théâtre permet un contact immédiat avec le public.

En 2013, bien que les tournages de Camping Paradis lui prennent beaucoup de temps, Patrick trouve le moyen avec son ami et comparse Laurent Ournac de partir à nouveau en tournée avec une pièce de Carole Greep “Du piment dans le caviar”. C’est un succès. La trentaine de dates jouées un peu partout en France affiche complet.

En parallèle Patrick fait des apparitions au cinéma ce qui lui donne l’opportunité de creuser d’autres aspects de sa personnalité et de traverser d’autres univers. Avec Laetitia Colombani dans “Mes Stars et moi”, “Les fragments d’Antonin” de Gabriel Lebomin, “Secret défense” de Philippe Haim ou plus récemment dans un film d’anticipation “Virtual Revolution” de Guy Roger Duvert qui s’est tourné en France et en Anglais.

J’ai très envie de jouer en anglais dans des productions et coproductions internationales, la télévision le permet de plus en plus et c’est très bien.

Sa popularité auprès du grand public, c’est d’ailleurs à la télévision qu’il la doit.

Il joue dans plusieurs séries cultes comme “Plus belle la vie”, “Sous le soleil”, “Pas de secret entre nous”, “Falco” et bien d’autres. A chaque fois il s’investit dans ses personnages et les incarne avec beaucoup de plaisir.

Je mets toujours un peu de moi dans mes personnages.

Sympathique et accessible Patrick est ancré dans la vraie vie et a su trouver un équilibre entre sa vie professionnelle et sa vie de famille.

Patrick attache beaucoup d’importance à la famille. Lorsqu’il n’est pas en tournage il aime tout particulièrement être avec son fils de 17 ans et Lou sa femme qui partage sa vie depuis quatre ans maintenant. Lou, mannequin pour une importante agence parisienne, est également souvent en déplacement en France comme à l’étranger. Elle tient une place indispensable dans la vie et le cœur de Patrick.

Ma femme est à la fois un pilier et un moteur pour moi, un soutien indéfectible.

C’est probablement dans son couple et dans sa vie de famille que Patrick a puisé la force de se confronter à des épreuves sportives de renoms. Adepte des sports d’endurance il est allé au bout de courses mythiques telles que l’Ironman et d’autres marathons.

Sans eux, je ne serai probablement pas allé au bout de ces courses-là.

Il se définit lui-même comme “un type ordinaire inscrit à des courses extraordinaires”.

Tout comme il juge extraordinaire la chance d’avoir à incarner le rôle de Xavier le chaleureux barman de la série Camping Paradis qui l’a véritablement révélé au grand public.

Depuis juin 2006 Patrick incarne Xavier le beau gosse séducteur terriblement romantique et attachant, jamais avare de bons conseils, qui rêve de devenir acteur….

Un rôle que Patrick affectionne :

J’y suis très attaché et j’aime beaucoup ce personnage.

Les téléspectateurs aussi ! Pour la reprise de la diffusion de la série à succès, ils étaient 5 696 000 à regarder l’épisode inédit du 13 mars 2017, offrant ainsi à Tf1 la plus grosse audience prime time ce soir-là (24,3% de PDA).

C’est avec beaucoup d’enthousiasme que Patrick a donc rejoint le tournage de la prochaine saison à venir.

Pour en savoir plus

Facebook : https://www.facebook.com/Patrick-Guerineau-44780252877/

Instagram : https://www.instagram.com/patrick.guerineau/

Théâtre de la coupe : une pédagogie ludique et corporelle du théâtre par l’improvisation

Ré-volutionnairement enfantin !

« Le texte, au théâtre, c’est encore ce qu’il y a de moins important. » – (Ne réveillez pas Madame) (source)

Si le dramaturge l’a dit, c’est au théâtre de la coupe que l’on peut s’en rendre compte.

Par la méthode Gulu Monteiro, le théâtre de la coupe a à cœur de faire travailler les acteurs non plus à partir d’un texte, mais à partir du corps, des sens, des émotions. En effet, la technique du jeu dispensée est une pédagogie enfantine, ludique, corporelle.

La créativité prend alors tout l’espace, jusqu’à ce que le cogito ergo sum de Descartes s’inverse : je suis, donc je pense. Le théâtre de la coupe propose ainsi de laisser les costumes pendus en coulisses pour offrir au spectateur comme à l’acteur, une mise en abîme de soi-même au rythme des gestes et des mouvements d’un corps libéré.

La rencontre entre amateurs et professionnels, entre deux corps d’une manière plus générale, encourage aussi le plaisir de jouer et de composer avec l’Autre. Improviser avec Soi, comme avec l’Autre, c’est être tout à la fois dramaturge, metteur en scène, scénographe, et acteur pour développer l’écoute et l’échange, pour proposer une performance de et sur l’instant.

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Partir à la (re)découverte de son Soi grâce à une approche du théâtre innovante

Au théâtre comme dans la vie, le texte n’est pas le plus important. Le regard, la gestuelle, la façon de se mouvoir, les expressions du visage… notre corps est notre premier outil de communication.

Les neurosciences montrent d’ailleurs que le corps, ainsi que les sens et les émotions, joue un rôle déterminant dans les prises de décisions et dans l’empathie.

Jeanne Gounod, actrice, metteuse en scène et auteure au théâtre de la coupe souligne :

Le moindre mouvement d’une partie de corps transforme la relation entre plusieurs individus.

C’est pour cela que le théâtre de la coupe a développé une approche totalement inédite qui mixe :

une pédagogie innovante : utilisation d’une technique théâtrale mêlant le clown, le mime et la danse
une nouvelle pratique permettant de redécouvrir son Soi : élaborée par le metteur en scène Gulu Monteiro, très connu aux USA et en Grande-Bretagne, cette méthode de construction de personnages révolutionnairement enfantine permet au corps de leurrer le cerveau et obtient des résultats véritablement époustouflants (ils ont été observés par le neuro-scientifique Antonio Damasio, auteur du livre « L’erreur de Descartes »).

Depuis sa création en 1994, le théâtre de la coupe a toujours gardé la même ligne artistique, à la fois réaliste et burlesque : “Pour un détail parfois subtil la vie devient du sport”.

Jeanne Gounod présente cette philosophie dans cette vidéo :

Fille de migrants (pieds noirs d’Algérie), Jeanne a grandi dans l’affection du croisement des cultures. Elle considère que c’est d’abord le non-dit qui fait culture et société. Depuis 1998, elle a d’ailleurs lu et analysé de nombreux ouvrages autour du savoir-vivre.

Son dernier projet à produire en est la parfaite illustration : le “Championnat de la Vie Quotidienne” est sans paroles. Il porte sur le thème du “vivre ensemble” car dans le quotidien, comme chacun d’entre nous a pu en faire l’expérience, le moindre geste ou regard peut avoir des conséquences… spectaculaires !

Se divertir pour apprendre et penser par le corps

Le théâtre sans texte écrit, sous forme d’improvisation, est de plus en plus populaire en France. Mais parmi les compagnies existantes, il n’y a que le théâtre de la coupe qui propose une pédagogie ludique, corporelle, accessible à tous quel que soit son niveau (de l’amateur débutant à l’acteur professionnel) et qui permet l’aisance relationnelle en se passant pratiquement de paroles.

Son credo : pour apprendre, il est fondamental de découvrir et d’expérimenter en s’amusant !

Les acteurs laissent ainsi la parole à leur corps afin de :

savoir choisir des gestes ou des actions qui sortent du mimétisme ou du convenu,
être AVEC : être en relation à avec soi-même, en présence face à ses propres ressentis, à l’autre et aux autres,
développer son empathie,
considérer qu’un rien peut créer un événement.

Focus : la rencontre entre amateurs et professionnels

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A ce jour, le théâtre de la coupe n’a créé et diffusé que des succès. A titre d’exemple, il faut savoir que l’avant-dernier spectacle a donné lieu à 154 représentations et qu’il a été tourné en moyen métrage vidéo !

Agréé Jeunesse et Education Populaire en 2012, il présente une véritable particularité : depuis 2009, il organise des ateliers de théâtre qui réunissent 20 acteurs professionnels corporels et bilingues avec des amateurs de 6 à 86 ans.

Même son bureau est composé en majorité par des amateurs formés par le théâtre de la coupe !

Ces échanges entre professionnels et amateurs de tous âges alimentent le développement de tous les projets, et notamment le “Championnat de la vie quotidienne” qui s’articule en 9 volets dont :

un atelier d’écriture à l’étude à la DGESCO (Éducation nationale),
un atelier de vivre ensemble, subventionné par la Direction Régionale de la Jeunesse, des Sports et de la Cohésion Sociale d’Ile-de-France
une formation (“Du sens du détail à l’histoire sans parole : un jeu d’enfants pour mieux vivre ensemble”)
un projet audiovisuel, à l’UNESCO

Parce que plus les acteurs sont nombreux et différents, plus la création est amusante et passionnante !

Tour d’horizon des différentes prestations proposées par le théâtre de la coupe

Le théâtre de la coupe propose plusieurs stages, ateliers, sessions de team building… autour de l’improvisation :

Actions périscolaires de théâtre improvisation, sur 6 à 12 semaines ou un an : le Championnat de la Vie Quotidienne (initiation au théâtre sans parole et sensibilisation au sens du mouvement dans une relation avec un thème d’improvisation unique : une chaise, deux individus) et GPS/Passe-Partout (ateliers bilingues, interculturels, sur un principe d’improvisation innovant)
MOIDABORD et les TOIDABORD : à partir de 6 ans, pendant un trimestre et demi ou un an, ces ateliers sont constitués d’une initiation au théâtre et de rencontres improvisées entre deux équipes de grands sportifs du quotidien, les MOIDABORD et les TOIDABORD, deux contrexemples éducatifs joués alternativement par chaque acteur
Ateliers d’écriture
Concours
Atelier de vivre ensemble : pour tous les publics, jeunes ou adultes (12 à 16 participants), cet atelier permet d’apprendre à faire des choix de gestes dans un contexte précis (car pour être en empathie, il faut savoir ce que l’on vit soi-même)
Formation pour les professionnels du spectacle (du sens du détail à l’histoire sans parole : un jeu pour vivre ensemble)

Pour en savoir plus

Site internet : http://www.tdlc.biz/